Crash Comics

EXPOSICIÓN ANDRÉS G. LEIVA

2012-01-25T19:09:00.003+01:00

El próximo 8 de febrero se inaugura en la Sala de Exposiciones Tríptico una exposición con trabajos de Andrés González Leiva (Córdoba en 1969). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla actualmente imparte clases de Dibujo en el IES Luis De Góngora. Descubre el mundo del cómic a mediados de los años ochenta y serán autores de esa época los que más influirán en su manera de entender los entresijos de la historieta. Dibujantes como Corben, Bernet, Carlos Giménez, Bilal, Mattotti, Das Pastoras y, más tarde, Prado son los ejemplos más representativos de una larga lista. En 1998 es premiado con un áccesit en el Primer Certamen de Cómic Injuve.Desde entonces colabora asiduamente con las revistas Androito Ke-Ke y Dos Veces Breve (Adriana editorial) de Córdoba y Tos (Sins Entido-Astiberri).Sus álbumes individuales son:Historia de IVÁN (2000, Diputación de Córdoba), Bichos Raros (2001, Escuela de Arte Mateo Inurria de Córdoba) y El misterio de Electra / Horrible hórreo (2002, Sins Entido), obra con la que es nominado en la categoría de autor revelación en los premios del 21º Salón del Cómic de Barcelona, Juana de Arco (2005, Sin Sentido) nominada al premio a la mejor obra en el 23º Salón del Cómic de Barcelona. Esta obra y EVELYN, el extraordinario caso del doctor Corman (2009, Sin Sentido- Diputación de Cuenca) tienen una pequeña tirada en francés .También ha participado en los tebeos colectivos Plagio de encantes (2001), Tapa Roja (2003) y Lanza en Astillero (2005) experimentos narrativos a cargo de la editorial Sins Entido y Jesús Cuadrado.Ha participado en Eutopía 2007 coordinando el taller de cómic La pared original: tres historias contemporáneas comisariado por Paco Cerrejón de Veleta y con la participación de los dibujantes de cómic Rutu Modan Y Charles Berberian.

Esta exposición durará hasta el 24 de febrero y se complementa con unas Jornadas de Cómic en la Educación en las que el autor explicará los procesos de creación que utiliza, así como las experiencias de la aplicación didáctica que viene realizando desde hace años.
Fuente: Sala Tríptico (C/ Motril, 14013 Córdoba)

LLENANDO EL VACÍO

2012-01-24T11:20:00.003+01:00

Título: PAGANDO POR ELLO
Autor: CHESTER BROWN
Editorial: LA CÚPULA
Páginas: 300
PVP: 26 €

Dice Veronica Monet en la solapa de Pagando por ello que esta reciente novela gráfica de Chester Brown (Montreal, 1960) es “una representación sincera y fiel de la prostitución de clase media desde el punto de vista del cliente medio”. La activista sexual, antigua chica de compañía y cortesana continúa: “El lector hará bien en leer el epílogo y los apéndices donde Chester Brown arremete contra los argumentos en contra de la prostitución con claridad, lógica y una impecable atención al detalle”. Pues bien, estos dos son los ejes del fenomenal libro de Brown sobre su experiencia como putero: la representación y la argumentación.
En cuanto a lo primero, Brown demuestra aquí una absoluta madurez narrativa, un dominio total sobre la planificación y el ritmo y un estilo exquisito basado en la síntesis gráfica y temática, en la repetición y en la elipsis, recursos que acercan el producto al minimalismo. Todo lo dicho es apreciable en anteriores trabajos de Brown como Louis Riel, Nunca me has gustado o El Playboy, pero remarco aquí los términos madurez y exquisitez, pues el canadiense se supera con cada nuevo trabajo y Pagando por ello alcanza, en mi opinión, cotas de excelencia formal por su eficacia y su ya citada claridad.
Argumentalmente, la novela gráfica se suma a los trabajos autobiográficos de Brown, herederos en parte de los de su amigo el histriónico Joe Matt, a quien va dedicado el volumen y a quien, como sigue, se le reconoce la deuda en la dedicatoria: “sus cómics (…) han sido y son para mí una fuente de inspiración”. En este sentido, la también afirmación de Monet “el libro de Chester Brown no trata otros tipos de prostitución como la de las chicas de compañía de lujo y el enrarecido mundo de las cortesanas” sencillamente denota que Pagando por ello es, antes que nada, la puesta en escena de una experiencia personal, el retrato de las obsesiones íntimas de su autor, no un tratado sobre prostitución.
Sin embargo, tal como se describe a sí mismo, Brown parece un tipo reflexivo, capaz de comprometerse con una idea hasta sus últimas consecuencias, pero dialogante, dispuesto a confrontar sus puntos de vista con los de los demás. Esta querencia al diálogo sustenta el segundo eje del libro, la argumentación. Haciendo uso de una fenomenal documentación, Brown se permite estructurar con firmeza un discurso a favor de la descriminalización de la prostitución y en contra del ideal de amor romántico. Este discurso subyace, y a veces se explicita, a lo largo de todo el tebeo y alcanza el rango de ensayo fragmentario en los jugosos apéndices y notas que, continuando la estrategia textual que caracterizaba Louis Riel, complementa y enriquece la lectura de las viñetas. El discurso es firme porque Brown, tolerante y respetuoso donde los haya, se alinea constantemente a favor de lo que Seth, en sus propias notas en los apéndices, denomina “la inviolabilidad del derecho a la propiedad”. Para dejarlo más claro, esa feliz coda de la lógica capitalista y la filosofía libertaria se concreta en Pagando por ello en una encendida defensa del derecho a la propiedad privada del propio cuerpo.
Polémico, interesante, formativo, esclarecedor, sincero y hermoso, el libro de Chester Brown ofrece mucho más que la mayoría, por el mismo precio.

Javier Fernández

LOPEZ ESPÍ EN CÓRDOBA

2012-01-16T22:23:00.006+01:00

En los kioscos de los años 70 no faltaba ni el semanario El Caso ni los tebeos de la editorial Vértice. Esta editorial barcelonesa comenzó en 1969 a publicar las historias de los superhéroes creados por Stan Lee en la editorial norteamericana Marvel. Eran kioscos que en vez de vender dedales de colección, como ahora es el caso, vendían sesudos fascículos sobre la guerra mundial, la guerra civil, la Historia del mundo, la Historia de España, la Historia Universal... en fin todo lo que cualquier filósofo (amante del saber, en griego) espera encontrar en un kiosco. Tengo mi casa llena de tomos coleccionados por fascículos que hoy me sirven para dar fe de que la wikipedia lo intenta, pero que nada hay más fiable que algo publicado en un fascículo vendido en un kiosco en los años 70. Yo no tenía edad como para coleccionar fascículos sesudos y hoy, al escribir sobre la llegada de Rafael López Espí a Córdoba, me he dado cuenta de por qué me dio por coleccionarlos o cómo llegaron a mis manos. Pues bien, la culpa la tuvo López Espí.
López Espí era el ilustrador de casi todas las portadas de los tebeos de superhéroes que publicó la editorial Vértice entre 1969 y 1981. El por qué la editorial decidió que fuesen ilustradores españoles quienes reilustrasen las portadas para la edición española, en vez de publicar directamente las americanas nos lo explicará López Espí en la conferencia que nos dará el día 18 de enero. Lo que aquí nos ocupa es que nuestros kioscos estaban repletos de tebeos cuyas portadas estaban ilustradas por López Espí. Spiderman, Hulk o Namor, daba igual, todos tenían el trazo Espí. Era López Espí, sus pinceles, su gouache, quien nos atraía hacia el kiosco. Y claro, una vez allí, además de tebeos veíamos fascículos escritos por profesores universitarios y los comprábamos. Los que lo hicimos, hoy no tenemos sintonizadas cadenas como Tele 5 en nuestro televisor. Los que la tienen sintonizada es porque en vez de fascículos se compraban El Caso.
Más de 3.500 portadas ilustró López Espí para Vértice. Todos los superhéroes pasaron por su mano. Incluso alguno que no era Marvel, como Flash Gordon o El Hombre Enmascarado. Quizá sin quererlo, la editorial Vértice creó un estilo y un imaginario distinto en el lector de superhéroes de la piel de toro. Sabíamos que detrás de Espí venían las viñetas -hasta finales de los 70 no llegó el color a sus páginas- de Kirby, Buscema o Colan; pero para acceder a ellas había que rendirse primero al pincel de las portadas de López Espí. Y hoy día seguimos teniendo, y lo que es peor, comprando en ebay esos malditos tebeos de Vértice que estaban mal impresos, las páginas están ya sin excepción amarillas por culpa del mísero papel empleado y en el caso del Volúmen 1, las viñetas originales estaban retocadas por no decir violadas y ultrajadas. La única respuesta a nuestro amor por tan pésima edición es la portada. La única respuesta son las composiciones de López Espí, diferentes a las del resto del mundo, un mundo que mantuvo las portadas americanas.
Treinta años después de la desaparición de la editorial Vértice, una exposición la recuerda y tenemos la suerte de contar con Rafel López Espí para inaugurarla y dar una conferencia. En la sala de exposiciones Cajasur, en la calle Reyes Católicos, se exponen desde el día 18 de enero hasta el 2 de marzo un total de quince obras originales de López Espí junto a los tebeos en los que aparecieron como portada. Se podrá ver también una proyección en la que se muestran las viñetas originales americanas de un Spiderman comparadas con las españolas, adaptadas -o ultrajadas- por Vértice. También habrá ejemplares de los superhéroes Marvel editados por la edición alemana Williams en esa misma década de los años 70; así podrá comprobarse que aunque los kioscos alemanes no vendían El Caso ni fascículos, la edición de sus Thor, de sus Cuatro Fantásticos y demás era maravillosa, con excelente papel pero con un grave defecto: faltaba López Espí. Ahora ha venido una pequeña parte de su obra a Córdoba y con ella llega su autor y los recuerdos de aquellos kioscos en los que La Cosa compartía vecindad con El Caso, qué curioso o curiosa.
Ah, una cosa o caso más, Cajasur ha tenido a bien publicar además un excelente catálogo que cuenta con la pluma de Javier Fernández, escritor, experto en comics y habitual de este blog y también de aquellos kioscos de los 70 en los que no me cabe duda, además de quedarse prendado por las portadas de López Espí, miraba de reojo aquellos titulares de El Caso que decían cosas como: “Veló a un muerto que no era suyo” o “anciana apaleada por su sobrino pedigüeño”, casos reales que Silver Surfer no habría permitido que ocurriesen.

Fernando González Viñas

Chronicles of Wormwood

2012-01-09T11:18:00.003+01:00

Glénat ha reeditado la primera entrega de Chronicles of Wormwood al tiempo que ha puesto a la venta la segunda. Ambas son obra de Garth Ennis, ilustradas respectivamente por Oscar Jiménez y el dibujante estrella de Avatar Press Jacen Burrows, que también trabajó con Ennis en el primer volumen de Crossed y con Alan Moore en su Neonomicon.
Si el Crossed de Ennis (sucedido luego por David Lapham a los guiones) es una especie de The Walking Dead pasado de rosca por el filtro salvaje característico de su escritor, Wormwood se encuentra mucho más cerca de su obra más recordada: Predicador.
Tanto por su argumento y personajes, como por encontrar en su narración la medida justa entre los elementos característicos que Ennis introduce en prácticamente todos sus cómics: Humor negrísimo, tono cool, protagonistas carismáticos, exaltación de la amistad, romance imperfecto y la irrupción de lo sobrenatural y religioso con un demoledor estilo crítico y desmitificador.
Y es que la historia se presta a ello: Danny Wormwood es el anticristo. Pero es buena gente y pasa de desencadenar el apocalipsis. Dirige en New York una cadena de televisión al estilo de la HBO y es colega de Jesús, un Mesías afro con rastas algo tocado y con tendencias comunistas.
Además están Jimmy el conejo parlante friki de Star Wars y acosador en la red, Maggie, la chica de Wormwood y uno de los mejores y elaborados personajes del cómic, y villanos imprescindibles como el Papa Jacko o el delirante tándem formado por el mismo Dios (tan poco fiable como lo era en Predicador) y el Diablo.
Si bien el primer tomo nos presenta personajes y situaciones que definen el particular universo de Wormwood sin crear en realidad un gran conflicto cósmico (pese a lo apoteósico de su desenlace), el segundo volumen, La Batalla Final, pone mayor énfasis en ello pero sin descuidar el tono cotidiano y cercano de la historieta.
Pero las afortunadas similitudes con Predicador van más allá: Si en aquella teníamos como hilarante secundario al recordado Caraculo, aquí tenemos nada menos que a un Carapolla para resultar casi tan pringao como aquel. Y en el propio Danny Wormwood vemos ecos de otros protagonistas de los cómics escritos por Ennis, desde su John Constantine de Hellblazer hasta el propio Jesse Custer de Predicador, pero encontrando su propia voz como inglés hijo del demonio a su pesar.
La pelea contra el supuesto destino marcado por quienes quieren manipularle también la recreó Ennis en los planteamientos iniciales de The Darkness, donde el sicario Jackie Estacado seguía más interesado en sus devaneos sexuales y en su amor platónico que en el destino apocalíptico que se le reservaba.
Ambas entregas de Chronicles of Wormwood son sobretodo una lectura amena y divertida.

J.A.Santiago

LA ÚLTIMA FRONTERA

2011-12-09T11:36:00.004+01:00

Título: AQUEL QUE VIAJA, AQUEL QUE PASEA
Autor: RAÚL
Editorial: DIPUTACIÓN DE SEVILLA
Páginas: 120
PVP: 12 €

Me las paso hablando de Raúl, ni sé la de veces que lo he citado a lo largo de los años, o, mejor dicho, siempre que puedo lo traigo a colación. Iba a añadir: venga o no venga al caso, pero es que, oiga, siempre viene al caso. Mi primer libro de poemas lleva por portada un dibujo que hizo expresa y generosamente para mí; dibujó también la portada del segundo, pero este lo dejé inédito porque el contenido no está aún a la altura de la ilustración. La primera entrada de mi blog de historietas es la reproducción de una serigrafía suya que también me regaló, y tengo enmarcados más dibujos suyos que de cualquier otro artista. Diez, doce veces regalé su libro Fe de erratas, y otras tantas hice lo propio con Berlín 1931, y si me encontrara una caja de tebeos de Raúl en una librería no duden que los compraría todos para después darlos sin más intención que ayudar a la causa. Que no es otra que mostrar, demostrar, que el madrileño criado en Córdoba es el súmmum del tebeo español, el no va más, la última frontera.
Pasa además que el que lo ve lo entiende, y uno se vuelve acólito de inmediato. Por eso estoy que no quepo en mí desde que se inauguró la exposición Aquel que viaja, aquel que pasea en Sevilla, el pasado día 25 de noviembre. Porque sé que cuando acabe el evento, el próximo 8 de enero, habrá muchos más raulistas por el mundo. Proselitista que es uno, y ecuménico el mensaje. Los reconozco de inmediato, a los raulistas, y si no, no hay caso: antes o después acabamos hablando del genio, que es que nos come por dentro, y ahí ya encajamos las piezas. Rara vez tomo yo el tren para ir a ver una exposición, quiero decir, ha sido una sola vez –ya ven si es raro– esta del pasado sábado que me fui con mi mujer al XII Encuentro del Cómic y la Ilustración de Sevilla, concretamente a la Casa de la Provincia, donde está la muestra. Pero, claro, cómo no ir si se trata de Raúl, que se prodiga poco. O peor aún, que lo prodigan poco.
Permítanme adelantarles que la muestra está dividida en dos partes, como el catálogo que la acompaña: Uno, Aquel que viaja, compilación de páginas de historieta y escenas colombianas, las primeras mágicas, imposibles, irredentas, tan absorbentes que no sabe uno cómo dejar de mirarlas, las segundas impactantes, tremendas, rabiosas. Y dos, Aquel que pasea, paneles que reproducen un puñado de las numerosísimas ilustraciones de prensa, poemas visuales que el artista ha ido diseminando a lo largo de los años por varias, privilegiadas, publicaciones y de las que, en la mayoría de los casos, no existe ya original que exponer. Digo poemas visuales y habrá quien piense que un poema lo escribe cualquiera. Estos no. Son fruto de un talento bárbaro, de los de nocaut.
La selección expuesta no es tan amplia como iba a serlo en un principio, pero ya se sabe que tenemos a la administración en crisis y paseando tijeras, aunque no estoy yo por quejarme, insisto, sino loco de contento. Hay un montón de inéditos enmarcados, y estos han caído luego dentro del catálogo, así que se pueden disfrutar en casa, una y otra vez. Y hablando del catálogo –que arriba he puesto que vale 12 euros porque es el precio al que lo vi en una mesita, aunque no sé yo si no se lo regalarían a ustedes si lo pidieran amablemente–, el libro incluye un jugoso ensayo escrito por Raúl, que revela algunas de sus intenciones artísticas y hace un recorrido didáctico por diversas piezas, y tiene también un cuco desplegable y hasta guardas impresas. Ay, qué cosa más bonica…

Javier Fernández

HOTWIRE, DETECTIVE EXORCISTA

2011-11-30T19:14:00.004+01:00

Título: Hotwire. Réquiem por los nuestros
Autores: Warren Ellis, Steve Pugh
Editorial: Dolmen
Páginas: 144
PVP: 20€

Hay detrás de HOTWIRE una gestación prolongada irregularmente durante casi 20 años, y se nota. Que no os engañen los nombres de la portada, Warren Ellis ideó y colaboró en la creación original del personaje y comparte sus derechos de autor, pero el tomo es obra íntegra de su otro responsable, el dibujante y ahora escritor Steve Pugh, que refleja un interés y aprecio por el personaje notables.
La historia se ha actualizado, modificado y depurado mucho desde que se planteó inicialmente, y Alice Hotwire abandona su aspecto de heroína postpunk a lo TANK GIRL inspirada en la revista 2000 A.D. y ha renacido como una chica menuda con aire geek oriental, gruñona hasta lo insoportable y carismática, dura y vulnerable, que en el arte realista de sus viñetas protagoniza una historia que combina lo futurista, lo policial, la comedia negra y lo siniestro con estética de superproducción para un improbable videojuego cinematográfico inspirado en la serie B más variopinta .
En las situaciones y las pullas que los personajes se lanzan se entrevé la crítica a circunstancias sociales y políticas actuales sin profundizar en ellas, centrándose en una entretenida y sencilla (aunque trabajada) trama y en un sangriento sentido del espectáculo. El particular universo necrotecnológico de HOTWIRE amenaza en su desenlace con continuar en nuevas entregas, que espero que no tarden otros veinte años en materializarse ni decaigan en la calidad que distingue este primer capítulo autoconclusivo.

J.A.Santiago

¡CEREBUS ME ENCANTA!, NO SE SI LO HABÍA DICHO...

2011-11-14T10:57:00.005+01:00

Título: Cerebus,Iglesia y Estado Volumen 1(de 2)

Autor: Dave Sim

Editorial: Ponent Mon

Páginas: 592

PVP: 34 €

Después de muchos años detrás de la traducción al castellano de ésta obra mítica del independiente americano, que se compone de 16 tomos recopilatorios en su edición original (Dave Sim no creía en la exactitud de las traducciones a los idiomas que no sabía leer), éste autor(Ontario,1956) posibilita que una editorial española (Ponent Mon), se haga con sus derechos por éstas tierras. Relacíón fructífera ésta que desemboca ya en un segundo tomo de nuestro oso hormiguero preferido.
Ya se reseñó hace algún tiempo el tomo I llamado Alta Sociedad (1986, en su edicón original) en este blog (magnífico tomo,por cierto), dónde Sim vuelca sobretodo el tema que en ése momento llena su cabeza: la política, en 512 páginas llenas de ese estilo que tanto caracteriza el arte y la forma de narrar de Sim. Éste primer tomo fué el pistoletazode salida en Abril del 2010. Fue un pequeño revulsivo en esas fechas, porque la editorial Ponent Mon empieza la serie con el tomo 2, en lugar del 1. La razón es bastante simple: eran deseos expresos del autor. La historia no se resiente nada al empezar sus aventuras con Alta Sociedad.
Dave Sim, canadiense de nacimiento, ha dedicado más de 6000 páginas (no, no sobra ningún cero), en Cerebus. En éste tomo que nos ocupa, emplea más de 600 páginas (de más de 1200 si juntas ambos tomos), en un nuevo pico creativo que encumbra aún más ésta parte (de 2) titulada 'Iglesia y Estado'. ¿Qué nos vamos a encontrar en éste tomo I de Iglesia y Estado?, se estarán preguntando los lectores...
Empecemos por las novedades artísticas. Es el primer tomo dónde Gerhard (dibujante amigo de Sim) incorpora fondos a las viñetas, dando un empaque visual muy efectivo.
La temática cambia de la crítica al poder político del tomo 1 (que aún existe en sus páginas) a la religión, donde Dave Sim la entrelaza con divertidas tramas, mezcladas con su particular punto de vista de la cultura pop y experimentando con las viñetas como sólo él sabe hacer. Como se suele decír en éstos caos, un desvarío genial.
Al comienzo de la aventura hay un personaje-parodia de Lobezo, llamado Wolveroach, por el cual Sim tuvo un montón de problemas con la Marvel, éste es un momentode pura cultura pop a los cuales me refería más arriba dónde se nota que Sim se lo pasa bomba en la construcción de sus secundarios, que suelen ser de auténtico lujo.
A los que se acercaron al primer tomo de CEREBUS, ni que decir tiene que deben de seguir sus aventuras en éste tomo que nos ocupa. A los que aún no han leídonada de él, que empiecen por el tomo I y dudo de que no se enganchen a ésta magnífica serie, en la cual el derroche de inteligencia que impregnan sus páginasdan fe de la visión del mundo y sus diferentes estratos sociales, como pocos que se puedan encontrar en las estanterías de las librerías actualmente.
¡Cerebus me encanta!, no sé si lo había dicho...
Francisco Jose Arcos Serrano.

UN INTENSÍSIMO HAZ

2011-11-07T20:14:00.003+01:00

Título: INFORME SOBRE CIEGOS
Autor: ALBERTO BRECCIA
Editorial: ASTIBERRI
Páginas: 64
PVP: 17 €
Decía el viejo Alberto Breccia (Montevideo, 1919-Buenos Aires, 1993) que su sueño dorado era adaptar a Borges a la historieta. Me lo confesó personalmente cuando lo conocí en 1992, meses antes de la publicación en España de su alucinante versión gráfica de Informe sobre ciegos, el célebre texto de Sabato incluido en la novela Sobre héroes y tumbas (1961). Yo, que por aquel entonces era joven e ignorante –ahora ya no soy joven, pero sigo igual de ignorante–, le pregunté que si la soñada adaptación del argentino sería libre o literal y el hombre enarcó la ceja y contestó seca y sencillamente que “sería un pecado modificar a Borges”. Curiosa paradoja: no modificar, modificando. ¿Aunque qué otra cosa es adaptar?
Con Juan Sasturain al guion, Breccia utilizó a Borges como personaje en la farsa política Perramus y ambos trasladaron también a imágenes el relato “El fin”, de Ficciones, pero el dibujante uruguayo, argentino de adopción, ansiaba dedicarse en extenso al bonaerense, recrearse en aquel universo que tanto amaba, absorberlo desde dentro. Y es que la literatura, como afirmó en mil entrevistas, era una de las grandes pasiones de su vida. Y por ella sentía más apego, curiosamente, que por la propia historieta. “Jamás leí un cómic”, me dijo en aquella ocasión, “nunca, ni de niño. Leía los que me tocaba ilustrar a mí porque no tenía más remedio. Así que no me pregunte cómo está la situación de la historieta. No me interesa el cómic”.
En la última etapa de la larga y espléndida carrera artística de Breccia, se sucedieron las adaptaciones de Poe, Lord Dunsany o Lovecraft, maestros del fantástico anglosajón, de la alegoría; y de los latinoamericanos, cronistas de un mundo en crisis, Quiroga, García Márquez, Carpentier, Guimaraes Rosa, Rulfo, entre otros. Ejercicios de variación que contradicen a todo aquel que considera que la supuesta pureza lingüística de un medio da frutos superiores a los del mestizaje, que existe tal cosa como un lenguaje propiamente historietístico y otro que lo es menos. Pocas veces encontrará el lector tebeos mejores que estos, que comenzaron no siendo tebeos, sino cuentos o fragmentos de novelas, y mantuvieron hasta el final la confusión de su naturaleza. No hay contradicción alguna. La palabra es fábrica y morada de la imagen.
Una y otra vez, supo el haz de Breccia iluminar significados ocultos en las diversas obras de partida, amplificar los más patentes, inventar otros nuevos, siempre con el amor del lector devoto que desea compartir sus lecturas con el mundo. Y quizá sea La gallina degollada la versión brecciana más celebrada, por la fuerza expresiva con que lee el maestro la historia de Horacio Quiroga, y Los mitos de Cthulhu la más exitosa, por reunir en un solo libro la visión de dos genios superlativos, pero seguramente sea Informe sobre ciegos la más meritoria del conjunto de traducciones gráficas, por la complejidad de llevar a imágenes las elucubraciones y obsesiones del Vidal Olmos de Sabato, y el delicado balance que se crea entre lo concreto y lo abstracto. La novela gráfica, joya que había permanecido demasiado tiempo lejos del alcance de los lectores y ahora nos trae en cuidada edición Astiberri, es un inquietante recuento de las tinieblas del alma humana, una meditación sobre el miedo a lo desconocido y un festival visual que logra dar forma a lo inasible. Toda una obra maestra, una de las muchas que nos legó Breccia.

Javier Fernández

MI ENFERMEDAD Y YO

2011-11-02T18:31:00.004+01:00

Título: Monstruos
Autor: Ken Dahl
Editorial: Ponent Mon
Páginas: 208 B/N
PVP: 18 €

El autor de éste cómic tiene Herpes y quiere que todo el mundo sepa lo que es tener una ETS. Ya por esa desnuda sinceridad, merece la pena echarle un buen vistazo. La reseña de ésta obra que nos ocupa es un tanto especial. Al decir especial, me refiero al tipo de historia de la cual se trata. Seamos claros desde el principio: TODO EL MUNDO DEBERÍA DE LEER ÉSTE CÓMIC.Así de simple.En parte educativo,en parte ficción,se nos narra la lucha de su autor contra la enfermedad llamada Herpes,durante más de 3 años, luchando por vivir una vida normal con las limitaciones que conlleva ésta patología. La historia se remonta a cuando Ken Dahl (también conocido como Gabby Schulz) empezó a publicarlo en mini-cómics (así se forja la evolución de un autor indie), cautivando a los lectores que se acercaban a esa historia de pocas páginas con unos dibujos mezcla de Peter Bagge y Jeffrey Brown.... Hasta su recopilación en un tomito integral. Dahl es un excelente y honesto narrador, manipulando los diferentes registros que tiene a su alcance para llegar a un fin, y no es otro que el lector se emocione, y empatice con el personaje. Un dato importante que hace más creíble (si cabe) su historia: más del 75% de los habitantes de los EEUU tiene Herpes. Es una enfermedad silenciosa, dónde la desinformación y la ignorancia por parte de los habitantes está a la órden del día. Es un dato bastante triste, teniendo en cuenta cómo se las gastan los americanos en otras 'facetas' de su vida... ES UNA ENFERMEDAD INCURABLE, no sé si lo he dicho ya, pero es importante saberlo. Al terminar de cerrar éste tomo,se saben más datos sobre la enfermedad, y la forma que tiene de afectar a sus pacientes. Esa forma de afectación y el lidiar diariamente con la misma, lo puede emparentar con otros coetáneos suyos como por ejemplo Joe Matt, más que nada en el tratamiento del patetismo y la depresión que sobrevuela sobre el personaje. En un párrafo más arriba he sido bastante claro, así que intentaré seguir siéndolo:algunas de sus escenas me han hecho sentir muy, muy incómodo. La respuesta a ésto es bastante fácil: asusta de lo real que es, porque nos puede pasar a tí,querido lector que estás leyendo ésto ahora mismo, o a mí. Así es la vida. Hay que aprender a vivir con ello, ya no en éste caso particular, sino extrapolándolo a cualquier otra enfermedad. Pese al tema tan incómodo que trata, Dahl siempre dá en el clavo, y también se pone divertido cuando la historia lo requiere. Su representación monstruosa del virus es bastante acertada, y cuando usa las metáforas en su propia persona, 'animalizándose' (dando forma a su salida particular de sentimientos y rencor acumulados) no se pueden expresar de forma más acertada.Debería ser lectura referencial para cualquier profesional de la salud (entre los que me incluyo), pero eso no debe quitarle importancia a que es de obligada lectura también para cualquier aficionado al buen cómic(entre los que me incluyo también). Todo ello en una edición muy bonita por parte de Ponent Mon, con una rotulación excelente (nada que ver con otras 'monstruosidades'que se ven por ahí por parte de otras editoriales). Para los indecisos,la editorial ofrece un avance gratuito de 31 páginas del cómic. Así que corran a su punto de venta más cercano y compren Monstruos. Uno para leer y otro para regalar.... Sin lugar a dudas, uno de los mejores cómics del 2011. No lo dejen escapar... Después puede ser tarde.

Francisco José Arcos Serrano.

VILLANOS

2011-10-27T13:31:00.006+02:00

Sobre supervillanos tratan dos cómics americanos recientes muy distintos editados en la línea Icon de Marvel y publicados en España por Panini Cómics. Son NEMESIS e INCÓGNITO.
NEMESIS es una historia breve y completa en cuatro entregas (al menos por ahora) escrita por Mark Millar y dibujada por Steve McNiven, que ya hicieron equipo para la popular CIVIL WAR de Marvel. Trata sobre el único supercriminal del planeta que se dedica a buscar adversarios de su talla entre los cuerpos policiales de todo el mundo y retarles hasta provocar su muerte, y en manos del autor de KICK-ASS (que curiosamente iba sobre lo triste que realmente es intentar ser un superhéroe) y SE BUSCA (una historia muy diferente sobre la supervillanía y sus liberadoras bondades), es un show espectacular con pirotécnico aire cinematográfico y un tono en el que predomina lo abiertamente cool sobre un desarrollo más esmerado de los personajes y el desarrollo del argumento, aunque esté bien perfilado en su sencillez, explotando con previsibles golpes de efecto una premisa obvia de manera que puede resultar hasta fresca y original en apariencia, aunque se quede finalmente en una entretenida diversión.

INCOGNITO, de Ed Brubaker y Sean Phillips, se editó hace más tiempo, pero ahora se ha publicado su secuela: INCOGNITO, MALAS INFLUENCIAS, donde continúan las desventuras de Zack Aniquilante, un antiguo villano que trabajaba para una gran organización criminal y se vio forzado a entrar en el programa de protección de testigos y traicionar a sus compinches. Así era al menos como comenzaba el primer tomo, porque a Zack le han ocurrido un montón de cosas interesantes desde ese instante, y en este punto su situación ha cambiado radicalmente, no necesariamente para mejor. El filón imaginativo de Brubaker parece no agotarse e imprime a la historia un barniz cínico, fatalista y descreído, que no oculta otras capas igualmente interesantes a través de una legión de personajes secundarios de variado pelaje bien perfilados, como los que creó para SLEEPER, serie precursora de esta realizada hace años para Wildstorm, donde narraba la comprometida situación de Holden Carver, agente infiltrado en una organización terrorista internacional de supercriminales y abocado como Zack Aniquilante a un continuo dilema moral y al descubrimiento interior insatisfactorio de su propia y auténtica identidad.

J.A.Santiago

LOS FANTASMAS TÁCTILES

2011-10-20T13:13:00.004+02:00

Título: LA PROTECTORA

Autor: KEKO

Editorial: EDICIONS DE PONENT

Páginas: 64

PVP: 20 €

KEKO es un autor monstruoso.No podría haber empezado ésta reseña de otra forma.Hace días que terminé la lectura de la nueva obra de éste autor madrileñode nombre Jose Antonio Godoy,que firma sus obras con el nombre de KEKO,pero hasta éste momento por razones ajenas,no he podido ponermedelante del ordenador a escribir ésta reseña.
En ese tiempo que ha pasado desde que cerré sus páginas,no ha pasado día que no me acordara de muchas de sus imágenes.
Para quien no lo sepa,en ésta obra,KEKO continúa la obra de Henry James 'OTRA VUELTA DE TUERCA',allí dónde la dejó su autor,considerado uno de losmejores escritores de la historia de la narrativa.
Yo ya lo dije en su momento,pero no me cansaré de repetirlo:KEKO desborda talento.
Ese mismo que impregna las páginas de su anterior obra como autor completo,'LA CASA DEL MUERTO'(cómic que no dejaré nunca de recomendar,nominadocomo Mejor Obra del 2006 en el XXV Salón Internacional del cómic de Barcelona)o '4 BOTAS'(Premio a la Mejor Obra del 2002 en el XXI SalónInternacional del Cómic de Barcelona).
Deja también muestras de su maestría en publicaciones como 'ALMANAQUE COMESTIBLE'.
Todas las obras mencionadas están publicadas por EDICIONS DE PONENT(no podría haber sido otra),una de las mejores editoriales que tenemos por éstoslares que publican 'delicatessen' como las anteriormente mencionadas,y también la que hoy nos ocupa en éstas líneas.
Obra incluida dentro de la colección 'EL CUARTO OSCURO',dónde se hacen versiones 'alternativas' de clásicos del terror de la literatura universal,adaptadasal cómic,en unas ediciones que ya de por sí merecen un premio,y su merecida adquisición.
Para los que no se hayan leído 'OTRA VUELTA DE TUERCA',les recomiendo que antes de leerse éste cómic,se hagan con una copia del libro.Les puede aclararmuchas cosas antes de iniciarse con la continuación que ha urdido Keko en su cabeza,así que intentaré no desvelar demasiado de la obra original.
En éste cómic Keko continúa con la historia dónde Henry James la dejó(listón muy alto,pero que sobrepasa con creces),retomando a Flora,a laSra.Gross y a su tío,el señor de Bly.A partir de aquí,Keko despliega todos sus recursos como autor(que son muchos),para meternos en una historiade fantasmas,de dobles espejos,todo teñido con una atmósfera inquietante y compleja.
Ahondando más en los recursos que utiliza aquí el autor,es la primera obra dónde se vale de herramientas digitales,las cuales potencian la fuerza gráficade las viñetas de Keko.En obras anteriores,se nota que es un maestro en el tratamiento de su experimental blanco y negro marca de la casa,pero,a mi juicio personal,aquí alcanzan cotas altísimas,superándose a sí mismo,dónde coincide que también es su mejor obra.
No me queda más que recomendar ésta obra de un autor que se prodiga poco,pero cuando se asoma a la actualidad comiquera con una nueva obra,no falla....Rompe moldes,sin lugar a dudas,dando lo mejor de sí.
Desde ya,guarda un puesto privilegiado como mejor cómic del año 2011.

Francisco Jose Arcos Serrano.

JUGANDO AL GATO Y AL RATÓN

2011-10-20T13:05:00.002+02:00

Título: DOLLS KILLER

Autor: SERGIO BLEDA

Editorial: DOLMEN

Páginas: 124(color)

PVP: 25 €

En ésta obra,escrita por Nicolás Pona y dibujada por Sergio Bleda,nos ofrecen una historia de serie negra,con un asesino en serie difícil de capturar,ambientada en Nueva York.
Esta obra se publicó originalmente en Francia.
Cuando lean éstas líneas,estarán pensando que éste argumento está ya muy 'trillado',pero hay que fijarse en que lo más importante no es el fondo,sino laforma de contarlo:
Su protagonista es una policía con una fuerte personalidad(Juliette Desanges)con un pasado en forma de trauma psicológico que lastra sus días como oficial,lo que le hace obsesionarse con el caso que tiene entre las manos.Gracias al guión de Pona,la historia te sumerge de forma adictiva en la historia,y atrapa desde las primeras páginas en una historia muy interesante,sobretodo para los amantes de los 'serial killer'.
Si a eso le sumas una caracterización muy buena de los personajes y de esa visión que tienen ambos autores de la ciudad de Nueva York,hace de ella unaadquisición de obligada lectura.
Sergio Bleda realiza aquí uno de sus mejores trabajos como dibujante,llenando las viñetas de ese estilo tan característico suyo,potenciado en éstaocasión con unos contrastes gráficos que le van de maravilla a la historia que se está contando.
Hay que avisar de un pequeño detalle a los despistados,para que no se lleven ninguna sorpresa:la historia que se cuenta está inacabada.Tuvo que cancelarse por su editor francés ocasionado por las malas ventas,pero no se preocupen,amigos lectores,que Bleda y compañía han subsanado ese error:
La edición que nos presenta DOLMEN dentro de su línea 'Siurell',incluye los 2 números que se editaron en Francia y como sustituto del tercer número(quenunca llegó a publicarse)un texto a cargo de Nicolás Pona,con ilustraciones de Bleda,de lo que debió ser en su momento ese tercer número perdido en ellimbo editorial.
Como demás extras se incluyen ilustraciones,bocetos,diferentes diseños de las portadas y mucho más que hará las delicias de los fansde Sergio Bleda(entre los que me incluyo).
Todo ello en una preciosa y excelente edición en tapa dura,con una pequeña reducción de los bocadillos de texto,respecto a su edición original,pero queno empaña para nada el producto final.
No hay que olvidar que en éstos días Sergio Bleda está celebrando su 20º aniversario como autor de cómics(1991-2011),el cual coincide con otra de susgrandes novedades publicada hace muy poco también por aquí,el libro de dibujos 20 AÑOS ENTRE PINCELES,también muy muy recomendable.
Bleda corresponde a ese grupo de dibujantes españoles que tuvieron que trabajar fuera de España para desarrollar una carrera digna dentro del cómic,sobretodo dentro de Francia,dónde el cómic está mucho mejor visto que por nuestras tierras.
Espero que éste integral en tapa dura sea muy goloso para los lectores que se acerquen a él,y que sea un éxito de ventas....El equipo detrás de la historiase lo merece y también DOLMEN por apostar con fuerza por autores españoles y sobretodo por una serie de género como ésta.
Desde aquí,mi más sincera recomendación.

Francisco José Arcos Serrano.

CUANDO HACES POP…

2011-10-10T19:51:00.004+02:00

Título: LOS 4 FANTÁSTICOS. LA EDAD DORADA
Autor: STAN LEE, JACK KIRBY, JOE SINNOT
Editorial: PANINI
Páginas: 488
PVP: 34,95 €

Puesto el grueso tomazo de Panini sobre la mesa, le entran a uno ganas de escribir una larga frase que abarque la reseña de principio a fin, comenzando con algo parecido a “este tebeo de Stan Lee y Jack Kirby” y terminando con una retahíla interminable de adjetivos laudatorios. Pero claro está que no es plan, y además me faltaría vocabulario.
Digo “este tebeo” y en puridad son “estos tebeos”, porque aquí compilados van veintidós: los números 44 a 63 de Fantastic Four, con fechas de portada consecutivas desde noviembre de 1965 hasta junio de 1967, más los anuales 3 y 4 de la susodicha cabecera, de 1965 y 1966. Lo que se dice un festín. Todos ellos los dibujó Jack Kirby, que es la fuerza más enérgica y definitoria de la historia del género de los superhéroes, y los escribió, también todos, Stan Lee. La gran mayoría, esto es, veintiuno de los veintidós, están entintados por Joe Sinnott, quien arropó con dulzura la explosión gráfica del Rey Kirby en aquella lejana década ye-ye y convirtió por méritos propios la díada fantástica en una suerte de tríada de ases. Es sabido que el Kirby de los presentes episodios es un artista en transición hacia su máximo estadio, la escritura y realización de la gran obra maestra del género, El Cuarto Mundo, pero qué duda cabe que su feliz aleación con Lee y Sinnott acabó otorgando a estas páginas una irrepetible cualidad de estándar.
Pues lo que tenemos aquí es precisamente eso, un modelo a seguir, el rasero con el que se miden y se medirán los demás tebeos de superhéroes, tal como pueden serlo el Supermán de la era Weisinger o el Spiderman de Romita, y véase que hay que recurrir a trabajos sobre iconos para la comparación. Cierto es que, a diferencia de esos dos, la dimensión sociológica de las aventuras de Míster Fantástico, la Chica Invisible, la Cosa y la Antorcha Humana es muy inferior –aunque ni mucho menos despreciable–, pero poseen idéntica frescura y son un derroche creativo y estético. Lo de Lee y Kirby presume de mayor coherencia narrativa y tiene tal atractivo, progresión y riqueza que lo deja a uno sin aliento. Son quizá el epítome de las obras del género y nunca más claramente que los episodios que aquí se compilan, en los que se sucede la acción y la invención a partes iguales. La llegada de Galactus, la aparición de los Inhumanos, el encuentro con Estela Plateada, la presentación de Pantera Negra, figuran entre los grandes hits de un tomo que incluye también, y entre otras cosas, la boda de Reed y Sue y el descubrimiento de la Zona Negativa. Todo aquí es alarde y maravilla, y diversión continua.
Estamos este año en plena celebración de las cinco décadas de vida de Marvel y la verdad es que no se me ocurre mejor forma de sumarse al evento que leer estos clásicos entre los clásicos del género de superhéroes. Más aún cuando se ofrecen al lector, como es el caso, en un formato atractivo y a un precio muy razonable. Representan lo mejor de este singular y exitoso universo de ficción; son, en pocas palabras, una verdadera joya pop.

Javier Fernández

UNA PÁGINA DE LITTLE NEMO, DE WINSOR McCAY

2011-10-04T10:56:00.004+02:00

Un gigante entre hormigas. King Kong aplastando clicks de Famóbil. El Dios creador del Antiguo Testamento impartiendo implacablemente su castigo de ceniza sobre los hombres. El diluvio universal anegando una armada de barquitos de papel…
Cuando era pequeño soñaba con ser muy grande. Y ahora que he crecido, lamento no ser grande. Sólo algo más viejo. Y con el tiempo, mis sueños han cambiado. Ya no me imagino en un trono dorado, revestido de honores y los súbditos a mis pies. Me conformo con ser el amo de una isla desierta y a Claudia Schiffer sirviéndome una piña colada. Cosas de la edad -“mi reino por una erección”, lo mismo que dijera Ricardo III al llegar a la andropausia-.
Un psicólogo encontrará lógicas concomitancias entre ambos sueños. La persona es la misma. La idea es similar. El subtexto es idéntico. Pero ¡ah! el tono, las imágenes, los colores… menuda diferencia. Ahora duermo en blanco y negro, y el contexto siempre resulta reconocible, aunque de un modo peculiar. Los objetos me resultan familiares; los personajes dejan cierta sensación de dejá vu; los obstáculos insolubles apestan a cotidianidad; el resultante final es asfixiantemente mediocre. El cine de las sábanas blancas ha devenido un cinta de vhs gastada. Qué diferencia con los sueños de antaño, proyectados en 70 mms sobre una pantalla de cinerama en prodigioso technicolor. Ahora, la sensación de maravilla ha desaparecido. Lo que nos queda es un simulacro. El recuerdo de un recuerdo que ni siquiera llegó a existir. Un castillo de naipes encantado envuelto en cantos de sirena. Pero qué más da que sean mentiras, si te hacen sentir vivo. Sueño con mis sueños de infancia y aún me asombro con la promesa de eternos prodigios por disfrutar. Abro las páginas de Little Nemo, en su maravillosa edición limitada “Esos Maravillosos Domingos”, y esa promesa se traduce en una realidad tangible, tamaño sábana, donde mis mejores fantasías de infancia vuelven a hacerse realidad.
¿Quieres saber algo de Winsor McCay? Acude a la wikipedia; este blog no se presta a ese juego tan vulgar del corta-y-pega. ¿Quieres datos? ¿Referencias? ¿Un análisis riguroso? ¡Por favor…! “Little Nemo” es fantasía, algo intangible, tan liviano y evanescente como las burbujas de champán cuando ascienden por la garganta. Y a la vez, tan trascendente y esquivo como un coro de ángeles castrati, cantando a las puertas del paraíso.
Little Nemo huele a naftalina. Es absurdo y ridículo. Reiterativo y cursi. Una antigualla para modernos. Un viejo vino a conservar embotellado para sumillers a la violeta. Pero, para mí, es como la voz de Dios llamando a mi conciencia. Un runrún calmo y constante que me asalta y me ilumina, invitándome a participar de la eternidad, a compartir un secreto íntimo que despierta a voces en mi alma. Un rayo láser en mi cerebro que me inunda de una verdad profunda y antigua, muy antigua, que cambia mi percepción del mundo y me transforma para siempre.
Lo que los tebeos fueron. Lo que son. Y lo que seguirán siendo.

Tito Alberto.

ARGUMENTOS DEMOLEDORES

2011-09-27T18:47:00.005+02:00

Título: Deathlok. El Demoledor (Colección 100% Marvel), Autores: Charlie Huston, Lan Medina, Editorial: Panini, Formato: Rústica, 176 páginas, Precio: 15€.

DEATHLOK EL DEMOLEDOR, de Charlie Huston y Lan Medina, me recuerda en su contundente violencia de marcado carácter individualista y anárquico al ROBOCOP de Frank Miller y a los cómics más brutales y menos indies de David Lapham, como TERROR INC.
Huston ya hizo gala de una inusitada oscuridad en su revitalización de EL CABALLERO LUNA (también de Marvel Comics), con el arte de David Finch ilustrando las sangrientas páginas de un antihéroe, que como este, se debatía interiormente con sus demonios al tiempo que lo hacía físicamente con sus adversarios.
Como curiosidad señalar el cambio de raza del alter ego (más o menos) de Deathlok, el capitán Luther Manning, negro en los viejos cómics de los 70 y blanco ahora, sin que eso suponga diferencia alguna, aun menos dado el aspecto de zombi cibernético del cyborg asesino (cuando tanto debate parece traer en ocasiones el cambio de aspecto a la inversa de otros personajes Marvel más célebres).
Los abundantes diálogos que acompañan las salvajadas futuristas que nos muestran sus páginas no solo descargan un negrísimo humor e ironía, sino también una perorata de ciencia ficción cyberpunk muy del estilo de las que Warren Ellis suele desgranar en muchos de sus cómics, que el exagerado tono de la historia agradece.
De sus nada cándidos personajes, (hasta la niña pequeña que ocasionalmente acompaña a Deathlok parece bastante sádica) se desprenden críticas feroces a los problemas de la sociedad actual, reflejo sin duda del momento de descreimiento y lógico pesimismo general, no dejando títere con cabeza en cuanto a mostrar una mercantilización de la vida humana hasta extremos tan exagerados como inquietantemente creíbles hoy día.
Nada nuevo, por otra parte, en fábulas futuristas hiperviolentas como la ya clásica JUEZ DREDD (del que se ha editado hace bien poco un nuevo volumen inédito a color) , gran influencia sin duda tanto en el mencionado ROBOCOP del cómic y el cine como en este revisado DEATHLOK, que sin ser un gran cómic para el recuerdo, deja un poso de buen entretenimiento y agridulce optimismo por las futuras posibilidades de tan olvidado personaje.

J. A. Santiago

BIENVENIDOS AL FESTÍN

2011-09-19T20:14:00.004+02:00

Título: ALMANAQUE COMESTIBLE
Autor: VV. AA.
Editorial: EDICIONS DE PONENT
Páginas: 48
PVP: 18 €

Desde la primera página hasta la última, o, mejor dicho, de la cubierta a la contracubierta, Almanaque comestible es un gozo continuo. Tebeos como este son los que lo ayudan a uno a sacar pecho y presumir del vicio. Porque tiene el citado álbum desvergüenza y creatividad a raudales, y es radical en su planteamiento, que no es otro que deleitar, procurando la reflexión y defendiendo de paso la voz propia de cada uno de los autores que desfilan por este jugoso menú para gastrónomos; lo que debería ser normal, convertido en excepción.
La nómina, con el impagable Micharmut al frente –no sólo en cubierta sino también en portada–, incluye a los siguientes, por orden de aparición: Pablo Auladell y Pedro F. Navarro –que adaptan “libérrimamente” el primer capítulo de A contrapelo, de Huysmans, y esto ya es indicativo del tono del conjunto–, Keko, Hernández Cava, Gustavo Rico, Jorge García, Txemacantropus y Cifré, más el ya dicho Micharmut, que además de las estampas citadas, ilustra a Cava y se marca un plato en solitario. Difícilmente se puede escoger mejor plantel, porque no están todos los que son, pero sí son todos los que están, y el resultado de la antología, vaya que sí, es antológico. Se podría destacar algún guisado, pero es que realmente merecen la pena todos, y todos son muy sabrosos. Hay una lectura lúdica –son tebeos, señores– y también una lectura de la realidad que lo deja a uno estremecido, con el ánimo intervenido, como después de toda comida que se precie, de todo lo bueno, si se quiere.
Por animarles al festín, les cuento que hay aquí un cerdito bailando al ritmo de un acordeón, y un pollo que fuma en pipa por la tripa. Y varios señores distinguidos se reúnen para celebrar, comiendo, la pérdida de la virilidad de un joven barón, y se repasan los menús de diversos condenados a muerte en la tejana prisión de Huntsville, y se rememoran las hambrunas ideológicas de antes, durante y después de la guerra de independencia, paliadas con gachas de almorta y fanatismo, y se ve también a Leonardo, fabricando un veneno para el papa Borgia. Hay mejillones que salen del mar y saltan con garbo al montón de la pescadera, y un banquete, primero pintado y luego pintarrajeado una vez y otra, y se cita el Génesis, pero en realidad se está hablando del hambre, o mejor dicho del Hambre, esa de la España que se inventó el franquismo. Y no es que se me haya olvidado hablarles de la historieta titulada Phil se queda sin comida, es que me la he saltado para citar una frase suya al final: “¿Cómo podemos mantener la calidad tan alta incluso en tiempos tan difíciles como este?” Eso digo yo, ¿cómo es posible?
Se necesita talento, el que aquí discurre a raudales. Se necesita fe, porque a nadie le ha sacado nunca de pobre dar sin esperar nada a cambio. Se necesita quien se deje los cuartos, que en este caso, como casi siempre, es De Ponent, a quien un día habrá que poner un monumento. Y se necesitan lectores, comensales, sin los que nada de esto tiene sentido. Son 18 euros, dos menús del día –o tres, si se va uno al chino–. Si se lee tres veces ya ha merecido la pena. Se puede prestar, leer en voz alta, compartir, releer, regalar… Y no pierde su valor nutritivo.

Javier Fernández

TUS MUERTOS VIVIENTES

2011-09-14T18:55:00.005+02:00

El lenguaje televisivo es una mierda, salvo contadas excepciones, las adaptaciones a televisión molan más en su formato original. Para que algo de la tele sea admirable, debe estar pensado desde su origen en su idioma. La tele nos gusta sobre todo, por que no hay que esforzarse nada. No solo es más visual, más inmediato, es además, más simple y menos desafiante. La pereza llega incluso al nivel de esperar a las series traducidas y emitida en estaciones españolas, para ahorrarnos la molestia de descargarlas. Hay quien pone excusas de calidad, los subtítulos no me dejan ver la acción. Mamarrachadas, somos perezosos y no tenemos capacidad de atención. Por esto es que las adaptaciones a series televisivas atraen al público mayoritario, perezoso y distraído. Un publico que no esta espoleado por el frikipastismo (el termino me lo he inventado yo ¡EA!). Y es por esto, por esta adaptación al lenguaje de vagos, que cualquier situación que deba resolverse a través de un objeto tiene 3 planes detalle, y cada personaje que sea duro o débil, debe decir en algún momento: -Soy duro, o débil.
Así pasa que en “The walking dead”, si ya sabemos que Rick es un papanatas, descuidad, que dirá que es un papanatas un par de veces por capitulo.
Y es que la serie es de estas que te deja ver 2 movimientos de la trama antes de que ocurran, para hacerte sentir listo, (que detalle por su parte). Que rellena con fuegos de campamento, (que es más o menos como rellenar con escenas de los protas cagando). Que te enseña la cara del villano en el capitulo uno, (con un cartel de villano encima de la cabeza que parece el neón de un puticlub). Y que me instruye en la mecánica cerebral de un zombie. Yo no necesito conocer la mecánica cerebral de algo que me quiere comer el culo. Quiero saber como matarlo para que no me coma el culo.
Vamos la serie es una judiada, que yo no tendría el valor de hacerle a el violador y asesino de niños mas despreciable del planeta. Pero como la amenaza de la segunda temporada es ya una certeza, habrá que verla. La serie desde luego ha conseguido que el cómic se venda de nuevo, desde su numero uno, apareciendo en listas de best seller tradicionales. Como a mi y a mis gafas de pasta no nos importa quien siguiera que, antes de ser main-stream, pues por mi de lujo. Me consta que amigos personales que jamás habían visto un cómic de cerca, están enganchadísimos a esta obra. Y no se que pensará Kirkman, por que los escritores son unos avariciosos cobardes, y se lavan las manos después del cheque. Pero lo suyo clama al cielo.
En esta segunda temporada esperamos ver algunos personajes nuevos, realmente inolvidables, y despedir a algunos, que bien podrían ser el autentico centro de la historia. Esperemos que el ritmo se acelere, que capítulos hay el doble que la temporada anterior. Y lleguemos a los escenarios que ya son emblemáticos de la serie de cómics. Los presupuestos se han engordado y posteriormente recortado, así que apreciaremos un descenso de la calidad hacia el final apresurado de la temporada. Pero eso no es nada nuevo.
Para prepararnos ante la inminente nueva temporada yo os sugiero; juntar las vueltas del pan y haceros con el cómic desde el numero 1. Es sorprendentemente económico, y muy adictivo. Y para aquellos que ya son fanáticos del fenómeno zombie, un instructivo taller de supervivencia ante eventos de ámbito zombie. Donde compartir ideas y métodos de lucha contra los no-muertos. Impartido por un servidor el próximo día 20 de septiembre en el salón de actos del instituto andaluz de la juventud, la antigua casa de la juventud en la calle adarve, la calle a espaldas del domino´s pizza.
Luis Insa Mohedano

ACTIVIDADES EUTOPÍA ZOMBIE:

-Ciclo de Cine Zombie en la Filmoteca: http://www.festivaleutopia.org/cine/ciclo-de-cine-zombi

-Taller de supervivencia Zombie: http://www.festivaleutopia.org/talleres/taller-de-supervivencia-zombi

-Refugio contra el asedio Zombie: http://www.facebook.com/event.php?eid=213942135332882

NARRACIÓN Y ARQUITECTURA

2011-09-12T20:52:00.002+02:00

Título: Asterios Polyp
Autor: David Mazzucchelli
Editorial: SinsEntido
Páginas: 344
PVP: 30 €

Qué ganas tenía de la nueva obra de uno de mis dibujantes preferidos americanos, David Mazzucchelli(1960).Desde que le puso imágenes a los guiones de Miller en Daredevil(una de las mejores etapas delcuernecitos,sino la mejor)me dejó con ganas de más.
Después vino otra colaboración con Miller en Batman:Año Uno(1988),coinciendo en calidad similar a su cómic anterior en Marvel.
Algunos números sueltos en Marvel Fanfare,Star Wars,Superman/Batman,X Factor,fueron sus fugaces aportaciones al medio.
En ésa transición,Sin ír más lejos,influye en su dibujo a varios de mis dibujantes preferidos patrios:Pascual Ferry o Beroy.
Reaparece en 2004 publicando su adaptación personal de la novela de Paul Auster 'Ciudad de cristal',muy recomendable también.
En ésa época ya empieza a pulir algunos detalles de lo que será su nueva obra,totalmente personal,con guión,dibujo,y color propios,lo que se considera suprimera gran novela gráfica.
Dicha obra se llama 'Asterios Polyp',publicada originalmente por Pantheon en 2009:"Asterios Polyp es un hombre de 50 años con una carrera poco satisfactoria como arquitecto y profesor.Su vida está completamente descontrolada y con el tiempo se ha convertido en la sombra de sí mismo. Una noche, en medio de una tormenta, un rayo incendia su casa de Nueva York,hecho que desencadenará en un fatídico viaje''.
Desde el otro lado del charco ya se empiezan a oír reseñas muy muy positivas,ganando incluso varios premios importantes,el Harvey y el Eisner,ahí es nada.
De la mano de la editorial SinsEntido llega su publicación en España,en el año 2010,en una edición que,ya de por sí,merece la adquisición del ejemplar.
En la obra se puede encontrar un viaje iniciático de un alter ego del autor,el cual le dá nombre a la novela gráfica,en una muy sugerente narración en paralelo,dónde se nos narra,entre otros temas,su relación con los otros 'actores'que van apareciendo por su vida,y le necesidad de cambio,que vá intrínseco en la mayoría de las personas,con su buena dosis de redención.
A primera vista,el dibujo al que nos tenía éste autor acostumbrado,cambia de forma radical al eliminar ése trazo realista que inundó sus páginasen los 80's y adopta una búsqueda formal y narrativa dónde prima más que nada líneas estilizadas dando una dimensión impresionista a su conjunto.
Uno de los grandes aciertos de la obra está en el uso de su color.Cada personaje tiene el suyo(con tipografía diferente incluida),y vá variando a lo largo de la obra,según el estado de ánimode cada uno de ellos.Un recurso muy original que en manos de otro quizás hubiera pecado de engorroso,pero que en manos de Mazzucchelli es todo un acierto.
Si hablamos del color,no se nos puede olvidar la estructura tan curiosa que destila ésta novela gráfica cuando se refiere al diseño de la percepción humana combinado con una concepción materialista de la vida y de lo que nos rodea de éste personaje tan carismático como es Asterios.
Personalmente nunca había visto éste recurso tan original y que casa tan bien con lo que Mazzuchelli nos quiere contar.
No queda más que recomendar ésta novela gráfica,sin lugar a dudas entre lo mejor del pasado 2010,en la cual se rompe con todos los esquemas preestablecidoshasta ahora en la lectura de una novela gráfica,que no puede faltar en la estantería de cualquier aficionado al buen cómic.
Se recomienda leerla con detenimiento y detalle.Puedo asegurar que en segundas y terceras lecturas se siguen descubriendo detalles que a priori se 'escapan'.
Si me preguntaran quiénes están revolucionando el noveno arte en los últimos años,sin duda el nombre de Mazzuchelli estaría junto al de Chris Ware y Dash Shaw.
Regreso triunfal por la puerta grande de éste autor que se prodiga tan poco.Esperando con ansia nuevos trabajos.

Francisco José Arcos Serrano

COMENTARIOS SOBRE UN FRAGMENTO DE “OUTLAND. ATMÓSFERA CERO” (Parte segunda)

2011-08-31T20:13:00.004+02:00

Una “modesta” explicación
Ehhh… creo que es una planificación correcta. Y me imagino, por las imágenes que me sugiere la lectura del guion, que la realización de Hyams no se aleja demasiado de la mía.
Pero lo que me interesa tratar aquí no es la película de Hyams. Ni tampoco demostrar mis conocimientos o mi presunta sabiduría cinematográfica. Sino por el contrario, una vez sentadas las bases de cómo se puede contar visualmente esta escena, contrastar la solución adoptada con la planteada por el genial Jim Steranko en su adaptación al cómic de esta película.
Mientras yo me he entretenido en preparar la situación durante toda una página, con una larga perorata pseudoliteraria que salta de un punto de vista a otro, antes de secuenciar la acción en un número de planos que, normalmente, excederán de 15, a Steranko le basta una doble página para transmitirnos toda la información necesaria y sugerirnos el estado de ánimo del protagonista.
De hecho, lo que es más sorprendente es que toda la acción de “Atmósfera Cero” está desarrollada como una abrumadora sucesión de splash pages, o dobles páginas secuencia, de rara perfección. Y de todo el cómic, la que considero que es la mejor escena o, por lo menos, la que a mí me llega con más fuerza, es la que he escogido como objeto de este comentario. Explicaré por qué.
Este cómic es la hostia
Steranko resume toda la escena en una única toma general, jugando con los contraluces y la iluminación dramática, destacando aquellos objetos y elementos que nosotros pretendíamos resaltar mediante planos detalle y manteniendo el resto en sombras. Y al fondo del encuadre, relegado a una esquina lateral-como tiene que ser- la figura en silueta del héroe, empequeñecido y oculto.
En el margen inferior, al igual que en otras páginas del cómic, se suceden diversas viñetas. Pero en esta escena, lejos de describir la acción o dar pie a los diálogos, el pie de página se reserva para mostrarnos fotogramas de la grabación en video de la mujer del protagonista: la acción se ralentiza; se suceden frases repetitivas, que no hacen más que incidir en lo expuesto como texto narrativo. Lejos de aglutinar muchas acciones en el menor espacio posible, la sensación que invade al lector es justo la contraria: la de atender a una pausa en la acción porque toda la información ya estaba ante nuestros ojos en la viñeta principal. No existe acumulación narrativa; el dibujante se detiene el tiempo suficiente en la acción para que ésta importe.
Steranko pudo haber optado por imitar una narración cinematográfica, permitir que los diálogos se escucharan fuera de campo mientras nos asaltaban planos detalle de la fotografía familiar o el oso de peluche. Pero eso habría sido demasiado fácil: estaría forzando la mirada del lector, provocando su complicidad artificialmente; convirtiendo el texto dramático en un mero cliché.
La solución adoptada, por el contrario, incluye distintos puntos de vista (al igual que el texto literario que encabeza el artículo) pasando de un punto de vista objetivo (la imagen del héroe encuadrada en la penumbra), al subjetivo indirecto (la “panorámica por la habitación) y el subjetivo (la pantalla de video); que permite saltar de la acción general al drama íntimo en un mismo plano. (Aunque para ello, el autor se vale de una trampa: añadir un segundo visor frente a nosotros.) La reacción del protagonista permanece oculta,
En cierto modo, Steranko combina la exteriorización de los sentimientos del protagonista con un aparente distanciamiento de la cámara: si la reacción del personaje permanece en todo momento oculta es porque se corresponde con nuestra propia percepción. La composición del cuadro, en consecuencia, tiene por tanto un fuerte carácter impresionista, reflejando el tormento interior del héroe. Pero todo desde la sugerencia, sin incidir en su rostro apesadumbrado. Sin primeros planos que enfaticen innecesariamente el componente dramático.
Al igual que algunos de los mejores momentos de John Ford (la despedida de los hermanos en “¡Qué verde era mi valle!”) o el infravalorado Robert Mulligan (la cámara que queda rezagada en el umbral de la habitación, cuando la madre entra para consolar a su hija en “Verano en Luisiana”), Steranko decide contemplar la escena desde lejos, asaltado por un inesperado sentimiento de pudor, como si comprendiera que la naturaleza de las emociones descritas tiene un carácter tan personal que las reacciones del personaje deben reservarse para su estricta intimidad, lejos de miradas indiscretas.
En esta doble página, el Steranko más exhibionista deja paso a otro Steranko, el maestro dominador del arte del cómic y sus valiosos secretos; porque en este mágico momento, al igual que le pasó a Orson Welles en “El Cuarto Mandamiento”, el fondo y la forma se combinan de una forma tan asombrosamente precisa que uno llega a la conclusión de que esta escena es algo más que brillante, es la idónea para describir la acción. No sólo es que no se pueda hacer mejor. Es que, de hecho, no se puede hacer de otra forma.
Y lo más sorprendente es que, al igual que en El Cuarto Mandamiento o que el mejor Kubrick (el de 2001, Barry Lyndon o Eyes Wide Shut), lo importante no es la habilidad o los recursos técnicos empleados por Steranko, sino percibir hasta qué punto el autor ha sintetizado todas las ideas, recursos y elementos narrativos existentes hasta despojarlos de todo artificio, depurándolos en apenas una sola imagen donde el virtuosismo queda supeditado a su honestidad como narrador.
¿Entendéis por qué me gusta tanto?...

Tito Alberto

COMENTARIOS SOBRE UN FRAGMENTO DE “OUTLAND. ATMÓSFERA CERO” (Parte primera)

2011-08-31T20:03:00.004+02:00

Un punto de partida
El problema con la policía es que no se puede confiar en ellos, porque en el momento más inapropiado les da por volverse íntegros y reaccionar honestamente.
Cualquier delincuente sabe esto. Igual que sabe que untar a un policía sólo te concede una prórroga indefinida mientras no llames demasiado la atención. Y que para poder vivir del negocio lo verdaderamente importante es repartir el bacalao entre los que están en la pomada: los políticos y jerifaltes de servicio. Y que aún así no las tienes todas contigo, aunque disfraces tu inseguridad bajo una máscara de arrogancia y prepotencia, porque, en cualquier momento, alguien puede sufrir de un ataque de integridad que amenace con joderte y mandarlo todo a la mierda.
Y es que siempre tiene que haber algún tonto por ahí suelto, al que le dé por creerse el rollo ese de la justicia, el orden, la ley y el derecho. Uno de esos tontos con placa, revestido de la autoridad que inviste una estrella; de los que te pueden reventar el negocio. Un tonto peligroso; de esos que uno se ve obligado a eliminar de tanto en tanto, igual que a las cucarachas, sólo para que los demás insectos aprendan a mear en su madriguera y no se les ocurra esparcir los orines allá donde puedan molestar a los que verdaderamente mandan.

La escena de marras
Nuestro protagonista es el sheriff de una sucia colonia minera espacial, en las lunas de Júpiter. Ha sido trasladado a este triste agujero por orden de sus superiores, en cumplimiento de una oscura misión que ellos mismos saben que no va a poder cumplir… porque, de hecho, la verdadera intención es quitárselo de en medio. Y claro, él lo sabe, porque ¿qué otro motivo habría para desterrarle a ese lúgubre destino, sino el de eliminarlo?
Duros años de trabajo, toda una vida de esfuerzo y sacrificio, dedicado a hacer lo correcto… para comprender la jodida verdad. Que las personas como él estorban; que sólo se les tolera en la medida en que pueden ser utilizados. Y que, una vez han cumplido ese propósito, sobran por completo. Nadie va a agradecer sus desvelos. Con suerte, el día de su jubilación le regalarán un reloj y le prepararán una buena juerga.
Y es entonces, en el preciso momento en que su mundo parece carecer de sentido, cuando siente más necesario que nunca recibir el apoyo de sus seres queridos, del cariño incondicional de su hijo y la confianza de su esposa. Ella, que ha aguantado años de duros traslados, saltando de un destino a otro, cada cuál más miserable que el anterior, a la espera quizás de un ascenso que nunca llega, o de un traslado a un nuevo lugar al que, por fin, pudieran considerar un hogar.
Igual que el protagonista, buscamos sus palabras de consuelo; una pequeña esperanza a la que aferrarnos. Y entramos en el pequeño habitáculo que nos sirve de residencia, buscándola, necesitándola… pero nadie responde a nuestros gritos. Estamos solos, como nunca antes lo hemos estado. Nuestros ojos recorren las estanterías vacías, la cama sin hacer, la vajilla sucia en el lavabo, los armarios abiertos y vacíos, las perchas en su interior, colgando como esqueletos desnudos…
Sobre la mesa, encontramos una nota de adiós junto a un disquete. Al reproducirlo, contemplamos a nuestra esposa en la grabación, pidiéndonos perdón, justificando su despedida con tristes excusas que suenan a viejas: el lamento por un trabajo ingrato, cuyos efectos nuestro hijo no merece soportar.
Al lado de la pantalla, un oso de peluche y una foto de familia nos recuerdan ese sueño de felicidad que una vez guió nuestro matrimonio, y que ahora parece tan lejano y perdido como las estrellas en el cielo. Un brillo intermitente en la memoria; el recuerdo de lo que pudo haber sido y no fue.

Un ejemplo de desarrollo visual
La escena que estaba describiendo corresponde a la película “Atmósfera Cero” de Peter Hyams. Una entretenida adaptación de “Sólo ante el peligro” en clave espacial.
Ignoro cómo la planificó el realizador, porque sólo he visto la película una vez y, sinceramente, tampoco ardo en deseos de volver a verla. Pero si yo tuviera que desarrollarla, me imagino que empezaría así:
Plano general de situación.
El protagonista se acerca a cámara mientras entra en la habitación. Lento travelling hacia atrás, guardando la distancia con el actor. Mantenemos el recorrido cuando éste ha interrumpido el paso, para sugerir quizás la sensación de abandono que queremos trasmitir.
Un primer plano del actor.
En contraplano: una panorámica subjetiva de la habitación.
Plano de seguimiento con la steady-cam sobre el hombro del actor.
Mismo movimiento en contracampo. Innecesario narrativamente, pero en caso que haya problemas de continuidad, el montador nos lo agradecerá.
Intercalamos las tomas anteriores con planos detalle de los objetos descritos: la cama sin hacer, las sábanas en el suelo, el armario abierto… Quizás en un único movimiento de steady-cam, realizando sucesivos barridos de izquierda a derecha.
Etcétera.
Obviamos lo que pasa entre medias, que seguirá la misma tónica descrita, pero me gustaría que nos detuviéramos en el último plano: el protagonista permanece abatido sobre un sillón, mientras ve una y otra vez el video grabado por la esposa. La cámara se ubica fuera de la habitación, encuadrando al protagonista en el marco de la puerta a contraluz, con el resto del cuadro prácticamente a oscuras. La cámara se aleja lentamente, descuadrando la composición. La imagen vira lentamente a negro y la banda sonora queda muda. Fin.

Tito Alberto

EL REGRESO DE BRUCE WAYNE

2011-08-19T11:50:00.004+02:00

Título: BATMAN VOL. 2 Nº 43: EL REGRESO DE BRUCE WAYNE 1 DE 6, Autores: GRANT MORRISON / CHRIS SPROUSE, Editorial: Planeta de Agostini, Formato: Comic-book, 48 págs. color, Precio: 3,5 €.

Miniserie de 6 números (publicados en la serie BATMAN nºs 43 a 48 en su edición española), culmina los argumentos planteados por su guionista Grant Morrison para el personaje desde el final de CRISIS FINAL, el evento de DC Cómics de hace un par de temporadas, y supone, si no un final, al menos un punto y aparte para la trayectoria que comenzara en su andadura con el caballero oscuro, recopilada en los tomos BATMAN E HIJO, EL GUANTE NEGRO y BATMAN R.I.P., y prolongada en los números siguientes de su edición mensual.
Confieso que la lectura de EL REGRESO DE BRUCE WAYNE, pese a la brillantez que está demostrando Morrison en la serie, no me apetecía demasiado porque la premisa resultaba poco atractiva, simplona y algo así como una excusa para tal vez sacar a la venta una nueva línea de merchandising del cruzado enmascarado (el Batman Cavernícola, el Corsario, el Pistolero, etc..), ya que trata en esencia sobre el paso de Bruce Wayne por distintos periodos de la historia (uno por número), desde el pasado remoto hasta el futuro lejano. Sin embargo, Morrison vuelve a hacerlo, acompañado por varios artistas en la parte gráfica, y ofrece una aventura mucho más interesante de lo que pudiera esperarse, totalmente continuista e imprescindible a la que ha venido desarrollando hasta ahora, plagada de pistas y guiños a la compleja trama que se va dilatando desde que aterrizó en la colección, resultando tan ocurrente como entretenido de seguir.
La edición en grapa se complementa con una serie de exhaustivos artículos que analizan y subrayan todos aquellos detalles relacionados con números anteriores que probablemente se pasarían por alto en una primera lectura, proponiendo un peculiar juego de detectives dentro del tebeo a la caza de la mayor cantidad de "huevos de pascua" que nos haga sentir cómplices de lo que se nos cuenta.
En un personaje que viene protagonizando viñetas ininterrumpidamente desde los años 30, es un logro necesario zarandear un poco sus cimientos sin necesidad de limitarse a golpes de efecto más o menos gratuitos y cíclicos (que tampoco han faltado) sino aportando también algo de genuina originalidad, de la que Morrison parece andar casi siempre sobrado, para aportar interés a la franquicia de la que se ocupe.
Por ello, una lectura muy recomendable, pero sobretodo para los que estén disfrutando de esta nueva etapa del superhéroe insignia de la editorial norteamericana.

J. A. Santiago

LOS CUENTOS DE LA YAYA

2011-08-05T11:42:00.003+02:00

Título: NonNonBa

Autor: Sigeru Mizuki

Editorial: Astiberri

Páginas: 416 B/N

PVP: 26 €

La producción en formato cómic de Shigeru Mizuki(Sakaiminato, Japón; 1922)es bastante extensa y ahora Astiberri está publicando su obra en español,publicación ésta quellena un vacío editorial que más tarde o más temprano tenía que ocurrir por éstos lares.
El personaje que da título al cómic, NonNonBa, es una anciana supersticiosa y enciclopedia viviente de mitos y leyendas gracias a la cual Shigeru descubre el mundo de los yokai,entidades sobrenaturales que pueblan la tradición japonesa.
La edición francesa de este cómic obtuvo el Premio al Mejor Álbum en el Festival Internacional del Cómic de Angulema de 2007.
En él Mizuki combina elementos autobiográficos(de su infancia en el agridulce Japón de los años 30) con otros temas de índole fantástica en dónde tienecabida fantasmas y otros seres sobrenaturales que inundan las páginas de contínuo asombro por parte del lector que no se espera lo que vá a ocurrir en las páginas siguientes.
Lo que hace realmente especial a ésta obra es la conjunción perfecta(yo lo llamo MAGIA,es muy difícil encontrar eso en un cómic) entre el costumbrismo basado en algunos de los recuerdos del autor y los ambientes oníricos y fantásticos envuelto en forma de cuento infantil de aparente sencillez con un dibujo nada funcional donde prima la fórmula dibujo caricaturesco-fondos realistas(la cual llamó Scott McCloud 'enmascaramiento')que cobra protagonismo durante todo el taryecto de la obra.
Hablemos un poco más del pasado de Mizuki para que podamos entender mejor su producción:perdió su brazo dominante (izquierdo)en la guerra en Papúa Nueva Guinéaa los 20 años.Fué espectador mudo de una masacre que acabó con todos sus compañeros y contrajo la malaria.Todos éstos hechos hicieron de ésta etapa vital un período de superación y de supervivencia que a lo largo de los años le ha granjeado el título de uno de los mejores 'mangakas' de su generación.
Aún con ése trauma de su juventud,la obra destila también un humor que casa muy bien con el tono costumbrista-fantástico que podemos encontrar en la misma,sobretodo en su representaciónde ese mundo fantasmal,que le vá como anillo al dedo.
La incontinencia creativa de Mizuki parece que no tiene fin.A sus 88 años ha publicado más de 60 obras, 4 de ellas han sido publicadas por Astiberri(Operación Muerte,Kítaro,3:calle de los misterios y la que nos ocupa hoy)por lo que todavía nos queda Mizuki para mucho tiempo,y que dure.Parece que por fin,se está dando a conocer otro tipo de cómic japonés que no sea el que inunda diariamente las estanterías de las librerías especializadas,de los cuales me mantengo alejado lo máximo posible.
Con Mizuki nos esperan muchas lecturas y relecturas de sus obras,manjar que no debe perderse ningún aficionado al buen manga.
De lo mejor de la cosecha del pasado 2010,sin lugar a dudas.

Francisco José Arcos Serrano

HABLA, HIJO MÍO

2011-07-28T10:50:00.005+02:00

Título: BINKY BROWN CONOCE A LA VIRGEN MARÍA
Autor: JUSTIN GREEN
Editorial: LA CÚPULA
Páginas: 72
PVP: 18 €

Dice Robert Crumb en la contraportada de Binky Brown conoce a la Virgen María que Justin Green fue “el primer, completamente el primer dibujante que creó comics autobiográficos profundamente personales”, y sirve la frase de Crumb como reclamo publicitario, pero –sea o no exacta la afirmación– el hecho es lo de menos. Lo discute el propio Green en su extenso epílogo, tan interesante, si cabe, como la propia novela gráfica: “La autobiografía es un fait accompli, una fruta lista para ser cosechada. La historia de Binky era contingente en mí habiendo visto los primeros trabajos de otros historietistas underground. Además del Retrato del artista adolescente, de Joyce, había leído El lamento de Portnoy, de Philip Roth y La trilogía de Studs Lonigan, de James T. Farrell”. Véase que Green no sólo no se adjudica la medalla de haber inventado el subgénero sino que relaciona su pretendida obra biográfica con tres joyas de la ficción literaria del siglo XX, tres novelas. O, por acercarnos lo máximo posible, con tres ejercicios de ocultación biográfica en la ficción. Y es que subyace en la modestia de Green la clara sugerencia de que todo artista tiene algo de autobiógrafo y que toda biografía es similar a la ficción. Y visto así, quién ha inventado qué.
Pero no quiero con esto restarle mérito al libro –válgame Dios, o la Virgen María, que diría Binky Brown–, muy al contrario, lo que pretendo es darle su auténtico valor al relato, una de las piezas más singulares, valientes y hermosas que conozco, y, sí, pionera en la historia del medio, pero ¿en qué sentido? Lo dice esa representación de El colgado, arcano mayor del tarot, en la página de créditos, que representa la introspección, la inacción como forma de germinación: “Oh, lectores míos, la saga de Binky Brown no la hice únicamente para que vosotros os entretengáis, sino también para purgarme de la neurosis compulsiva que sufro desde que abandoné oficialmente el catolicismo”. Porque, bien mirado, también en Binky Brown conoce a la Virgen María la religión católica pasa a un segundo plano, es un mero catalizador que permite el surgimiento del verdadero tema del libro: el desorden obsesivo-compulsivo.
Bajo esta óptica, y siempre siguiendo el epílogo de Green, la portada del álbum dibuja otro arcano, La fuerza, símbolo de los comienzos, y la Virgen María que sostiene la cabeza del postrado protagonista deja de ser un icono cristiano para convertirse en el elemento jungiano que “urge a Binky, el león cobarde, a tener valor para hablar, a confiar en que su verdad personal, aunque extraña y desoladora, es definitivamente válida”. Dice Green: “tengo que concederme un mérito que sí me merezco” y no es otro que haber realizado el primer “trabajo literario consciente” sobre la enfermedad que padece, el desorden ya citado. Y opino que es una experiencia inaudita y alucinante vivir en la cabeza de Binky Brown –tan similar a su autor como lo son entre sí Joyce y Stephen Dedalus– y ver el mundo desde su perspectiva desquiciada y sorprendente, aunque sólo sea por espacio de cuarenta páginas.
“El underground es un terreno de extrema pobreza”, nos recuerda Justin Green, y está claro que no se refiere a la pobreza artística. En esto el underground es una bolsa petrolífera, y Binky Brown conoce a la Virgen María un pozo inagotable.

Javier Fernández

¿QUÉ PENSARÁ DITKO DE TODO ESTO?

2011-07-21T20:03:00.006+02:00

TITULO: Spiderman. Fiebre (Marvel Graphic Novels). AUTORES: Stan Lee, Brendan McCarthy, Steve Ditko, Brendan McCarthy. FORMATO: Libro cartoné, 96 páginas a color. PRECIO: 11€

Hace años que me desenganché (¿desengañé?) de la serie regular de Spiderman. Cuando tus primeros tebeos de Spiderman estaban guionizados por Stan Lee y dibujados por Steve Ditko y después por Buscema, llega un momento en el que dices esto no es lo que era. No viene a cuento recordar cuándo lo dije o cuando me hice demasiado viejo. Pero durante todos estos años no he dejado de echar de vez en cuando un vistazo a las paredes a las que se agarraba Peter Parker. He gastado dinero tontamente para encontrarme con recopilatorios en los que encontraba a un Spiderman que no identificaba. No lo digo porque iba vestido de negro. Claro que la culpa la tenía yo, por creerme propaganda del tipo “aventuras visualmente apasionantes” o “las aventuras que suponen el cambio más importante etc etc”. ¿Y qué me encontraba? Pues me encontraba lo mismo que cuando te dicen vente a jugar al fútbol a tal sitio que es un campo de césped y cuando llegas resulta que es un patatal, lleno de jaramagos y en el que, si sigues leyendo, acabarás con el tobillo hecho mistos. Podría poner numerosos ejemplos, pero basta con “una de las etapas más recordadas por los lectores del trepamuros”, en la que un sobrevalorado Todd Mc Farlane intenta hacerse famoso con los (estúpidos e infantiles) guiones de David Micheline. Si la Mary Jane es, por exigencias del guión, una ama de casa desprovista de la gracia y libertad que esta muchacha siempre había mostrado y es convertida en un 0 a la izquierda (¿por ser mujer casada?), peor es la imagen que Mc Farlane le da: una muñeca hinchable de esas que salen como relleno en el Playboy, que todos sabemos que enseña menos que el Penthouse.
Menos mal que entre tanta morralla que aprovecha la franquicia del trepamuros, a veces llegan episodios que te devuelven la fe, no en el héroe, sino en los escritores y los dibujantes. Así le ocurre al Cacería Macabra guionizado por Joe Kelly y Michael Lark, en donde la sangre sale a borbotones de las páginas, la estirpe de las arañas sale mal parada y no menos la de Kraven el Cazador. Confieso mi predilección por los dibujos de Lark, a quien conocí en su etapa en Daredevil y en Batman, pero no es menor el buen hacer del guionista para completar una obra que no desmerece al personaje de Lee y Ditko.
Dicho esto, voy a lo que iba, que no era otra cosa que hablar de la novela gráfica Spiderman Fiebre de Brendan Mc Carthy, publicada primorosamente en tapa dura y que contiene los tres episodios americanos de esta fiebre, además del Annual 2 USA de 1965 en el que el trepamuros y el Dr. Extraño, las dos grandes niñas de sus ojos de Steve Ditko (junto a Stan Lee), se enfrentan a los malos. ¿Qué pensaría Ditko de todo esto? esa es la cuestión. Cada lector tendrá su opinión, pero no me cabe duda de que Ditko, si el Fiebre ha llegado a sus manos, lo ha leído hasta el final. Dudo, por contra, que haya leído más de cuatro páginas del Spiderman Micheline-Farlane y otras inmundicias. Aquí podría acabar este artículo, puesto que no tengo ni la más remota idea de lo que pensaría Ditko, un tipo raro que creía en la filosofía del objetivismo del filósofo Ayn Rand y que consiste en que o eres bueno o eres malo, no hay término medio. No acabará porque el trabajo de McCarthy en Spiderman Fiebre es, como poco, valiente, además de singular, psicodélico (¡ole!) y transgresor. Aunque se trate de un homenaje a Ditko hasta el punto de que la portada del primer número americano imita el citado Annual del 65, el autor escapa allí donde puede de su influencia. No lo hace en la parte gráfica, donde la sombra del Dr. Extraño de Ditko es tan alargada que el supuesto protagonista, Spiderman, es un injerto en el yeyé mundo del maestro de las artes místicas; pero sí lo es en el guión, donde esos submundos, ultramundos y otras dimensiones y puertas astrales del Extraño son “vividos” por Spidey, algo que no hace el Spiderman de Ditko en el mencionado Annual porque en él, el mundo del doctor era apenas un detalle para dar color a la realidad del mundo de Spiderman. Esa es la virtud de este Fiebre, aunque luego te encuentres con personajes secundarios prescindibles, especialmente la señora Ningirril, que parece escapada de otro sitio. A pesar de ello, el Fiebre podrá gustar más o menos, pero hay que ponerlo aparte, en un cajón que podría llamarse “lo que hubiese sido de Spiderman si Ditko no se cabrea con Stan Lee y sigue adelante”. Por último, este tebeo, no exento de ironía, tiene otra virtud pues en él, uno de los personajes, se hace la eterna pregunta sobre Spiderman: Es un hombre o es una araña. Claro que, en este caso, el personaje que se hace la pregunta -que no es Peter Parker- es un tal Rey Korozon que tiene la particularidad de ser una araña; una araña algo antropomorfizada. Ni los creadores de Los Simpson se hubiesen atrevido a tanto.

Fernando González Viñas

LA ODISEA

2011-07-12T10:53:00.010+02:00

Título: Wonder Woman Nº 01: ODISEA. Autores: Geoff Johns, George Perez. Formato: Rústica, 200 páginas a color. Precio: 16,95 €.

El primer número de la nueva colección de Wonder Woman, un tomo titulado "Odisea", es una especie de reboot del personaje dentro de la continuidad de siempre, aunque la recreación de su particular subuniverso dentro del gran marco de ficción de DC Cómics, ideada por el popular J. Michael Straczynski habría encajado bien con el peculiar y alternativo origen actualizado de Superman descrito en el reciente SUPERMAN: TIERRA UNO, por el mismo escritor y ubicado para mayor libertad creativa en otro de los 52 universos actuales de los que dispone la editorial (en cuanto a superhéroes) para jugar con sus personajes más relevantes. Ambas nuevas reinterpretaciones (las del Kal-El de Tierra Uno y esta un tanto atípica Diana de Themyscira) disfrutan de un barniz cool de lo más efectivo que recuerda al que lucen las estrellas de la competencia en la más veterana línea Ultimate de Marvel Cómics, renovadora (con cada vez mayor libertad para distanciarse de sus modelos originales) de personajes de siempre como Spiderman y Los Vengadores, llevándolos en ocasiones hasta territorios impensables, al menos hasta hace poco, en sus colecciones de toda la vida.
Pero esta Wonder Woman que nos han cambiado, en principio parece estar en el Universo Dc clásico que todos conocemos, lo que añade la intriga acerca de qué ha sucedido y porqué su mundo se ha "movido" (copiando la expresión de la introducción habitual de los tebeos de LA TORRE OSCURA "..en un mundo que se ha movido.."). Un mundo que integra ahora la mitología de la princesa amazona y su reino en un contexto radicalmente distinto, que la emparenta (en una vertiente mas heroica, eso sí) con la premisa original de la larguísima y apreciada serie de la línea Vértigo FABULAS (donde se ubica a los personajes de los cuentos populares europeos en un forzado exilio en el mundo de los humanos, manteniendo su sociedad en secreto infiltrada en la nuestra, no sin numerosos puntos oscuros y sórdidos), y con la miniserie GREEK STREET (posiblemente deudora de FABULAS) en la que asistimos a la repetición cíclica de los arquetipos y mitos griegos en el Londres actual.
Ambas series adultas de Vértigo posiblemente deban mucho también en parte de su concepción a la ya clásica SANDMAN, más onírica, poética y literaria (puede que también más irregular en cuanto a resultados en su largo recorrido de 75 números más multitud de especiales y series relacionadas), pero probablemente del todo influyente en buena parte del cómic americano actual, llegando algunos de sus ecos más diluidos pero igualmente sugestivos hasta esta "nueva" e interesante Wonder Woman y su Odisea particular.
Dioses, Eternos y gigantes caminan de nuevo entre nosotros. Como proponían los argumentos iniciales de Gregory Widden para los films LOS INMORTALES (de los 80) y ANGELES Y DEMONIOS (de los 90, con Elias Koteas y Christopher Walken, dirigida por el propio Widden) buscadlos en los más oscuros callejones.

J.A. Santiago

DELIRIO POP CON VERTIGO

2011-07-04T19:34:00.002+02:00

Título: YOUNG LIARS

Autor: DAVID LAPHAM

Editorial: PLANETA DeAGOSTINI

Páginas: 432

PVP: 32 €

Vuelve David Lapham con una nueva serie.Obra publicada por DC Cómics a través de Vertigo la cual tuvo que ser cancelada por malas ventas en su número 18 (Agosto 2009)....No se echen las manos a la cabeza,mis queridos lectores,vayamos por partes.
Espero que muchos de vosotros recuerde a éste autor por su gran renovación del género negro llamada 'balas perdidas',obra que ningún lector de cómic que se precie debe perderse.
Balas perdidas sigue inconclusa tanto en EEUU como en España(aquí se publicaron todos los números editados en su país de origen),y mientras a Lapham se le ocurren nuevos guiones para su serie estrella,se dedica a escribir otras obras tan interesantes como Mátame (La Cúpula),o Silver Fish (PlanetaDeagostini),y trabajos alimenticios en la serie regular de Batman,Fábulas o la serie de vampiros 30 días de noche.
Echaba en falta como lector y seguidor suyo una obra que rompiera moldes y que me marcara,como en su primera obra importante,porque observaba que no llevaba un buen camino,todo sea dicho.
Y parece que esa obra me llegó sin esperarlo publicada por PlanetaDeAgostini en un sólo tomo integral de más de 400 páginas a color que recopila los 18 números que consta ésta serie.
Después de leída y de dejar pasar un tiempo prudencial,tengo que decir que Lapham ha escrito posiblemente su mejor obra.Es una serie ambiciosa y experimental,dónde se dá rienda suelta a todo un universo personalnarrado de forma magistral(aunque en ocasiones pide mucho por parte del lector lo que puede ocasionar un ritmo lastrado por la incertidumbre de lo que está pasando).
Su argumento a priori puede parecer de una facilidad pasmosa:'Danny Noonan era otro veinteañero sin rumbo, un perdedor con un trabajo de mierda y un grupo que no iba a ninguna parte, hasta que conoció a Sadie, la salvaje hija de un magnate retorcido cuyas perversiones son aún más letales (si cabe) que sus asesinos a sueldo'.
A medida que avanza la serie empieza a ser más y más confusa para tejer todas las líneas argumentales de que constan los 18 números,utilizando recursos muy acertados como saltos temporales,elipsis muy conseguidas y todo ello dá como resultado(entre otros temas que no vamos a desvelar aquí...),una realidad de la juventud de hoy en día dolorosa y difícil donde nada es lo que parece.
El cambio de rumbo que existe en la serie regular,aproximadamente por la mitad de la misma,te hace revisar de nuevo todo lo leído anteriormente.Personalmente no me esperaba algo así,y eso hizo acrecentar más mi interés por esos personajes que se pasan toda su vida engañándose a sí mismos y a los demás e ír por la vida creyendo que lo pueden solucionar todo con la violencia.
Como 'pero' se le puede reprochar cierta precipitación en los últimos números,que te deja la sensación de serie incompleta,pero en defensa de Lapham hay que decirque fue una imposición por parte de la editorial debida a su cancelación prevista por la misma.
Pienso que se deben acercar a ésta serie lectores que tengan la mente muy abierta,porque para zambullirse en ésta mezcla tan delirante que nos está ofreciendo ésta mente tan inquieta hay que estar preparados.
A los que no les guste el delirio pop(por intentar sintetizar algo de temática...),como siempre digo,que se mantengan alejados lo máximo posible.
Me hubiera gustado saber lo que hubiera dado de sí la serie sin la cancelación tan apresurada....¿Estaríamos ante un nuevo clásico del cómic moderno?
Tal como se ha quedado,os puedo asegurar que aguanta lecturas y reelecturas,no cabe la menor duda.
Un experimento demencial,pero a la vez,genial.

Francisco Jose Arcos Serrano

EL DÍA ANTES DE SER MAYOR

2011-06-20T18:27:00.003+02:00

Título: LA VIDA CON MR. DANGEROUS
Autor: PAUL HORNSCHEMEIER
Editorial: ASTIBERRI
Páginas: 160
PVP: 21 €

Cuando era más pequeño celebraba la publicación de determinados tebeos como si me invitasen a salir. Estaba convencido de que, por ejemplo, los tomos de Crepax lucían en el escaparate sólo para mí, o los de Breccia. Y la niña de mis ojos era Raúl… Recuerdo la vez aquella que llegó un saldo de doce ejemplares de Fe de erratas y compré la docena, que todo sumado era un pico a pesar del descuento. Me los llevé de impulso, para regalarlos como el que reparte puros en la boda, y, sí, los di todos menos ese que aún atesoro como oro en paño.
Pasa que con los años, las mudanzas, lo limitado del espacio y el dinero que escasea, se va uno templando. También porque se ha leído el manso –y porque hace que Raúl no publica tebeos, todo sea dicho–. Sea como sea, el mundo cambia y a uno le gusta notarse crecer y así es que pongo antes mi interés en lo que no conozco que en lo conocido, en plan viejo verde. Aunque en esto de los tebeos me quedan aún varias filias, digamos dos, una que roza la devoción y otra que también. De la primera no les hablo porque hoy no toca, y la segunda es Paul Hornschemeier.
Claro está que cada cual tiene su gusto, que hay quien prefiere las anchoas a los boquerones en vinagre, etcétera. Si saben algo de tebeos habrán visto que he nombrado a un puñado de formalistas, y me viene a la cabeza –lo tengo abierto en el atril, no se crean– la entrevista que le hizo Gary Groth a Hornschemeier en el Mome. Empezaba precisamente así: “Me parece que tuviste una preocupación bastante temprana por los aspectos formales del cómic”. Directo al meollo. Unas líneas después, Hornschemeier reconoce que se pasó varios años estudiando el trabajo de Clowes, y se le nota, como a casi todo el mundo. Porque, según se mire, Clowes es más experimental que el Quimicefa. Pero, a ver, el autor de La vida con Mr. Dangerous hace ya que dejó atrás la casilla de partida y lleva años andando solo la historieta, fabricando una gramática de lo inasible, comunicando lo incomunicable, dibujando la imprecisión epistemológica, la duda, y sí, está también el aspecto indie de su poética, aunque eso son anchoas y yo prefiero los boquerones.
Por otra parte, seguramente sea Hornschemeier el tipo más listo de su generación y, sus tebeos, goces amables y perturbadores a un tiempo. Como este La vida con Mr. Dangerous, que es puro naturalismo contemporáneo, y explica con la precisión de un cirujano por qué uno que lleva un largo encierro apaga la televisión y sale a la calle, el momento justo en que se madura, el proceso por el que el estatismo se transforma en acción y de la deriva surge porque sí la aceptación de uno mismo. Y si no lo explica al menos lo ejemplifica con Amy Breis, esa lunática de medio pelo obsesionada con los dibujos animados de Mr. Dangerous hasta que…
Ea, pues ya saben que cuando sale un tebeo de Hornschemeier, en mi casa es día de fiesta. Para colmo, los edita Astiberri, miel sobre hojuelas. El tebeo perfecto.

Javier Fernández

LO CÓSMICO Y LO COTIDIANO

2011-06-14T17:42:00.003+02:00

Título: ANTOLOGÍA AMERICAN SPLENDOR. VOL 1
Autor: HARVEY PEKAR Y OTROS
Editorial: LA CÚPULA
Páginas: 196
PVP: 20 €

Cleveland. No sabe uno ni dónde está. Bueno sí, en Ohio, por ahí donde los Grandes Lagos. En Estados Unidos, eso seguro. En fin, Cleveland, he ahí una ciudad sin glamour; y sin embargo hay al menos tres cuestiones que la convierten en un punto clave de la geografía tebeística norteamericana, un vórtice mágico, un volcán.
1932. Dos chavales de 17 años capean en Cleveland el temporal de la Gran Depresión. Uno ha nacido allí, el otro es un canadiense emigrado. La economía se va al garete y tienen la ocurrencia de inventar un villano calvo de poderes telepáticos que pretende el domino del mundo. A falta de mejor nombre lo bautizan “el super-hombre”, como ese de Nietzsche capaz de generar por la voluntad de poder su propio bien y su propio mal. Un año después, le dan un lavado de cara al personaje, le ponen pelo, lo convierten en héroe, pero le mantienen el nombre. Oye, Jerry, ¿y si lo hacemos extraterrestre? Vale, Joe, dibújale una S en el pecho, la S de Superman. Y sí, el mundo ya no volvió a ser el mismo.
1975. Después de meses de caer y caer por un vórtice dimensional, otro insigne extraterrestre, sumido en pensamientos de duda sobre su propia existencia, se da de plumas contra Cleveland en las páginas del número 4 de un tebeo con el ridículo nombre de Giant Size Man-Thing, que en la vernácula viene a ser “el hombre cosa de tamaño gigante”. Se trata del pato Howard, la genial parodia de aquel Superman de Siegel y Shuster ideada por Steve Gerber, un símbolo formidable del cruce de la cultura popular con el underground, del mainstream con la contracultura. Y en Cleveland, mira tú por dónde, fijará su residencia el hombre-pato.
1976. Harvey Pekar cierra el círculo y completa, precisamente en Cleveland, el derribo de Superman iniciado por Gerber. Animado diez años atrás por Robert Crumb, quien le persuadió de las posibilidades narrativas y la sencillez productiva del medio de la historieta, Pekar se lanza al fin a la aventura y autoedita y distribuye American Splendor, una de las más célebres cabeceras de la historia del tebeo gringo independiente, hito del arte confesional que describirá durante más de treinta años el día a día del hombre común, del working class hero, de uno de nosotros. El superhombre escrito por Pekar –y dibujado en aquel primer número por Gary Dumm, Greg Budgett y el propio Crumb, entre otros– no es extraterrestre, sino hijo de emigrantes polacos; no es un símbolo ni una parodia, es real como la vida misma; no vuela, subsiste; no tiene identidad secreta, y a menudo duda de tener siquiera identidad propia.
Los tres citados son monumentos pop, y fíjense que el primero ha derivado en mito, lo que embrolla todo análisis; que el segundo sigue inédito en nuestro idioma tres décadas y media después –y reclama una edición crítica que proporcione al lector el sustrato histórico necesario para apreciarlo–; y que el tercero, popularizado por el filme de 2003, nos había llegado sólo en volúmenes escasos y coyunturales. Hasta hoy, que La Cúpula nos ofrece una espectacular antología de esta gran novela americana de reciente cuño. Lo cósmico y lo cotidiano en la calles de Cleveland. Quién lo iba a decir.

Javier Fernández

EL PUÑETERO BATMAN

2011-06-07T20:36:00.003+02:00

Título: ALL STAR BATMAN Y ROBIN
Autor: FRANK MILLER (guión) y JIM LEE (dibujo)
Editorial: PLANETA
Páginas: 256
PVP: 20 €

Vale, lo reconozco, me he tomado mi tiempo. El tebeo salió en 2009 y pasé de comprarlo; un amigo se ofreció a prestármelo –en inglés– y pasé de leerlo; lo he tenido frente a mí mil veces y me he vuelto a mirar para otro lado. Pienso que si me lo hubiese topado en la calle, tirado por el suelo, lo habría pisado y habría seguido caminando. Quizá suene a excusa, pero han de saber que a todo contribuye el que el citado amigo me previniese de la ínfima calidad del tebeo, amén de que obtuve esa misma impresión de las dos o tres críticas que uno, de natural curioso, fue cazando por aquí y por allí. El caso es que, ahora que lo pienso, no han sido dos o tres, sino cuatro o cinco o seis, bueno, tantas que al final no he tenido más remedio que comprármelo. Y leerlo.
Vamos por partes. De los dibujos de Jim Lee no hablo porque parece que habemus consenso, que el cien por cien opina que son morrocotudos y no voy a ser yo menos. Y además, viene siendo tradición darle cinco estrellas al dibujante surcoreano de nacionalidad estadounidense, ya incluso desde los estropicios aquellos primeros de Image, de los que se salva en casi todas las palestras. Pero, ay, que la cosa la perpetra también Frank Miller. Y claro, Miller es un ícono –así, con acento en la i, para que suene más divo–, y nos hizo flipar a todos con su Daredevil, que es tan común citarlo que resulta ya hasta burdo. Y fue él el que redefinió precisamente al cruzado enmascarado o al cruzado de la capa o como leñe se le diga al tipo este que protagoniza las películas de Christopher Nolan –las cuales, por cierto, son adaptaciones sui generis de los tebeos de Miller, ya lo habrán notado–. Me refiero, ustedes lo saben, a Batman; y lo de Miller, por no abandonar el terreno de lo consabido, es The Dark Knight Returns y Año Uno –también está el DK2, que vino luego, pero de este no les hablo, o, mejor dicho, convengamos que lo que escriba del All Star Batman y Robin sirve para ambos.
¿Por dónde iba? Ah, bueno, sí, el All Star Batman y Robin, lo último de Batman escrito por Frank Miller –así resumido no tiene tanta gracia–. ¿Que qué me parece? Pues una virguería, ¿no? Y ojo, en el sentido coloquial del término, no en el resto de acepciones del DRAE. Aclarémonos, me vale la cuarta entrada: “Cosa excelente, extraordinaria”. Porque a ver dónde se ha visto un tebeo de superhéroes tan honesto como este, tan avanzado en su concepción del superhéroe, tan divertido, tan canalla, tan sincero. Los hay pares si se quiere –y personalmente prefiero los de Gerber, aunque, claro, estos los prefiero a casi todo–, pero no mejores. Los muchachotes de las mallas que pululan por el All Star son una patada en el estómago, sí, fascistas, sí, desquiciantes, vale, más serios que el copón y pelín sádicos. Si las rotativas imprimieran fragancias me puedo imaginar el olor del nuevo Batman. Es ultimate, está como un cencerro, tiene el léxico y los modales de un troglodita. ¿Es una parodia? No, hombre, no, la parodia son los otros, los que se dicen de verdad, este es real como la vida misma. Ponte un traje y remedia el mundo. Sólo faltaría.

Javier Fernández

AQUÍ ESTÁ PASANDO ALGO

2011-06-02T13:11:00.003+02:00

Título: BODYWORLD
Autor: DASH SHAW
Editorial: SINS ENTIDO / APA-APA
Páginas: 400
PVP: 25 €

Lo primero que vale la pena reseñar de Bodyworld, el libro de Dash Shaw traído hace poco a nuestro mercado por Apa-Apa y Sins Entido, es la estupenda factura de la edición castellana. Notable ya desde la traducción de Julia Osuna, el volumen que nos ocupa es una auténtica gozada para el degustador. Aquí se ha considerado oportuno, por ejemplo corregir textos o pintar en español los rótulos cuando estos se entrelazan con el dibujo, mérito que no sé si atribuir a Gabriela Miciulevicius o a Sergi Puyol, de modo que se lo agradeceré a ambos. Y es que anda uno tan acostumbrado a esas ediciones ramplonas que pueblan las librerías españolas –baratas en el peor sentido de la palabra– que trabajos como este, respetuosos con el lector, saltan rápida y gozosamente a la vista.
Pasando, ahora sí, al contenido, Bodyworld es un webcomic reconvertido al formato de novela gráfica, que se suma a la corta, pero intensa, trayectoria del estadounidense Dash Shaw (Hollywood, 1983), un tipo ecléctico y esteticista que nos regala aquí otro de sus celebrados experimentos formales. De lectura absorbente, merced a su entretenido storytelling, no sabría decirles si el libro de Shaw es una novelita B con ramalazos indies o una novelita indie con querencia a la ciencia ficción, pues, según se mire, la cosa va de un puñado de inadaptados que comparten momentánea existencia en la América profunda, o de los resultados de la injerencia extraterrestre, vía droga telepática, en la anodina vida de un pueblo gringo.
Shaw dispone en la página la miríada de recursos gráficos propia del alumno aventajado de Bellas Artes, y su visión es particularmente inconformista, cosa que se agradece. Hay bastante pirotecnia, pero también mucha innovación recogida de fuentes diversas entre las que destaca sobremanera Gary Panter. Shaw hace suyos el espíritu y los recursos del genio de Oklahoma, recurre también a cierta imaginación lisérgica a lo William S. Burroughs y hasta cita el Omega de Gerber en el capítulo nueve, entre otras varias apropiaciones. Encuentro especialmente interesante el recurso narrativo de la superposición de capas de color para expresar la telepatía causada por la droga de marras, y hermosas las splash pages que anteceden a cada capítulo. En ellas, como en la larga secuencia de terrazas o en el raccord panorámico de Nueva York –fragmentado por fuerza en la edición en papel– se condensa la enorme expresividad y belleza de todo el conjunto.
Ignoro si, como dice Mazzucchelli en la contraportada, Dash Shaw es el futuro de los cómics; por lo pronto, lo tenemos aquí, en nuestro presente, desbrozando antiguos senderos para fabricar los nuevos, inventando y reinventado, huyendo de lo fácil. Y ya sólo por eso merece la pena asomarse a su propuesta.

Javier Fernández

BAILARÉ SOBRE TU TUMBA

2011-05-30T19:00:00.003+02:00

Título: FOUR COLOR FEAR
Autor: VV. AA.
Editorial: DIÁBOLO
Páginas: 320
PVP: 34,95 €

Antes de nada, me confieso de nuevo, y como siempre, adorador de ese patrimonio intangible de la humanidad que son los comics del New Trend de la EC, y lamento, por encima de tantas otras graves torpezas editoriales de nuestro país, que nunca se haya visto por estos lares una edición como dios manda de títulos seminales como Tales of the Crypt, Two-Fisted Tales, Shock SuspenStories o Weird Science –y, ya puestos, del Mad de Harvey Kurtzman, que es la crème de la crème, aun cuando leyéndolo en el formato mini disponible en castellano pueda uno no darse cuenta–. Tenemos, en cambio, una exitosa edición de lujo de Creepy, que viene a ser un sucedáneo descafeinado, por censurado y por sin gracia, de las cabeceras de horror de lo antes dicho, un producto secundario, monótono y soso –bonito, eso sí, como colección de estampas–, pero que, por aquello de la nostalgia, arrastra su propio culto, aunque ese es otro asunto, que habrá que tratar en otra ocasión.
Y tiene uno la sensación, o tenía hasta ahora, de que con una cosa y otra, con la EC y la Warren, estaba repartida la totalidad de lo que estaba permitido conocer de los clásicos estadounidenses del género al lector español. Pero no, fíjense que suerte, ha venido la madrileña editorial Diábolo a ofrecernos la traducción de la valiosa línea de rescate, en lo que a todo esto respecta, emprendida por Fantagraphics. Si primero fue Strange Suspense. Los archivos de Steve Ditko. Vol. 1, un libro capital para comprender la personalidad y el surgimiento del estilo gráfico del tercer punto de apoyo del trípode sobre el que se asentó la era Marvel de los cómics, ahora ha llegado a librerías Four Color Fear, una joya de tomo y lomo; grueso lomo, por cierto.
Compiladas aquí hay cuarenta historietas y un amplio puñado de portadas provenientes de oscuras cabeceras coetáneas al New Trend, o, dicho de otro modo, de la competencia de la EC en los años anteriores al recrudecimiento de la censura por el Comics Code Autorithy; 1951 a 1954, para ser más exactos. La nómina de artistas es sencillamente pasmosa, vean: Bob Powell, Jack Cole, Basil Wolverton, Howard Nostrand, Harry Lazarus, Jack Katz, Wallace Wood, Frank Frazetta, Joe Kubert y un largo, largo etcétera, entre los que, puestos a incluir, se incluyen hasta Simon y Kirby, que firman una portada.
Totum revolutum de epígonos y aventajados, los dibujantes de Four Color Fear son una fiesta para los sentidos a la que estamos todos invitados por un precio que puede parecer caro de antemano, pero que, ya leído el libro, resulta irrisorio. Personalmente, lo considero uno de los mejores de lo que va de año, y no singularizo la distinción porque en esta cosecha han caído ya el Frank, de Jim Woodring, y el Binky Brown conoce a la Virgen María, de Justin Green, y esas son, ya sí, palabras mayores. En fin, hagan ustedes la quiniela que prefieran, pero incluyan Four Color Fear. Saldrán ganando.

Javier Fernández

VISITA A LA GALAXIA EMPÍRICA

2011-05-16T12:50:00.002+02:00

Título: LA ODISEA DE LA METAMORFOSIS Y OTRAS HISTORIAS
Autor: JIM STARLIN
Editorial: PLANETA DeAGOSTINI
Páginas: 240
PVP: 25 €

Hace doce años, tal día como hoy, estaba yo paseando por Oxford a lomos de una bicicleta alquilada. Había pedido una excedencia en mi trabajo de asistente editorial de McGraw-Hill y me había marchado a Inglaterra para completar in situ el último trimestre de los cursos de edición organizados por la Oxford Brookes University, que había venido tomando hasta entonces en Madrid. Sé con certeza que me hallaba sobre la bicicleta porque les escribo esta nota a la hora de comer, y a la hora de comer, todos y cada uno de los días que pasé en Oxford, me dediqué a pedalear.
Salía en realidad muy temprano de casa, subía una cuesta empinada, de cerca de un kilómetro, hasta la universidad y, ya en la cima, luego de pasar junto a los edificios de la Brookes, me tiraba por otra pendiente, aún más larga, hacia el Magdalen Bridge y el downtown. O, según el humor del día, evitaba directamente la subida y escogía uno de los largos paseos que circunvalan los suburbios de la ciudad. Asistir a clase no era una opción. Entre los demás alumnos me sentía como un marciano, y la belleza de Oxford me tenía extasiado. No buscaba otro contacto que la visión de calles, plazas y edificios, de la luz resonando en la piedra o en la exuberante y omnipresente vegetación.
Dejaba la bicicleta junto Cornmarket Street o en Broad Street y me ponía a caminar hasta la hora de la comida. Después de comer me subía de nuevo a la bicicleta y daba vueltas y vueltas, en círculos concéntricos, hasta que el día comenzaba a retraerse: el momento de volver a casa.
Allí en Oxford, por la noche, leí sobre todo ciencia ficción y poesía. El espectáculo del día me obligaba a buscar invenciones y metáforas que, si no lo superasen, al menos lo igualasen. Y casi todos los libros que devoré, incluidos los voluminosos tomos de The Encyclopedia of Science Fiction y The Encyclopedia of Fantasy, carecían de imágenes. Hubo tres únicas excepciones, tres libros ilustrados que compré cerca del Magdalen Bridge. Los recuerdo vívidamente porque celebré con alegría su encuentro, y los conservo con la misma alegría. Uno es la edición ilustrada por Howard Chaykin de The Stars My Destination, la novela de Alfred Bester que sigue siendo uno de mis libros favoritos; otro, Six from Sirius, de Doug Moench y Paul Gulacy, que no viene al caso; y el otro, Dreadstar, la vieja novela gráfica de Jim Starlin.
Leer a Starlin, a aquel Starlin de La odisea de la metamorfosis, The Price y el primer Dreadstar, el epígono de Cordwainer Smith, era, y sigue siendo, asomarse a un estado adolescente de las cosas, un estado de fascinación perpetua y sencillez, de amores trágicos y tragedias rimbombantes, de sueños –parafraseando a John Ruskin– más nobles que nuestro mundo, y, por ello, imposibles de digerir si no se suspende esa censura a la que llamamos credulidad. Recomiendo leer estas páginas previas e introductorias al célebre space opera de Jim Starlin –felizmente compiladas en este tomo de Planeta, muchas de ellas por primera vez en nuestro idioma– con el humor del que pedalea para no ir a clase, del que espera la maravilla a la vuelta de la esquina y antepone la belleza a todo lo demás. Del que busca para no encontrar.
Porque sólo así se encuentra

Javier Fernández

100 % DANIEL CLOWES

2011-05-10T10:51:00.003+02:00

Título: WILSON
Autor: DANIEL CLOWES
Editorial: RANDOM HOUSE MONDADORI
Páginas: 96
PVP: 17,90 €

Pasa con Daniel Clowes (Chicago, 1961) que impone cierto respeto. No sólo por su trayectoria, una de las más sólidas e influyentes del panorama contemporáneo, sino también, y principalmente, por el espectacular virtuosismo del autor de Ghost World. La mirada de Clowes es una lente de aumento capaz de amplificar las emociones más delgadas y convertirlas en protagonistas absolutas de sus historietas, pero conviene recordar que la mirada no es sólo intuición, se necesita técnica. Y en eso –todo el que lo ha leído lo sabe– nos hallamos ante un maestro.
No diré que Clowes haya inventado esto o aquello, pues qué duda cabe que la historieta es un arte de préstamos –o plagios, el término que más le gusta a mi amigo y poeta Luis Gámez, quien, por cierto, estrena en estos días su ópera prima, El libro de las transformaciones (Aristas Martínez Ediciones, 2011), que ahonda en este y otros temas y que desde aquí celebro y recomiendo– y lo de fulanito se encuentra fácilmente en sultanito si se sabe rastrear. Pero sí diré que su obra ha facilitado el trabajo a muchos. Se puede especular cómo aprendió Clowes a medir el tiempo, a componer la soledad, a abocetar motivaciones o a rotar la cámara alrededor de máscaras que se dicen personajes, pero mucho más sencillo que seguirle la pista a sus afluentes, es localizar a sus epígonos, que son legión. Y es que el autor de Wilson pasa por ser uno de los más imitados del medio, especialmente entre la esfera indie, y no cito a nadie por no faltar al respeto. La aparición de Clowes fue un terremoto, y su onda expansiva todavía no acaba. Véase que tomadas sus obras principales –a mí David Boring me pirra, como a todo el mundo, y Ice Haven y las historietas cortas y etcétera, pero confieso que tengo predilección por Ghost World, vaya usted a saber por qué–, hasta se diría que Clowes se plagia a sí mismo, pero, qué coño, está en su derecho.
Porque no creo que Wilson descubra nada a nadie; a nadie que ya lo conozca, quiero decir. Y claro está que tiene sus momentos, sus muchos momentos, fruto de la técnica portentosa made in Clowes –con las connotaciones ya referidas–. El libro está hecho de elipsis y resonancias, y tiene mensajes encriptados que cobran sentido en el desarrollo, que es lo que viene siendo leer a Daniel Clowes. Quizá lo nuevo sea una cierta madurez, en el sentido fisiológico de la palabra. Porque, sí, el hombre se está haciendo mayor. Y conste que no lo digo en sentido peyorativo, sino como simple constatación de un hecho. Hay a quien no le gusta el Kirby de los setenta, quien lo considera senil, como senil es un calificativo asociado al Miller del All Star Batman y Robin, pero es que a mí me pirran ambos, y me pirra Wilson, con todo y lo dicho. En los tres casos me sobran explicaciones, y por eso no las daré aquí –y que no se piense nadie que no he reparado en el uso de tal o cual motivo en Wilson–. Los encuentro, sencillamente, sobrados y divertidos. Muy, muy divertidos.

Javier Fernández

Y OTRAS AGUDAS OBSERVACIONES

2011-05-03T11:38:00.004+02:00

Título: TODO EL MUNDO ES IMBÉCIL MENOS YO
Autor: PETER BAGGE
Editorial: LA CÚPULA
Páginas: 124
PVP: 19 €

Comenzaré poniendo del tirón título, subtítulo y coletilla del libro de Peter Bagge (1957, Peekskill, Nueva York) del que pasaré a hablarles a continuación, ya verán que es largo: Todo el mundo es imbécil menos yo y otras agudas observaciones. Hilarantes reportajes de cómic de investigación sobre la actualidad más candente. Claro está que la candente actualidad a la que hace referencia lo anterior es la estadounidense –que tanto se parece y tanto difiere de la nuestra–, de modo que se agradece, y mucho, el esfuerzo del camaleónico e irredento Hernán Migoya en la estupenda traducción, así como el “Glosario de términos y referencias localistas estadounidenses” que cierra acertada y afortunadamente el libro, y sin el que un ignorante como yo se habría sentido bastante perdido.
Lo que tenemos aquí es la recopilación de un puñado de historietas cortas –a veces de una sola página, nunca de más de cuatro– publicadas originalmente en Reason, la revista libertaria fundada en 1968 y editada por la fundación homónima, una institución no lucrativa de Los Angeles cuyo logotipo traduce a líneas la mano entorchada de la Estatua de la Libertad y tiene por lema “mentes libres y libres mercados”. El que esto suscribe opina que la intención del libro es primera y sencillamente cómica y que cualquier intención política, retrato sociológico o adhesión ideológica están supeditados a lo anterior, aunque quizá haya quien prefiera verlo al contrario. Porque, qué duda cabe que hay aquí un comentario de la realidad tal como la percibe el adepto al libertarismo, pero es que, bajo la óptica de Bagge, el libertario es el tipo sencillo que proclama “vive y deja vivir” y que, por lo mismo, denuncia la indefectible obsesión de tanto hijo de vecina de ordenarle la existencia al prójimo, de solucionarle la vida a la fuerza. ¿No les simpatiza, así de primeras?
Una recopilación, les decía, de sátiras corrosivas, ordenadas en torno a diversos ejes temáticos (la guerra, el sexo, el arte, las finanzas, la política, etc.) y que, en sentido amplio, muestran a las claras lo ridículo, lo absurdo, lo inconstante de la condición humana. Según se mire, sirve el libro de Bagge como informe detallado de las más variopintas tipologías y para entender usos y costumbres sociales, en especial –insisto– los de esa compleja sociedad estadounidense que alguien describió en alguna parte como un guiso enorme de innumerables ingredientes, todos flotando en la misma sopa, y no se me ocurre mejor metáfora que esta del caldo caliente y abigarrado.
Personalmente, valoro como agua de mayo que queden aún tipos gamberros y contestatarios como el autor de Odio, herederos del underground y la contracultura, pues hay días que le queda a uno la sensación de que el indie es un sumidero esteticista, cuando no un mero canal, una marca comercial. Por fortuna, digo, está sentado Peter Bagge a la derecha de Crumb padre, junto a Shelton y compañía. Los oigo dar sus grandes risotadas y es que me meo de la risa.

Javier Fernández

DITKO, DITKO, DITKO

2011-04-27T19:26:00.002+02:00

Título: STRANGE SUSPENSE. LOS ARCHIVOS DE STEVE DITKO VOL. 1
Autor: STEVE DITKO
Editorial: DIÁBOLO
Páginas: 240
PVP: 35 €

Seguramente es por casualidad que Steve Ditko (Johnstown, 1927) se ha convertido en uno de los nombres propios del medio de la historieta. Es casualidad, digo, porque tiene uno la sospecha de que se libró por poco de integrar el montón de los invisibles, de los autores de culto. Ese poco, claro está, es Spider-Man. Ya saben ustedes que el de Pennsylvania fue el creador gráfico del trepamuros, y eso le cambia la vida a cualquiera.
Que no digo yo que Ditko no sea fabuloso, o, mejor dicho, afirmo que es fabuloso, la bomba, una pasada, pero –mal que me pese– su arte no se distingue precisamente por el hallazgo de un público. De modo que la casualidad, sí, bendita sea, lo puso un día en el escaparate y de ahí que todos lo hayamos leído. Todos, sin excepción. Por eso es que hablar de Ditko es hablar de un autor influyente, una rama principal del árbol de la historieta estadounidense; un poco apartada de la luz, eso sí, pero gruesa al fin y al cabo. De Craig Russell a Beto Hernández, pasando por el mismísimo Frank Miller, se siguen fácilmente las trazas de su estilo raro y personalísimo.
Puestos a distinguir etapas en la carrera de Ditko, por mí está bien si hoy las dejamos en tres: formación, consagración y rompimiento, con el breve éxito ya citado en pleno medio. Y bien, esta compilación que celebramos, Strange Suspense, editada originalmente por Fantagraphics y traída a lengua española en hermosa edición por Diábolo, da cuenta de los primeros estadios de la formación, lo que vendría a ser propiamente el surgimiento del artista. Se sabe que Ditko aprendió a narrar de Jerry Robinson –literalmente, asistió a sus clases– y que tuvo a Mort Meskin como autor ideal, y resulta no menos evidente al lector avisado la influencia de Joe Kubert en estas viñetas primeras, aunque nada de esto importa realmente. Lo que cuenta es que Strange Stories es puro Ditko. Dicho de otro modo, aquí están ya, de inicio, las cualidades estéticas que se reconocerán como propias del autor. Hay planos heredados de, y modos de entintar a lo, y ritmos que remiten a, pero la reunión de todo ello, y más, es Ditko, Ditko desatado: atmósferas bizarras, motivos imposibles, el expresionismo narrativo, la densidad plástica…
Las historietas de este primer volumen de Los archivos de Steve Ditko pertenecen a una gozosa variedad de géneros, si bien es el terror el que más abunda, y son fruto de una libertad creativa absoluta, propiciada por los editores de aquellas cabeceras, remedos casi siempre de la EC, segundonas y aspirantes al olvido: Fantastic Fear, The Thing, Strange Suspense Stories, Crime and Justice, Space Adventures, etcétera. Literariamente, el volumen es infame y sobresaliente. Malo porque los argumentos son necedades de absurdo twist argumental, y maravilloso por entretenido y macabro, de una atrayente violencia, anterior al recrudecimiento de la censura y, por tanto, libre de ella. Artísticamente, lo vengo diciendo, es un deleite. Y el conjunto, qué duda cabe, una joya.

Javier Fernández

UNA SENSACIÓN DE PERFECTA DICHA

2011-04-18T13:02:00.004+02:00

Título: CONSUMIDO

Autor: JOE MATT

Editorial: FULGENCIO PIMENTEL

Páginas: 128

PVP: 20 €

Si han leído a Joe Matt (Filadelfia, 1963) ya saben qué es eso que le produce la dicha a ese trasunto del propio artista que es el protagonista de Consumido. Cito por si es que no: “Los músculos no me responden. Qué sensación más maravillosa… Es como estar flotando… Es como un interruptor interior. Ya no me siento neurótico ni deprimido, al contrario, me recorre una sensación de paz y complacencia, de perfecta dicha. Si soy adicto a algo, es a esta sensación de abandono. Es la evasión perfecta para una vida miserable y solitaria: es placentero, barato y tampoco perjudica a la salud”. ¿No lo pillan? Echen un vistazo a la cubierta. ¿Ven todo ese papel higiénico? No, el personaje no ha estado llorando ni está resfriado, se halla sencillamente exhausto, y siente una dicha perfecta. Claro que la imagen es bastante clara y explícita, y no necesita justificación alguna, pero, si se quiere, se le puede encontrar también su lado metafórico. En otra clave, lo de Matt cabría entenderse como “reflejo de la decadencia de un artista que ha tardado casi una década en completar las exiguas cien páginas de este libro”, tal como reza la cuarta de cubierta, pero también como una representación cómica del propio género autobiográfico, reducido argumentalmente aquí a un recuento masturbatorio. De Justin Green a Phoebe Gloeckner, pasando por Allison Bechdel, Gabrielle Bell, Harvey Pekar o el propio Crumb, la historieta norteamericana tiene grandes exponentes del “¡mira lo que hago, mamá!”, que tanto nos gusta a los humanos. No es que sea un género infinito, pero lo parece. Los hay que son refinados como Seth, que han jugado ocasionalmente a la confusión entre realidad y ficción; sensibles, como Chester Brown y sus historietas zen; y los hay que dan lástima, como Joe Matt –no me malinterpreten, me refiero a que dar lástima es uno de los objetivos de Matt, el corazón de su vis cómica. Los tres antedichos, Seth, Brown y Matt, amigos dentro y fuera de las viñetas, protagonizan algunos de los momentos estelares de Consumido, y uno termina la lectura del álbum con la sensación de conocerlos de toda la vida. Es lo que tienen las buenas comedias de situación, que enseguida se empatiza con sus personajes, y se los quiere. El otro protagonista destacado es la videograbadora, o mejor dicho, las videograbadoras que Matt usa para editar su particular colección de grandes fragmentos del éxtasis cinematográfico. Todo un alarde artesanal que –piensa uno– se habrá quedado en nada en estos tiempos de recursos digitales. Consumido compila historietas de los números 11 a 14 de Peepshow, corregidas para su edición en tomo, y, en lo formal, Joe Matt alcanza aquí un nivel de exquisitez en la secuenciación y en el acabado que sorprenderá a propios y extraños. En otro orden de cosas, conviene resaltar que la edición de Fulgencio Pimentel, en tritono, es toda una delicia de factura y confección. ¿Qué más les puedo decir? Que lo compren. Es Joe Matt, no hay dos como él.

Javier Fernández

¡HAY RECESIÓN, JOE!

2011-04-11T18:43:00.003+02:00

Título: TRÁEME TU AMOR Autor: CHARLES BUKOWSKI, ROBERT CRUMB (ilustrador) Editorial: LIBROS DEL ZORRO ROJO Páginas: 60 PVP: 17 €

Charles Bukowski y Robert Crumb. Miel sobre hojuelas. Vale, no es la expresión más adecuada, pero ya me entienden. Me dice Luis Gámez que la reunión de estos dos en un mismo libro es algo así como echar tónica a la ginebra, un hecho lógico y natural, y hasta inevitable. Y sí, que Crumb ilustre a Bukowski, que Bukowski se lea en clave de Crumb, equivale en matemáticas a sumar dos y dos. Pero ya basta de comparaciones, vayamos al grano. Traducidos por Marcial Souto –a quien, sin conocer en persona, tanto estimo, especialmente por sus versiones de J. G. Ballard–, se incluyen aquí tres relatos del maestro del realismo sucio, un escritor que siempre vuelve a uno renovado, fresco y brillante como la primera vez. Leer a Bukowski es abandonarse al voyeurismo más placentero, asomarse a la vida ajena, que tiene parte de la propia. No tanto en situaciones o ambientes, máxime porque el que esto suscribe habita en el sur de España y no en los suburbios de una metrópoli gringa, y lo que allí es natural como la vida misma aquí se vive como ficción, como metáfora de la condición humana. Las imágenes de Bukowski carecen de sutileza y refinamiento, son descarnadas en el sentido en que son puramente carnales, sudorosas, inmediatas, pero no por ello simples, ni carentes de manufactura. El escritor era un maestro de la tensión y la palabra, y su maestría comienza por el oído, o por el ojo, según se quiera entender su faena artística, que consiste en retratar fidedignamente tipos y situaciones. O más precisamente, recrearlos. Todo el que lee a Bukowski lo sabe, que se asoma al mundo, y en realidad se asoma a una invención del mundo en la que flashes de realidad se han transformado en personajes y la anécdota cierta es una excusa para moldear certeras motivaciones. Tráeme tu amor y otros relatos enciende y apaga la luz en tres ocasiones, pues tres son los cuentos aquí incluidos: “Tráeme tu amor”, “No funciona el negocio” y “Bop, bop, contra aquel telón”. En lo que a la temporalidad de la acción importa, el libro camina en progresión desde un incidente breve, y luego otro, hasta el recuento de toda una época, y en todos los casos se tiene la sensación de estar asistiendo a una crisis interminable, a una recesión que no acaba. Quisiera estar eternamente hablando de Bukowski, pero más aún me gusta hablar de Robert Crumb, y debe ser por eso que lo he dejado para el final, para no tener más remedio que citarlo escuetamente. Dice la solapa del libro que es “quizá el historietista más importante de todos los tiempos”. Por mí vale, y además es un ilustrador cojonudo; en algún lugar escribí que Crumb es el mejor dibujante de América. No sigo, mis últimas palabras van para la edición de Libros del Zorro Rojo, que se disfruta desde la sobrecubierta al colofón. Lo dice un connoisseur, por si les sirve de algo.

Javier Fernández

CONTORNO Y FIGURACIÓN

2011-04-04T19:21:00.006+02:00

Título: CECIL Y JORDAN EN NUEVA YORK, Autor: GABRIELLE BELL, Editorial: LA CÚPULA, Páginas: 160, PVP: 20 €

Hace poco más de dos años, comencé mi reseña de Afortunada (La Cúpula, 2008) diciendo que adoro a Gabrielle Bell. Y recuerdo que entonces estaba yo por tomar un avión a México para empezar una vida nueva y que me cayó la monografía de la Bell como un abrazo de despedida. Pues bien, la nueva vida empezó y me trajo de vuelta, y apenas tomo tierra y me encuentro con Cecil y Jordan en Nueva York, lo nuevo de Gabrielle Bell, que es casi un regalo de bienvenida. Porque hay cosas que cambian con el tiempo, pero este no es el caso. Insisto, adoro a Gabrielle Bell. También entonces escribí: “Bell comienza Afortunada anotando de manera sistemática los hechos significativos del día a día y termina decantándose por la búsqueda del momento más revelador, la elección meditada de la anécdota para dejarla crecer a lo largo de las páginas, en una técnica final más similar a la ficción que a la pura confesión”. Y bien, de Cecil y Jordan cabría decir lo contrario, que utiliza la ficción como técnica para delinear una confesión, un retrato íntimo. En los mejores momentos de la compilación, la temperatura de los relatos invita a sospechar que Bell se oculta en diversas máscaras, pero claro, la fabulación permite al lector implicarse más allá del voyeurismo, y, en este sentido, el libro cobra una altura nueva, mayor, si cabe, que la de Afortunada. Tradicionalmente, los terrenos aquí transitados eran propios de la literatura, pero hace ya que el indie se ha encargado de reivindicarlos para el cómic. Y dentro de esta tendencia, conviene remarcar que Bell tiene buen oído, un estilo personal y hermoso, basado en la peculiar mezcla de sobriedad y dulzura –lo que la diferencia, por ejemplo, de Adrian Tomine–, y en un deseo de sencillez y limpieza que la aleja –citando otro parecido razonable– de la alargada sombra de Julie Doucet. Se puede definir a la Bell como una prosista de la imagen, y vean que la expresión tiene su miga. En un sentido inmediato, y en el contexto del arte secuencial que nos ocupa, la imagen es el recurso básico y principal, pero en otro más amplio la imagen no es sino el territorio propio de la poesía. Es decir, hay figuración, pero también una cierta abstracción emocional que emana de los contornos del argumento, de las simples figuras, de las que la silla del relato “Cecil y Jordan en Nueva York” es el ejemplo más inmediato. Mención aparte merece la edición de La Cúpula, que cuenta con una excelente traducción de Montserrat Terrones y una estupenda rotulación de Iris Bernárdez. La primera construye un tono sincero y natural, que permite al lector quedar absorbido de principio a fin, y la segunda trabaja con tipos que mimetizan el original y completan la belleza de las páginas. Trabajos como estos elevan el estándar de la lectura de tebeos y le devuelven la magia que otros, que se dicen editores, transforman en vulgaridad.

Javier Fernández

TODO EL MUNDO ME QUIERE

2011-03-28T17:57:00.005+02:00

Título: PENNY CENTURY, Autor: JAIME HERNANDEZ, Editorial: LA CÚPULA, Páginas: 260, PVP: 19 €

Por si alguien aún no se ha enterado, Locas es la bomba. Gusta por igual a mujeres y hombres, a padres e hijos, a terrícolas y marcianos, a rojos y fachas… Cada vez que alguien me pide que le recomiende un tebeo, antes de nada le pregunto: ¿Has leído Locas? Todos los que lo prueban –y cuando digo todos, me refiero a todos–, repiten. ¿Por qué? Porque Jaime Hernandez es muy, muy bueno y Locas es la bomba. Verán que escribo Hernandez sin tilde; y es que hablamos de un chicano nacido en 1959 y criado en California, pero eso ya lo saben ustedes, así que pasemos a otra cosa. ¿Qué es Penny Century? ¿Lo tengo? ¿Me lo compro? Vayamos por partes. Penny Century se sitúa cronológicamente después de los tres tomos titulados sencillamente Locas, ya publicados por La Cúpula, y antes de las historietas que van viendo la luz en la segunda etapa de la revista Love and Rockets –entre las que se cuentan, por ejemplo, las contenidas en La educación de Hopey Glass–. El volumen que nos ocupa traduce el tomo homónimo publicado por Fantagraphics en 2010, compuesto por el grueso de la miniserie Penny Century, que ya había sido editada en nuestro idioma –en cinco cuadernillos en 2004–, así como tres joyitas que no. A saber, la desopilante novela gráfica Whoa, Nellie! (1996), el comic book Maggie and Hopey Color Fun (1997) y la historieta corta Bay of Threes, una suerte de epílogo de la ya citada miniserie publicado en 2002 en Love and Rockets y que sirve de broche al libro. Referente a la novela gráfica, Whoa, Nellie!, que tiene a Vicki Glory y Maggie Chascarrillo como protagonistas secundarias, ha de saberse que toda la cosa es una mera excusa para retratar una sucesión de delirantes y visualmente estruendosas estampas de luchadoras de esas que se citaban día sí, día no, en los primeros tiempos de Locas. Jaime Hernandez aprovecha aquí para explayarse y profundizar en el ritmo narrativo elíptico que caracteriza parte de su producción, de tal forma que la sucesión de planos de voluminosas luchadoras en el cuadrilátero lo dejan a uno maravillado, no sólo por el prodigio estético y compositivo, sino también por esa cadencia propia y exclusiva del lenguaje de la historieta, que nada tiene que ver, felizmente, con lo cinematográfico. Y en cuanto al Color Fun, es una lástima que un tebeo como este, que se distingue dentro de la saga precisamente por el color, se publique en blanco y negro, aunque en esto, quede claro, La Cúpula respeta la edición de Fantagraphics, que ya le quitó la cuatricromía al compilarlo en inglés. Como sugiere el título, Maggie and Hopey Color Fun tiene una frescura particular, su poquito de coña marinera, y prepara al lector para adentrarse en esa virguería, esa oda al fragmento, ese caleidoscopio de personajes, puntos de vista, tonos y estilos que es propiamente Penny Century.

Javier Fernández

BODYWORLD

2011-03-28T13:14:00.013+02:00

Título: BODYWORLD, Autor: DASH SHAW, Editorial: SINS ENTIDO/APA APA, Páginas: 400, PVP: 25 €.

Vamos a comenzar ésta reseña diciendo que es muy complicado recomendar un cómic de Dash Shaw. Y sobretodo uno como el que hoy les traigo. Éste jóven autor (27 añitos) siempre vá más allá en buscar nuevos caminos (con resultados dispares), pero al que hay que reconocerle su valía por el inmenso esfuerzo que conlleva, ya que esa experimentación formal no diluye ni entorpece la narrativa, sino todo lo contrario. Bodyworld tiene como protagonista en un futuro incierto a un profesor que llega a Boney Borough para experimentar con los posibles efectos psicotrópicos de una especie vegetal que sólo crece en esa tierra. A partir de ahí se desencadena una serie de acontecimientos que ponen en una situación muy delicada el microsistema de éste pequeño poblado. Éste autor, siempre mirando al futuro y nunca al pasado, utiliza también el color como recurso novedoso y de forma expresionista. De la mano de Sins Entido y Apa Apa en una cuidada edición en cartoné (con desplegable incluido), en su interior podemos encontrar una mezcla perfecta entre el universo de Philip K.Dick, arte moderno, culebrón estudiantil y David Lynch (sobretodo de Twin Peaks). Hablando de Philip K.Dick la influencia vá mas allá de lo evidente (el protagonista lleva en su maletín una copia de los Tres Estigmas de Palmer Eldritch). También su sombra se deja ver en las secuencias surrealistas dónde se fusionan las conciencias. Aquí se utiliza un tipo de dibujo superpuesto y expresionista con texturas digitales dando como resultado escenas de alto espectáculo imaginativo, que queda perfecto para lo que se está contando, ya que transmite esa sensación de incomodidad. El órden de lectura es vertical, heredado de su primera publicación en formato digital. Lo que a priori parece un formato incómodo para el lector, pronto se convierte en una composición narrativa diferente. Una de las características de Shaw en su narrativa es la evocación de las intensas experiencias corporales,en definitiva,es un método sensorial rara vez visto en el medio. Los personajes sudan,sienten calor,y Shaw incluye éstas reacciones en el mismo dibujo, sin necesidad de bocadillos ni textos de apoyo. Es una de sus grandes bazas como autor. Decir también que es un cómic que aprovecha al máximo su espacio vertical de forma encomiable, hecho que está al alcance de muy pocos autores. Deudor de Chris Ware y Charles Burns, sobretodo coinciden en éste último en su ingenioso e inquietante ritmo que ambos autores imprimen a sus obras. Pese a su juventud, se está convirtiendo en un referente en el mundo del cómic. Es un cómic que se debe leer aunque sea para estar al día en lo que se refiere a cómic para adultos diferentes y de narrativa valiente, que compensará a los que se acerquen a sus páginas. Aunque a mí me haya gustado mucho, recomendado con reservas.

Francisco José Arcos Serrano

¡TEMBLAD, RATAS DEL LUMPEN!

2011-03-24T18:01:00.003+01:00

Título: LA IRA DEL ESPECTRO
Autor: MICHAEL FLEISHER (guión) y JIM APARO (dibujo)
Editorial: PLANETA DeAGOSTINI
Páginas: 208
PVP: 13,95 €

¿Cómo les explico? Corría el año 1974, Perros salvajes, el filme de Peckinpah, era ya un clásico, y la saga de Harry el sucio contaba con dos títulos en su haber, el último de 1973. El verano del amor había terminado y Norteamérica se preparaba para un largo y violento otoño, de inminente claudicación bélica, crisis energéticas, decepción política y rabia social. De modo que es no es difícil entender que la cultura popular se llenase de pronto de vengadores sangrientos y reaccionarios, rayanos en la locura y emergidos penosamente de las grietas de aquella edulcorada imagen de tranquilidad y orden de las décadas anteriores. Punisher es hijo de ese tiempo, fue creado precisamente en 1974, también Wolverine, aunque los atributos salvajes que acabarían definiendo a este último llegarían algo más tarde. Y, cómo no, en 1974 llegó el Espectro de Orlando, Fleisher y Aparo.
Verán que he colocado el nombre del editor Joe Orlando junto al del escritor y el dibujante de aquellos iracundos diez episodios del superhéroe sobrenatural reconvertido en verdugo que vieron la luz en Adventure Comics, más concretamente en los números 431 a 440 –tres guiones se quedaron en el cajón cuando la serie fue cancelada bruscamente; Aparo los dibujó a finales de la década siguiente, y estos también se incluyen en el volumen que publicó Planeta hace un par de años–. Sucede que, en palabras del propio Orlando, la inspiración para el tono implacable de la serie, para la actitud despiadada del zombi justiciero, vino de una traumática experiencia personal: “Yo vivía en el West Side y mi mujer estaba embarazada de ocho meses. Fuimos atracados a plena luz del día. Nos empujaron contra el muro de una iglesia, y eran sólo unos críos de alrededor de 14 años. Mi esposa comenzó a llorar y temblar y abrió su monedero y yo les di todo el dinero que llevaba en el bolsillo. Entonces se marcharon caminando, tan arrogante y lentamente que me inflamó la furia de no poder hacer nada al respecto. Salí en busca de un policía y de pronto me asaltó la soledad de la víctima. Toda esa rabia salió al exterior y encajó con las necesidades de Fleisher, de modo que creamos unas historias de horror bastante chulas”. Cabe recordar que Orlando se había criado como artista en la mítica EC, y su sistema de trabajo con Fleisher recuerda, por momentos, al de Gaines y Feldstein: el editor crea la premisa narrativa y el escritor la desarrolla. Russell Carey, un amigo de Fleisher, también aportó sus ideas y ayudó a desarrollar visualmente la serie.
Asesinos que acaban convertidos en cristal y son luego rotos sin compasión, o mueren metamorfoseados en cactus, o derretidos como la cera, o cortados en dos por gigantescas tijeras, o son transformados en madera y seccionados más tarde con una sierra mecánica… La ira del Espectro es una colección de mil y una maneras de liquidar a los malhechores, a las “ratas del lumpen”, como se los denomina en el textito que abre cada episodio de esta singular compilación. Todo un desahogo que hizo que Harlan Ellison dedicase a Fleisher los calificativos de lunático, demente, loco y trastornado. Y es que no importa lo inocentes que estas historietas puedan parecer al gusto actual, bien leídas son una verdadera bomba.

Javier Fernández

ME DESPIERTO Y NO SÉ DÓNDE ESTOY

2011-03-17T19:18:00.002+01:00

Título: TÓXICO
Autor: CHARLES BURNS
Editorial: MONDADORI
Páginas: 64
PVP: 17,90 €

De los muchos elementos reseñables de Tóxico –que es como Rocío de la Maya ha solventado la traducción al castellano del título original, pero de eso les hablaré después– empezaremos por el color.
Claro está que uno conoce las ilustraciones en cuatricromía de Charles Burns (Washington DC, 1955) y recuerda, por ejemplo, la edición en cuadernillos a todo color de Blood Club realizada en los 90 por Kitchen Sink, pero, salvo error o despiste, conviene notar que este es el primer álbum de Burns ideado e impreso directamente a cuatro tintas. Y verán que tratándose del autor de Agujero negro la cosa no carece de importancia, pues se trata de un artista asociado a fuego con el blanco y negro y cuyo estilo gráfico –en la estela de Chester Gould o Al Feldstein, por citar sólo dos nombres que vienen de inmediato a la cabeza– concedía tradicionalmente todo el protagonismo al entintado. Con Tóxico, el protagonismo de las masas de negro se comparte con las variadas y luminosas tintas planas que sustituyen al blanco. Como investigador que es, Burns se permite crear algunos juegos con el color –la foto de polaroid revelándose, la transición del azul al rosa en el paso de una realidad a otra, la cadencia constante de rectángulos negros y de color, el rojo de la sangre de Sarah mostrada al paso de la cuchilla, etcétera–, aunque, en última instancia, resulta evidente que el sentido principal de la cuatricromía es, simple y llanamente, acercar el tono del libro al de la bande dessineé, en concreto a Tintín, influencia confesa en la poética de Burns.
La cubierta de Tóxico homenajea a aquella ilustración icónica de La estrella misteriosa –precisamente el primer álbum de Tintín que se imprimió directamente en color– y hay en todo el libro una inquietante fusión de indie estadounidense e historieta francobelga. En cuanto a lo primero, Tóxico puede entenderse como apéndice de Agujero negro, y en este sentido se disfruta con gusto, pero sin sorpresas –el accidente, la enfermedad, el aborto, la pérdida, la alienación familiar, la sexualidad bizarra son motivos recurrentes en Burns–; en cuanto a lo segundo, la cosa adquiere su propio atractivo y el mundo onírico, sin ser algo excepcional, es una pasada. Con todo, la novedad de la obra, qué duda cabe, no está en uno u otro, sino en la citada mezcla. Y el conjunto deja en el lector el regusto de la imaginación potente y enfermiza de un William Burroughs –quien, por cierto, aparece expresamente citado en Tóxico.
Retomando por último la cuestión del título, y sin ánimo de menospreciar para nada la excelente labor de la traductora de Tóxico, que sobresale en todos los aspectos, sí me gustaría hacer notar al lector que el original X’ed Out –de compleja traslación, pues hace referencia a tachar algo con una equis, como en un cuestionario, pero también a pulsar la X de la ventana de un software para cerrarla– tiene su equivalencia gráfica con la portadilla interior del álbum, una página de rectángulos negros sobre rojos que no son sino una gigantesca X sobre una O, esto es, una representación visual de las iniciales de las dos palabras del título. Dicho queda.

Javier Fernández

TIERNO COMO UN CORDERITO

2011-03-07T19:20:00.005+01:00

Título: LA CARA MÁS DULCE DE CRUMB
Autor: ROBERT CRUMB
Editorial: LA CÚPULA
Páginas: 122
PVP: 18 €

En su irregular estudio –el adjetivo “dudoso” también me ha pasado por la mente, pero lo he acabado descartando– La contracultura a través de los tiempos: De Abraham al Acid-House, un iluminado Ken Goffman afirmaba que la contracultura es mayormente el motor de la historia, la fuente de la que emana casi todo lo guay en el mundo ha habido, el culmen de la diversidad, la mayor cantera de innovaciones artísticas y culturales de la que se tiene noticia y, claro está, la necesaria conciencia crítica por la que –Dios mediante– advendrá un individualismo sano y deseable, que es lo diametralmente opuesto a esa cosa chunga que se llama autoritarismo.
El natural buen rollo y empatía del contracultural con la esencia universal, así como el atinado uso de determinadas sustancias y el disfrute continuado de instrumentos tales como la música rock, el sexo en multitud o la larga y profunda charla entre almas sensibles forman parte del bagaje positivo descrito por Goffman, y ante tal caudal de información útil no puede uno dejar de preguntarse dónde está la comuna más próxima y cuándo sale para allá el próximo tren, se sea o no contracultural. Ignoro si, como afirma el autor, la genealogía de la contracultura se remonta como mínimo hasta Abraham o si el mito de Prometeo era poco menos que una consigna entre los hippies grecolatinos, aunque lo cierto es que me huele todo a dislate propio del mismísimo Timothy Leary, quien, por cierto, regresa de la tumba para firmar el prólogo del libro de Goffman y anima el asunto desde el más allá, seguramente stoned.
Si me preguntan a mí por la contracultura, que he fumado menos, follado menos y charlado, larga y profundamente, menos que los antes citados, lo más probable es que les recite –con Roszak, el padre del término– que suele caracterizarse por su opinión de que la cultura contemporánea está abocada al suicidio social y planetario, que cree en el cambio, en el caos, como mayor –cuando no única– constante histórica, que suele promulgar un inmediatismo rotundo y la libertad propia como valor paradójicamente absoluto y que se rodea de un misticismo de dudosa reputación, que acarrea costumbres asociadas al éxtasis.
Pero si vuelven a preguntarme, con ganas sinceras de escucharme, a mí que me he leído cuanto tebeo ha caído en mis manos desde que vine al mundo, antes o después acabaré contándoles la verdad. Que la contracultura es esa cosa que hace Robert Crumb, el tío más grande que ha parido madre. Ahí tienen, por ejemplo, La cara más dulce de Crumb, esta “colección de adorables, reconfortantes y amorosas estampas dibujadas” que ahora nos regala La Cúpula y que, en palabras de su autor, “no le harán al lector sentirse amenazado en ningún sentido, y que lo llevarán a un estado de calidez, arrebujamiento y mimo para con el artista y la vida en general”. El libro es tan hermoso, tan sensual, tan elegante, tan personal y su lectura resulta tan edificante, que le entran a uno ganas de tomar por los cuernos esta cultura hedonista, ansiosa e hipermoderna y estrellarla violentamente contra el suelo. De volverse, definitiva y permanentemente, ahora sí, un contracultural.

Javier Fernández

LA BENDITA DIVERSIDAD

2011-03-01T10:54:00.004+01:00

Título: DOLMEN EUROPA
Autor: VV. AA.
Editorial: DOLMEN
Páginas: 82
PVP: 9,95 €

Pasa que si va uno a la librería de tebeos y se deja guiar por lo que ve es fácil que acabe disfrazándose en carnavales de superhéroe o chapurreando el japonés, y menos fácil que reciba los buqués sofisticados, muy diversos y mayormente ocultos, de eso que se dice cómic europeo. Paradojas que tiene la globalización. Y vaya por delante que esto del tebeo europeo no es tanto una nacionalidad como una forma de entender la historieta. Una manera de escribir, de leer, un estado mental, si me permiten la cursilería. Como denominación de origen, se podría afirmar que el cómic europeo incluye trabajos hechos, qué se yo, en París, pero también en Buenos Aires; en Madrid, y en Tokio. Pues de lo que aquí se trata es de un estilo distintivo, un savoir-faire, algo casi imposible de definir por sí mismo y que, sin embargo, salta a la vista cuando se pone en contacto con las formas mayoritarias de fabricación de historietas.
Tiene la cosa una especial conciencia, de autor y de obra, y no es tanto un tebeo de resistencia como un tebeo resistente, no sé si me explico. Un producto que busca constantemente su mercado sin perderse por el camino, fiel al lector curioso, al lector perspicaz, avispado e inconformista. A ese que valora matices y compromisos y espera llenar ojo y cerebro a un mismo tiempo. Y al que aburre el más de lo mismo. Aunque no nos engañemos, no es oro todo lo que lleva impreso la etiqueta europeo, sólo faltaría. Créanme que el grueso de lo etiquetado apunta maneras, pero no me culpen a mí si compran un truño y se lo echan a la cara. Hay que saber escoger.
Hablando de lo cual, da uno gracias a Dios a que Vicente García et al. se hayan embarcado en la publicación de Dolmen Europa, la hermana, pequeña y grande a un tiempo, de Dolmen, la conocida revista de información de tebeos. Digo pequeña porque apenas lleva tres años con nosotros –a diferencia de la otra, que comenzó su andadura a mediados de la década de los 90–, y grande porque tiene formato álbum; europea, ya ven, hasta en las formas. Y lo digo sinceramente, lo de dar gracias, pues encuentro el esfuerzo necesario como agua de mayo, máxime en los tiempos que corren, con esta sequía interminable, enquistada en el sistema.
Dolmen Europa es una rosa de los vientos, un instrumento de navegación que permite al lector navegar por los mares, ríos y afluentes de la historieta europea. ¿En qué otro lugar puede uno deleitarse, por ejemplo, con la melancólica voluptuosidad de Juillard o charlar cara a cara con la poética de Frederik Peeters; recordar que alguna vez hubo en nuestro mercado sitio para maravillas como Strong o repasar el Jeremiah de Hermann? Es también un catálogo de maravillas, pero no sólo un catálogo, se disfruta con el gusto con el que se lee mismamente un tebeo y engancha tanto como una serie de ficción. Cómprenlo y verán.

Javier Fernández

ESO DE LOS TEBEOS, NIÑO

2011-02-25T13:36:00.002+01:00

Título: PADRES AUSENTES
Autor: PABLO MUÑOZ
Editorial: ALPHA DECAY
Páginas: 64
PVP: 6,50 €

Puede suceder que el lector de Padres ausentes no haya leído un tebeo de superhéroes en su vida, aunque dudo que se dé el caso. Lo más normal es que se trate de un lector casual o habitual del género. Y digo esto porque me da la sensación de que hoy en día todo dios lee tebeos, lo cual está muy bien y me hace sentir de lo más feliz. Recuerdo con repelús cuando esto del vicio era poco menos que un estigma, una tara cultural. O peor aún, un target sociológico –y que me perdone el bueno de Umberto Eco–. Anécdotas del asunto las tengo a porrillo, como, por ejemplo, aquella primera vez que fui a Sevilla a comprar tebeos sin mapa ni dirección alguna y entré en una librería de las de toda la vida, con nombre de poeta, muy rancia y ordenada, y dije en voz alta: “¿Saben ustedes dónde venden tebeos en Sevilla, así en serio?”. Me contestó jocoso y con sorna el dependiente, también rancio y ordenado, pertrechado tras una pila de libros como el que se esconde detrás de unos vidrios vacíos en la taberna: “Pero es que, niño, eso de los tebeos no es nada serio”.
Claro está que el viaje de Córdoba a Sevilla no era precisamente homérico, pero tenía su aquel. Entraba uno como en otra dimensión, la de las tres y hasta cuatro librerías especializadas, en lugar del gastado y consabido antro de siempre. La del cómic americano en inglés o los tebeos españoles finos e importantes y, por lo mismo, raros de encontrar. Y bueno, cada cosa tiene su idiosincrasia. Me viene a la cabeza también lo de cuando fui otra vez a Sevilla –párenme que me embalo–, un lunes o martes de Semana Santa, y estaban cerradas todas las tiendas, por decreto divino, y me quedé todo el día pegado al escaparate, a escasos centímetros de aquellos tebeos, esperando en vano que sucediera un milagro… Porque hay tipos, como Pablo Muñoz o como yo, a los que eso de hacer turismo, mismamente darse un paseíto, cuando lo que se ha ido es a comprar tebeos, les parece un sinsentido. Haya o no donde comprarlos.
Vean que me tomo aquí más libertades de la cuenta, pues no es que conozca yo realmente a Pablo. Si hablo con cercanía del artista también llamado Alvy Singer, no es tanto por haber leído sus comentarios en blogs o revistas que se apellidan culturales, sino precisamente por Padres ausentes. Porque me ha parecido a ratos que el libro me hablaba en voz alta, de cosas ajenas y, sin embargo, parecidas a las mías, del amor adolescente por los tebeos de superhéroes y del afán coleccionista y el interés enciclopédico y el gusto selectivo en materia de historieta. Es el libro un autorretrato sentimental y también un comentario breve, apenas un apunte, sobre la imaginería propia de un lector de tebeos, pero un apunte consistente, ameno e incisivo que conecta los deseos íntimos del aficionado con la cosmogonía del Millar de 1985 y tiene, entre otras muchas cosas, La fortaleza de la soledad, de Jonatham Lethem, y Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay, de Michael Chabon, como telón de fondo.
Está chulo. Seguro que les gusta.

Javier Fernández

CLUB DE LECTURA DE COMICS

2011-02-24T13:50:00.002+01:00

Os hacemos partícipes de una gran noticia!!!, Crash Comics en colaboración con la biblioteca Central de Córdoba vamos a iniciar un Club de lectura de tebeos. Os adjunto la info, así como un enlace con la página de la biblioteca donde podreis encontrar más información. Para apuntaros al Club podeis pasaros por Crash Comics o por la Biblioteca Central, rellenar el formulario de inscripción y entregarlo en la biblioteca.

Lectura de COMIC: para adultos de todas las edades
1ª reunión: viernes 4 de marzo a las 18:00 h.
Es necesaria la incripción previa para participar

¿Cómo participar en el club de lectura de Cómic?
Pueden formar parte de él todas aquellas personas que tengan ganas de leer y compartir sus lecturas con antiguos o nuevos amigos.
¿Qué requisitos son necesarios para participar?
Estar en posesión de la Tarjeta de lector de la Red de Lectura Pública de Andalucía. (puedes obtenerla en la Red Municipal de Bibliotecas de Córdoba o en cualquier otra biblioteca de la Red de Lectura Pública de Andalucía) y ser mayor de 14 años.
Si estás interesado en participar en este club de lectura de Cómic puedes hacerlo, ahora es el momento.
Debes rellenar el formulario de inscripción que se encuentra en cualquiera de las bibliotecas de la Red Municipal, en la Casa de la Juventud, la Fundación Kaufman y en las librerías: Luque, Títere y Ala Delta. Y entregarlo en cualquier biblioteca de la red Municipal de Bibliotecas: Biblioteca Central, Biblioteca Alcolea, Biblioteca Arrabal del Sur, Biblioteca Corredera, Biblioteca Levante, Biblioteca Moreras, Biblioteca Norte y Poniente Sur.
No pierdas esta oportunidad
¡¡ PLAZAS LIMITADAS !!

REQUIEM POR LOS QUE VAN A MORIR

2011-02-22T19:10:00.005+01:00

Título: JLA nº1: Réquiem por la justicia (Justice League Cry for Justice # 1-7 USA)

Autor: (guión) James Robinson, (dibujo) Mauro Cascioli y otros

Formato: Libro rústica, 224 págs., color.

Pvp: 20€

Desde CRISIS DE IDENTIDAD no leía una historia con los superhéroes de DC que conmoviera de verdad por su calado dramático. Joss Whedon escribió en la introducción al tomo recopilatorio de aquella que le reveló a Ralph y Sue Dibny (Hombre Elástico y esposa) como sus personajes favoritos en los cómics de DC, por su desarmante humanidad.
Los grandes eventos posteriores a la CRISIS INFINITA de hace algunos años, CRISIS FINAL y LA NOCHE MAS OSCURA han brillado más por la frescura que Grant Morrison imprimió a la primera y por la épica que Geoff Johns importó desde las series de GREEN LANTERN a la segunda. Y todo ello en aventuras de esas más grandes que la vida plagadas paradójicamente de muertes y retornos efectistas.
Pero entonces llegaron dos recientes tomos de la JLA, escritos por James Robinson: REQUIEM POR LA JUSTICIA (que recogía la miniserie CRY FOR JUSTICE) y LA CAIDA DE GREEN ARROW. Ambos describen la formación de una Liga de la Justicia paralela a la clásica, a cargo de unos frustrados Hal Jordan y Oliver Queen, hartos de las recientes desgracias de las penúltimas crisis, que va a tomar una postura más radical y proactiva de lo habitual en el grupo de la trinidad heroica. Y vaya si lo harán a su pesar, porque una matanza enorme les caerá encima por culpa del sanguinario villano remasterizado de turno, tocando muy de cerca a algunos de ellos, lo que les hará cruzar más líneas morales incluso de las que tenían previstas y afrontar un mayor dolor de desproporcionas consecuencias.
Y es en LA CAIDA DE GREEN ARROW donde se describen esas consecuencias que hundirán a dos de esos héroes y romperá en pedazos (de nuevo) la cohesión de una LIGA DE LA JUSTICIA en horas bajas.
Lo mejor de este tomo, que agrupa diversas miniseries originales, es que se toma su espacio y su tiempo para narrar una coherente bajada a los infiernos de uno de sus protagonistas, y el daño vital que eso le causa a él y a sus amigos. Es meritorio que resulte interesante y entretenido en un género plagado de tragedias cada dos por tres, y que veamos (como ocurrió en CRISIS DE IDENTIDAD) como la espiral de dolor maltrata a unos personajes imperfectos y humanos. Fuera del universo DC, el equivalente más cercano en el tiempo que se me ocurre es DAREDEVIL, donde primero Brian Michael Bendis y luego Ed Brubaker, acompañados por un buen grupo de dibujantes, han narrado el particular vía crucis de Matt Murdock con un punto fuerte en la definición de personajes, incrementando positivamente el interés del lector adulto. Porque sin duda, dado su carácter violento, pausado y visiblemente alejado de los parámetros más manidos de la aventura de héroes clásica, son historias orientadas a un público adulto o al menos conocedor de los personajes sobre los que lee.
Volviendo a la JLA , resulta simpático como detalle el hecho de que estando el grupo en desbandada general y desmoralizado, sean los suplentes y sus últimas poco populares incorporaciones los que mantengan la sociedad heroica activa jugando en primera división.
Para sujetos como Mikaal Tomas o Congorila significa algo así como ese momento de LA NOCHE MÁS OSCURA donde Mera (la viuda de Aquaman, otro personaje poco relevante hasta entonces) y Átomo (Ray Palmer,de vuelta de su peor momento) se preguntan desconcertados en plena amenaza global:"¿Qué hacemos? ¿Como avisamos a Superman y Wonder Woman?", y Flash les responde: "Ahora mismo, vosotros sois Superman y Wonder Woman"...y a coger el toro por los cuernos.

J.A. Santiago

LA DIMENSIÓN DESCONOCIDA

2011-02-15T13:37:00.002+01:00

Título: SUPERMÁN Y WONDER WOMAN (En homenaje a Gene Colan)
Autor: STEVE GERBER (guión), GENE COLAN (dibujos), entre otros
Editorial: PLANETA
Páginas: 464
PVP: 40 €

Hoy les recomiendo, directamente y sin más trámite, la lectura de la magnífica miniserie The Phantom Zone incluida en ese voluminoso tomo de homenaje a Gene Colan que ha editado recientemente Planeta. Eso sí, debo advertirles que la historieta en cuestión ocupa poco más de cien páginas, que el total del libro son cuatrocientas sesenta y tantas, y que el asunto tiene un precio en consecuencia. De los episodios de Wonder Woman que suponen las tres cuartas partes del tocho tendrán que buscar opinión en otro sitio, personalmente los considero relleno. Y es que, aún con la excusa del arte común de Gene Colan, se han incluido aquí dos arcos argumentales de comienzos de la década de 1980 que se parecen entre sí como un huevo a una castaña. La castaña, espero que les haya quedado claro, es lo de la princesa amazona.
Centrándonos en lo que importa, lamento que puestos a recuperar del olvido The Phantom Zone, no se le haya dedicado la atención que se merece; por lo pronto, la portada. La miniserie ambientada en la dimensión carcelaria descubierta en Krypton por el padre de Supermán, amplía los límites del universo DC sumando conceptos excitantes, explorando premisas inéditas y trayendo tempranamente al tebeo algo del realismo ganado con las adaptaciones fílmicas, en especial con el metraje rodado por Richard Donner. Es un tebeo delicioso, épico y pausado, bien dibujado y mejor escrito por el nunca suficientemente ponderado Steve Gerber, quien firma aquí una de esas numerosas joyas que jalonan su bibliografía. Qué quieren que les diga, sienta fenomenal leer argumentos tan excitantes, preñados de personajes creíbles, conceptos sugestivos y diálogos inteligentes. Lo que, en suma, viene siendo leer a Gerber –de quien, por desgracia, pero también por fortuna, queda tanto por descubrir en nuestro idioma–. Si encima está interpretado visualmente por Colan, el éxtasis es completo.
Por motivos de ahorro económico, pero sobre todo de consistencia narrativa, uno habría preferido ver esta estupenda miniserie en volumen aparte. Y ya puestos a pedir, pienso que el hipotético tomito hubiese quedado de lo más redondo de haberse incluido el número 97 de DC Comics Presents, una suerte de epílogo de The Phantom Zone escrito también por Gerber. No negaré que el apósito que propongo, dibujado por un Rick Veitch al que no sientan nada bien las tintas de Bob Smith, posee un aspecto bastante inferior a la miniserie, y admito también que el tono narrativo de ambas cosas es heterogéneo, pero no por ello deja de ser complementario. La suma ayuda a entender la intención de Gerber de darle a Supermán una dimensión trágica y a explicar la esencia de su heroísmo, que nada tiene que ver con volar o levantar coches a pulso.
Y bueno, finalmente y por si acaso, aprovecho para recordar a los editores que sus otras aportaciones al personaje, la divertida miniserie A.Bizarro y el binomio Last Son of Earth, Last Stand on Krypton –estos dos pertenecientes a los elseworlds–, siguen por ahí, en el limbo de lo pendiente de traducir.

Javier Fernández

RETABLOS DE TERNURA Y DEGOLLINA

2011-02-07T11:26:00.004+01:00

Título: FRANK (volumen 1)
Autor: JIM WOODRING
Editorial: FULGENCIO PIMENTEL
Páginas: 180
PVP: 30 €

Leyendo Frank he experimentado la fascinación que sentí al leer mi primer libro. Hace de aquello muchos años, casi treinta, y yo era entonces un niño de EGB que comenzaba a comprender las palabras. En aquella ocasión se trató de El fin de la eternidad, la novela de amor y viajes en el tiempo de Isaac Asimov, ya ven que no fue precisamente alta literatura. Ni falta que hace, el recuerdo que guarda uno de las primeras cosas, ya se sabe, es imborrable, como lo será siempre para mí aquella experiencia, mi gozosa entrada al mundo de la fantasía escrita. Recuerdo el deleite, la excitación estética, pero sobre todo intelectual, de mi mente en formación, la sensación de tener frente a mis ojos un territorio infinito, más grande que el mundo y de la misma naturaleza, expansible, que el universo. Sentir esto mismo, tres décadas, cientos de libros y miles de lecturas más tarde, no es algo frecuente, y sí mérito exclusivo del arte portentoso e imaginativo de Jim Woodring (Los Angeles, 1952).
Dice Francis Ford Coppola en la introducción incluida en este primer volumen de la serie, editado con mimo por Fulgencio Pimentel: “Frank es una creación tan extraña que no sé ni por dónde empezar a describirla. (…) Frank sólo es en sus propios y singulares términos. No conoce tiempo, ni espacio, ni lenguaje. Lo que no le impide brindarnos sus vívidos retablos de ternura y degollina, sacrificio y crueldad, amor y deslealtad, retablos que llegan a nosotros cuidadosamente envueltos, cual si fueran chucherías de otro mundo”. Como el gato Krazy, el perro Snoopy o el pato Howard, buena parte de las criaturas que pueblan Frank pertenecen al subgénero de lo antropomórfico, aunque no todas. Manhog, Whim, Lucky o el propio Frank tienen manos y piernas, y cabeza con ojos y boca, pero no así las Jivas o La Cart Blanche, parte esqueleto, parte tabla con ruedas. Y sí, ciertamente es extraña, surreal y maravillosa, la creación de Woodring, de modo que, antes que andar balbuceando, prefiero citar al propio autor y dejar que ustedes mismos se hagan una idea. Según el Dramatis Personae del libro, las Jivas son “almas condicionadas”; el Whim, “otra mala idea que encontró su forma peripatética y cobró vida como tal”; Manhog, “una vejiga atiborrada de pecado que se arrastra sobre las cuatro extremidades”, y a la que “nada le gustaría más que alejarse de todo y de todos para siempre”; en tanto que Frank –y ahora cito las palabras del epílogo– “no es un gato, ni un ratón, ni un castor, ni cualquier otra clase de criatura, sino un antropomorfo genérico (que no le debe) nada a nadie ni (ha) de satisfacer expectativa alguna”.
Encuentro que la publicación en el mercado hispanohablante de Frank es eso que hoy en día se califica demasiado alegremente de acontecimiento, esto es, un suceso que reviste importancia. El libro trae al lector en lengua castellana una obra extraordinaria, poética y de enorme fuerza visual. Una rara y singular joya, de esas que enriquecen y elevan el medio de la historieta. Les recomiendo que no se la pierdan.

Javier Fernández

UNA (TRAS OTRA) DE ZOMBIS

2011-02-03T10:53:00.004+01:00

Título: LOS MUERTOS VIVIENTES
Autores: ROBERT KIRKMAN (guión) y CHARLIE ADLARD (dibujos)
Editorial: PLANETA DeAGOSTINI
Páginas: 136
PVP: 7,5 €

Entro en Crash –la tienda, no la página– y me encuentro con un amigo que hace dos años que no veo, los mismos que he pasado en México. Es editor, como casi todo el mundo en estos tiempos, y rápidamente me muestra la novela de zombis que acaba de publicar. “Échale un ojo, es un libro magnífico”, me dice, y uno, que sabe descifrar los códigos del oficio, entiende lo siguiente: “Cómpratelo, se está vendiendo como rosquillas”. Ya pronto, al ritmo que van las cosas, buscaremos la descripción de un libro y nos toparemos más o menos con lo que sigue: “Género: Dos millones de ejemplares. Tema: Trescientas cincuenta mil copias sólo en España. Valoración personal: Veinte mil libros vendidos en una semana”. (Me acuerdo ahora de otro colega que me dijo una vez que estaba hasta las narices de las cuartas de cubierta de los libros, las contraportadas, hablando en cristiano. Y es que ahí atrás siempre te dicen que el libro es buenísimo, imprescindible, súper original, el mejor de todos los tiempos, una joya, un descaro, lo inaudito, la repanocha…, aunque se trate de la última edición del listín telefónico. Que no digo yo que sea una cosa mejor ni peor que la otra, las alabanzas hueras o las cifras de ventas, pero claro, hay que vender, ¿no? Sólo faltaría darle la vuelta al libro y ver impreso: “Una obra mediocre de un autor sobrevalorado, ideal para un lector como usted”.)
En fin, que, de un tiempo a esta parte, los zombis están por todos lados. Y eso está muy bien, no me malinterpreten. A mí me encantan las pelis del Romero y los Tales of the Zombie de Gerber y Marcos, y en su momento incluso edité –ya les dije que hoy día todo el mundo edita– la vendidísima “Zombi. Guía de supervivencia” de Max Brooks, un libro “buenísimo, imprescindible, etcétera”. Si será verdad que hay zombis hasta en la sopa que me ha dado por teclear la palabra “Zombie” en mycomicshop.com y me han salido 175 productos a la venta, lo que vale para algún que otro libro, pero sobre todo para series de cómics gringas y sus respectivas recopilaciones en tomo. Lo que se dice una morterada. Y si se habrá puesto de moda la cosa que de los 175 títulos, 135 tienen fecha de edición de 2005 en adelante. Así que me he dicho, bueno, pues vamos a hablar de una serie de zombis, de Los muertos vivientes, por ejemplo, que acaban de estrenarla en televisión y ha batido récords de audiencia en La Sexta.
De modo que ahí voy. Los muertos vivientes va de zombis. La cosa la escribe Robert Kirkman, el que escribió luego la parodia Marvel Zombies, otra de zombis, esta vez con superpoderes. La empezó dibujando Tony Moore y hace un buen que la dibuja Charlie Adlard. Se imprime en blanco y negro en papel satinado. Cada tomo español trae seis tebeos estadounidenses. Van doce, tomos. Yo me compré el primero, me pareció chulo y me compré cinco más. En algún momento empezó a parecerme más de lo mismo, me cansé y dejé de comprarla. Y hasta ahora.

Javier Fernández

EL DEBUT REVISITADO

2011-02-02T18:07:00.003+01:00

Título: JUEGO DE MANOS
Autores: JASON LUTES
Editorial: LA CÚPULA
Páginas: 160
PVP: 19 €

Aprovechando el anuncio por parte de Ediciones La Cúpula de la segunda edición, ahora en cartoné, de Juego de manos (Jar of Fools, 1994), he vuelto a leerme la novela gráfica de Jason Lutes (Nueva Jersey, 1967) para actualizar y compartirles mis sensaciones. El juicio resumido sería: me gustó la primera vez, me ha gustado aún más esta segunda. ¿Por qué? Porque la propuesta de Lutes, melancólica y atmosférica, se beneficia sin duda del tempo lento de una relectura pausada, del apaciguamiento que se sigue de conocer el devenir completo del argumento, esto es, de abandonarse al camino antes que a la meta.
Dos son las cosas que encuentro primeramente relevantes en Juego de manos, de una parte la rica y detallada composición de personajes, ese singular grupo de perdedores, los tontos del polisémico título original, atados a pesadas bolas sentimentales y empeñados en no deshacerse de sus ataduras. No es casualidad que los motivos principales usados aquí por Lutes remitan al truco, al timo, al mecanismo del engaño, que se vuelve autoengaño durante gran parte de este drama delgado y silencioso. La magia, la ilusión, se ha desprendido en el libro de su público, de toda comunicación, y es una técnica vacía, simple reflejo de las obsesiones de tipos rotos por dentro, emocional o físicamente, como Ernie, el protagonista, y Al, antes Flosso el Magnífico, con quien deambula en el frío y hermoso decorado urbano dibujado por el autor.
Hay en toda la obra una caracterización sofisticada, no sólo de los dos antes citados, sino de todas las figuras principales, así como de las secundarias. Y una cierta simetría en los primeros actores que habla de la evidente preocupación formal de Lutes. Los hombres de Juego de manos son débiles farsantes; las mujeres, invariablemente, masculinas; ellos construyen para sí mismos una realidad falsa en la que viven, ellas conviven, o mejor dicho, habitan en esa falsedad y buscan y necesitan emanciparse. Porque el destino de Esther y la pequeña Claire es la libertad, mientras que lo que Ernie, Al y Nathan persiguen es mayormente la fuerza, la decisión de la que carecen.
Y es que la propia técnica narrativa, los elementos formales, es la segunda cosa relevante, y quizá la más llamativa, de Juego de manos. Se ha calificado de formalista a Lutes hasta la saciedad, y se hace evidente al lector de esta novela gráfica primeriza que el de Nueva Jersey comienza viaje repleto de recursos técnicos. Lutes no es exactamente un virtuoso del dibujo, ni falta que le hace. Es un virtuoso del lenguaje de la historieta y, emulando el estilo del mejor cómic francobelga, ejecuta aquí una planificación ordenada y precisa, de elegantes transiciones y amplia variedad de planos, que impone su ritmo ágil y constante.
Emocionante, deliciosa, refinada, lejos de las supuestas carencias de todo primer trabajo, Juego de manos permanece como un debut singular y sorprendente que no sólo se lee con agrado, sino que se relee con deleite.

Javier Fernández

EL BUEN (COSMO) DICTADOR

2011-01-31T11:46:00.004+01:00

Título: MARVEL GOLD. LOS VENGADORES. LA SAGA DE KORVAC
Autores: SHOOTER, PÉREZ, BUSCEMA, WENZEL, ETC.
Editorial: PANINI
Páginas: 236
PVP: 21,95 €

A comienzos de 1978, el hasta entonces guionista y editor asociado Jim Shooter es ascendido a la categoría de editor de Marvel Comics Group, lo que lo coloca el primero en el escalafón editorial de la exitosa compañía fundada con el nombre de Timely por Martin Goodman en 1939. Desde su bautizo como Marvel a comienzos de la década de 1960, y merced a la creación de personajes como Spiderman o Hulk y la recuperación de iconos como el Capitán América, la empresa ha experimentado un espectacular desarrollo que la ha llevado a la cabeza del sector, y luego de unos años de relativo desorden interno, debe ahora crear la estructura que le permita capitalizar las elevadas ventas y asumir una posición de liderazgo. Para este fin, el nuevo editor crea para sí mismo la denominación de editor en jefe y, desde ahí, dicta un organigrama de editores y editores asociados que asumirán la gestión de la totalidad de las publicaciones de la casa, siempre bajo la férrea supervisión y absoluto control del propio editor en jefe, esto es, de sí mismo.
Entretanto, y precisamente con fecha de portada de enero de 1978, Shooter inicia la escritura de La saga de Korvac, en las páginas de The Avengers. Korvac, un villano de medio pelo creado por Steve Gerber y Jim Starlin en el número 3 de Giant-Size Defenders (1975), ha sufrido una espectacular transformación que nos lo presenta convertido aquí en una especie de ser todopoderoso. Por cosas de la omnipotencia, Korvac ha abrazado la filantropía, pero, debido a una serie de rocambolescos y ridículos motivos argumentales que no merece la pena reseñar, acaba enfrentándose a vida o muerte con los Vengadores. “Soy un dios”, clama Korvac en la última escena del número 176 de The Avengers, “Y también iba a ser… ¡Vuestro salvador! Porque en el cosmos hay mucha crueldad e injusticia. Y yo estaba en una situación privilegiada para cambiar eso, para someter toda la existencia a mi justo y benévolo mandato”.
He aquí el tema propio de un megalómano: el del benefactor que es combatido y maltratado por sus inferiores, carentes de la sabiduría y la visión del poderoso. El buen dictador que renuncia a sus deseos –encarnados en este trágico folletín por la abnegada y amorosa Carina– y se inmola en pos de la imposible utopía. Así es que, después de una larga, épica y dolorosa batalla en la que Los Vengadores ejecutan sumarísimamente a Korvac, la única superheroína que queda finalmente en pie junto a Thor, Moondragon, confiesa: “Ahora siento la mayor agonía que jamás he sentido… porque he visto cómo unos niños mataban primero el sueño… ¡Y luego la esperanza!” –en donde los niños son los superhéroes que yacen maltrechos por el suelo y sueño y esperanza, con sus puntos suspensivos y su admiración, son vaya usted a saber qué.
Y es que los jefes, los editores en jefe, también lloran.

Javier Fernández

LAS PENAS CON PAN...

2011-01-25T13:23:00.004+01:00

Metidos ya en plena cuesta de enero, y sin mediar más prolegómenos, aquí les traigo unas cuantas recomendaciones para ayudarles a pasar el trago.
De 001 Ediciones y con el extraño título de Los jóvenes según Schulz, el volumen de 296 páginas recién editado presenta la traducción a nuestro idioma de Young Pillars, la serie de gags de una sola viñeta que el célebre creador de Snoopy realizó entre 1956 y 1965 para la revista Youth de la Church of God. Personalmente considero la publicación una especie de acontecimiento aún tratándose de una obra explícitamente moralista como esta –o quizá por ello–, pues siempre hay que celebrar que se amplíe la bibliografía de este genio no demasiado entendido en el ámbito hispano. También para el que quiera adentrarse en la vida y figura del de Minneapolis, recuerdo que hace poco más de un año que llegó a las librerías el magnífico tomo Schulz, Carlitos y Snoopy. Una biografía, de David Michaelis, un estudio del que trataré de darles cumplida cuenta en otra ocasión. Lo primero cuesta 19 €, lo segundo 26.
De Norma Editorial me gustaría dar aviso de dos volúmenes, uno que es novedad y otro que es reedición. La novedad es el tercer y último tomo de Inside Moebius, el extravagante y dislocado experimento de la fusión entre Jean Giraud y Moebius. Conste que lo traigo a colación con reservas, dudando aún del resultado de la obra, pero contento tanto de que haya terminado la serie –lo que permitirá sin duda la edición de trabajos más esperados y afortunados que estos– como de que el viejo Giraud se haya decidido a soltar lastre antes de seguir camino. El otro volumen, la reedición, lo firma también un viejo rockero, Jacques Tardi, y es el segundo de los tres libros recopilatorios de Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec, esa heroína steampunk que tantas y tan buenas páginas ha protagonizado a lo largo de los años y que recientemente saltó incluso a la gran pantalla. Tardi es una de esas debilidades que todos tenemos, o al menos es mi caso. En dos palabras: canela fina. 29 y 24 € respectivamente.
Y puestos ahora a recomendar manga, si les digo que se compren el tomo 9 de la Ultimate Edition de Dr. Slump pensarán que soy un poco amarrategui, y vale, bueno, de acuerdo. Ya sé que si tienen los ocho primeros lo comprarán igual; si no los tienen, háganme caso, cómprense este y luego vayan corriendo a por los anteriores, que la cosa merece la pena. Es Akira Toriyama en estado puro, y eso son muchos quilates. Edita Planeta DeAgostini a sólo 9,95 €. Y si además les recomiendo Kitaro. Volumen 1, de Shigeru Mizuki, ya no les quedará duda de que apuesto sobre seguro. Sí, han oído bien, por fin podemos leer a Mizuki en castellano, gracias a Dios. O mejor dicho a Astiberri, a la que deberíamos poner un altar todos los aficionados al tebeo. Les diría dos o tres cosas sobre Mizuki, y se las diré, qué duda cabe, pero en otro artículo, que este va llegando a su fin. 18 € es el precio de Kitaro, y los merece, vaya si los merece.

Javier Fernández

TRES EN UNO

2011-01-17T13:13:00.006+01:00

La coincidencia del artículo número cien de la sección con la reciente entrada de año y la próxima llegada de los Reyes Magos me ha tenido los últimos días dándole al coco, tratando de decidirme por uno de los tres temas anteriores para el presente artículo. Finalmente, y puesto que no he logrado decantarme por ninguno, les dejo a continuación un párrafo sobre cada cosa.
Por aquello del centenario, y para darle un tono sentimental al asunto, quisiera dedicar antes que nada unas líneas a reseñar la primera serie de tebeos que coleccioné en mi vida, la primera que me arrastró periódicamente al quiosco, la primera que, con el simple vistazo de su logotipo en el montón del prensa-y-revistas, me provocó –digámoslo sin pudor– mariposas en el estómago. (Claro está que para entonces había yo ya devorado toneladas de dumbos, ddts, mortadelos semanales y no pocos tintines, por citarles lo más granado de mis primeras lecturas infantiles.) Era el año 1979, tenía yo ¿siete, ocho años?, la colección en cuestión se llamaba Spirou Ardilla y el cuatro fue el primer número que tuve entre las manos. Allí aprendí que existían luminarias como Franquin y Jijé, pero también supe de Tillieux, Walthéry, Cauvin, Peyo, Deliége, Roba, Will, Delporte, Leloup, Jidéhem o Gos, por citarles sólo a unos cuantos nombres del torrencial aluvión de talento de aquellas páginas.
En segundo lugar, y pasando a lo del Año Nuevo –desde aquí mi más sincero deseo de prosperidad y felicidad a todos ustedes–, o más bien a lo del año antiguo, se me ha ocurrido que tendría su aquel incluir aquí una lista de los tebeos que más me han gustado en 2010. Vamos allá: The Box Man, de Imiri Sakabashira; La familia Burrón, de Gabriel Vargas; la compilación Art Out of Time, de Dan Nadel; El arte de volar, de Altarriba y Kim; Two-Fisted Tales, de Harvey Kurtzman y compañía; Apollo’s Song, de Osamu Tezuka; Gentleman Jim, de Raymond Briggs; Omega. The Unknown, de Steve Gerber y Jim Mooney; Vacaciones en Budapest, de Chaland; La extraña historia de la isla Panorama, de Suehiro Maruo. He ido apuntando los títulos anteriores de forma automática, si lo pienso un poco más me vienen también a la cabeza el Asterios Polyp, de Mazzucchelli, el Scott Pilgrim, de Brian Lee O’Maley, los Essential de Man-Thing y The Defenders, Los agachados, de Rius, y ¿cómo se llamaba la recopilación aquella de Hornschemeier? ¿All and Sundry?
Por último, tal como les dije al principio, terminaré dedicando unas líneas al asunto de los Reyes Magos. No uno ni dos, treinta y tres son los tebeos que he pedido este año en mi carta a los susodichos, los mismos que en su día compusieron la colección original del pato Howard. O mejor dicho treinta y cinco, porque he pedido también el Annual y el Marvel Treasury Edition protagonizados por el personaje. ¿Habrá suerte? ¿Aparecerán bajo el árbol junto a los zapatos? Ya les contaré.

Javier Fernández

UN REGALO PARA EL LECTOR

2011-01-14T10:46:00.004+01:00

Título: LOS NIÑOS KIN-DER
Autores: LYONEL FEININGER
Editorial: I LIBRI IMPRESSI
Páginas: 40
PVP: 22 €

Del mismo modo que a un parto le precede la gestación y a esta el encuentro sexual y antes el cortejo, la historia de Los niños Kin-der comienza en 1905. Es en esa fecha cuando el Chicago Tribune, en su empeño por competir con el Chicago American de W. R. Hearst, envía a su agente James Keeley a Alemania a reclutar dibujantes para la sección de historietas del periódico. Y es que, tal como señala Bill Blackbeard en The Smithsonian Collection of Newspaper Comics: “El Chicago de ese tiempo, y los alrededores de la metrópoli, poseían una extensa población alemana, un grupo generalmente culto y con una fuerte conciencia de la literatura y las artes en boga en su país de nacimiento, lo que incluía una orgullosa y amplia consideración de los dibujantes de revistas de humor alemanas como los mejores del mundo”.
Más allá de los motivos comerciales, Keeley demuestra un gusto exquisito al contratar en Alemania ilustradores de la talla de Lothar Meggendorfer, Karl Pomerhanz y el padre de nuestras criaturas, el incipiente Lyonel Feininger (Nueva York, 1871-ídem, 1956), un estadounidense, hijo de emigrados alemanes, que se ha trasladado a Europa para abrirse paso como pintor. Años más tarde, Feininger formará parte del célebre grupo Der Blaue Reiter, liderado por Kandinsky y Marc, y después se le vinculará con la Bauhaus, pero de momento destaca como caricaturista en periódicos alemanes y franceses y recibe con entusiasmo la oferta.
Para el Chicago Sunday Tribune, el artista alumbrará primero Los niños Kin-der (The Kin-der-Kids, 29 páginas dominicales, del 6 de mayo al 18 de noviembre de 1906) y luego El mundo de Wee Willie Winkie (Wee Willie Winkie’s World, 20 dominicales, del 19 de agosto de 1906 al 20 de enero de 1907), dos breves cabeceras que le bastan para situarse a la altura de los más grandes historietistas de todos los tiempos. Su trabajo, pionero cronológica y formalmente, permanece como un impactante ejemplo de los límites y posibilidades gráficas del medio. Un hito fascinante, apuntalado en el sentido pictórico de sus páginas, dibujadas con líneas angulosas, preñadas de volumen y caracterizadas por un cromatismo expresionista, protagonista principal del asunto. En su enciclopedia 100 Years of American Newspaper Comics, Maurice Horn nos recuerda que el estilo gráfico de Feininger “servía menos al propósito de la historia que a la lógica de la composición”, y tal vez sea esta misma indiferencia a los aspectos narrativos del medio la que ha acabado confiriendo a este raro entre raros su carácter imperecedero.
La presente edición de Caldas, estupenda e imprescindible donde las haya, única traducción al castellano de The Kin-der-Kids, es una gozada de principio a fin. En palabras del prologuista Rubén Varillas, a las que me sumo, el libro es “un regalo para el lector actual y el tributo necesario a un autor de vanguardia”.

Javier Fernández

NOTICIAS DESDE LA CUMBRE (y 2)

2011-01-11T20:35:00.006+01:00

Título: Y. CHALAND OBRA COMPLETA, 2
Autores: YVES CHALAND y YANN LEPENNETIER
Editorial: GLÉNAT
Páginas: 136
PVP: 25 €

Porque Chaland, lo dice la sección biográfica de su página web, gozó de una infancia tranquila en provincias, aunque otros biógrafos menos complacientes hablan de pobreza y malos tratos. Sea como fuere, Freddy Lombard comparte la sensibilidad de su creador hacia las dificultades económicas del mundo real. Y en esto, la BD de Chaland se sitúa a un lado del abierto y simple esteticismo habitual del resto de los componentes de la línea Atom, subgrupo de la línea clara con el que se le asocia.
No es casual que la primera aventura de Lombard, El testamento de Godofrío de Bouillon (Le testament de Godefroid de Bouillon, 1981) comience con el trío protagonista abandonando, en medio de la carretera, un viejo –y barato– coche de alquiler averiado que, para más inri, ya estaba casi sin gasolina. Ni que más tarde, y después de una caminata bajo la lluvia, la excusa que lleva a los tres ganapanes a la aventura sea la cuenta del asado que han consumido en el hotel restaurante situado a la entrada de Bouillon. O, mejor dicho, el hecho de no tener dinero para pagarla. “Facturas, siempre facturas”, gruñe Freddy al inicio de la segunda historieta de las dos que integran El cementerio de los elefantes (Le cimètiere des éléphants, 1984) y la precariedad acompaña a los personajes en El cometa de Cartago (Le comète de Carthage, 1986), tercer álbum de la serie, y primero que cuenta con la colaboración al guión del magnífico Yann Lepennetier. Lepennetier figura también en los créditos de Vacaciones en Budapest (Vacances à Budapest, 1988) y F.52 (1989), tramo final de la aventuras de Freddy Lombard, detenidas en seco por el mortal accidente automovilístico que acabó con la vida del dibujante en julio de 1990.
Estos tres álbumes escritos al alimón con Lepennetier quedan como uno de los hitos fundamentales de la BD contemporánea. En ellos, Chaland alcanza la cumbre de su arte y del propio arte de la historieta, esa cota reservada a un puñado de nombres propios. Si El cometa de Cartago es un hermosísimo, inesperado y emocionante canto lírico, Vacaciones en Budapest reinterpreta la historieta francobelga en clave política. En palabras de Chaland, incluidas en la edición de Glénat: “Cuando comencé a trabajar en Vacaciones en Budapest, partía del hecho de que los cómics de los años cincuenta, tipo Spirou, Tintín, etc., no habían hecho ninguna alusión al drama de Budapest, al aplastamiento de la insurrección por parte de los tanques soviéticos, aunque Hungría está aquí al lado, a unos 400 km de casa. Se supone que el cómic es un arte que trata asuntos de su época, sin embargo nunca había hablado de aquello”. F.52, por su parte, es un delirante thriller ambientado en el espacio cerrado de un gigantesco avión de propulsión atómica, y con este álbum se cierra involuntariamente el círculo: en el inicio, Freddy, Sweep y Dina, modestos empleados del F.52, tratan de arreglar el cuatro latas en el que se dirigen al multitudinario despegue. Se les ha pinchado una rueda. No tienen rueda de repuesto. No podía ser de otro modo.

Javier Fernández

NOTICIAS DESDE LA CUMBRE

2010-12-20T13:27:00.002+01:00

Título: Y. CHALAND OBRA COMPLETA, 1
Autores: YVES CHALAND y YANN LEPENNETIER
Editorial: GLÉNAT
Páginas: 136
PVP: 25 €

Alumbrado en 1981, Freddy Lombard pasa por ser uno de los personajes más interesantes y representativos de la Bande Desinée de la década de los ochenta. Representativo, digo, por la gracia y obra de su creador, el genial Yves Chaland (Lyon 1957-1990), nombre propio y tardío de la segunda hornada de dibujantes de la Klare Lijn, en palabras de Joost Swarte, o línea clara, como se dice en lengua vernácula al estilo gráfico por excelencia de la historieta francobelga. Un estilo que, según el Diccionario del cómic editado por Larousse en 1994, tiene en Hergé a su iniciador y se caracteriza por un dibujo depurado, de trazo lineal continuo, profusa angulosidad y rechazo de toda sombra o volumen “susceptible de alterar la legibilidad del conjunto”, pero que, como todo buen lector de cómic sabe, y ya dejó claro y por escrito Eduardo García Sánchez (véase U, núm. 21, septiembre de 2000), consiste sencillamente en recrear una fuente de inspiración común: Jacobs, Hergé, Franquin, Jijé…, esto es, la historieta francobelga de posguerra y, por extensión, la literatura francesa infantil y juvenil desde finales del siglo XIX hasta la segunda guerra mundial, de la que aquella toma motivos y argumentos.
E interesante, les decía, porque Chaland lo es, lo fue siempre. Comenzando, por ejemplo, con aquellos rudimentarios y desatinados, pero eclécticos y voluntariosos trabajos para Métal Hurlant recopilados más tarde en Captivant (1979); continuando con su impagable visión satírica de la Francia en ruinas o, mejor dicho, de los franceses que emergen de las ruinas del conflicto bélico en Albertito (Le jeune Albert, recopilado en álbum en 1993); y terminando, ay, con su malogrado Spirou (Coeurs d’acier, 1982). Y es que no puedo imaginar un enlace más importante en el cómic europeo que este: Spirou-Chaland, Chaland-Spirou, llamado a configurar una nueva era, un nuevo estándar, similar y distinto al que involuntariamente propiciase Jijé en 1946 al poner el destino del botones por antonomasia y su ardilla en manos de un imberbe André Franquin. ¿Creen que exagero? Ah, pero por fortuna nos queda Freddy Lombard. Quizá no para el gran público –y esta habría sido la ventaja de Spirou–, pero sí para todo el que quiera darse por enterado.
Porque Freddy, Lombard como la editorial de Le Journal de Tintin, el magazine iniciado también, y precisamente, en 1946, es el Spirou posmoderno. Dice García Sánchez en el U que ya les cité: “Freddy, soñador y entusiasta, recuerda al botones belga; Sweep, pragmático y algo bruto, es un trasunto de Fantasio y su peinado imposible; y Dina, como la ardilla Spip, es la voz de la razón”. Un sugestivo trío que vaga por el mundo en busca de aventuras, sí, pero sin un duro en el bolsillo, consciente –hasta donde puede serlo un tebeo juvenil– de que lo primordial es, precisamente, encontrar el pan nuestro de cada día. O, mejor dicho, un trío que vaga por el mundo, y punto. La aventura viene después. Siempre casual, siempre inesperada.

Javier Fernández

SCOTT PILGRIM CONTRA EL MUNDO

2010-12-13T18:50:00.003+01:00

Título: SCOTT PILGRIM (seis volúmenes)
Autores: BRIAN LEE O’MALLEY
Editorial: RANDOM HOUSE MONDADORI
Páginas: 192
PVP: 8,50 €

Me dice un amigo, entendido y enterado, que qué hago leyendo Scott Pilgrim, pero no es verdad que lo esté leyendo: ya lo he leído. Y no diré de una sentada porque son seis tomos y cada uno de ellos ronda las doscientas páginas, menos el último, que es más tocho, y claro está que tiene uno que vivir de vez en cuando, salir, relacionarse, por no hablar –está feo– de las necesidades fisiológicas. Dicho lo cual, ahora sí, confieso que me hubiese gustado hacerlo. Lo de leerlo de un tirón, ya me entienden. ¿Queda claro que me gusta Scott Pilgrim? Sí, me gusta Scott Pilgrim. Mola mucho. Pero mucho, mucho.
En puridad, y según yo –que diría un mexicano–, mola más al principio que al final, o, mejor dicho, el interés va decreciendo ligera y paulatinamente conforme avanza la serie, entendiendo por interés la frescura, lo impredecible, lo oblicuo, que, para mí, tiene que ver menos con la anécdota narrativa que con el retrato generacional, con la melancolía, la infinite sadness del tercer volumen. Y si digo “según yo” es porque a otro puede que le parezca lo contrario. Que lo que realmente le ponga de Scott Pilgrim sean las sucesivas peleas del protagonista con los siete ex novios malvados de su nueva novia, o la ocurrencia de traer al tebeo motivos tomados de los videojuegos y recursos narrativos del manga, que todo esto está muy bien y tiene su punto, qué duda cabe, pero, insisto, me gusta más cuando el enemigo es el mundo, y no un villano hortera y despechado.
Lo bueno es que la serie dura poco y tampoco hay que lamentar ningún descalabro, todo lo contrario, bien mirado, es sorprendente que el conjunto mantenga el buen nivel luego de los seis años que van del primer al último tomo. Máxime si se tiene en cuenta que el tipo que comenzó el asunto, Bryan Lee O’Malley (London, Ontario, 1979) en 2004, y el que lo terminó, Bryan Lee O’Malley (London, Ontario, 1979), son dos artistas bien distintos. El segundo de ellos –para no liarnos, se trata del primero con seis años más– tiene una agilidad narrativa sobresaliente, un evidente dominio de su propio estilo, bastante experiencia en el uso de los medios digitales, precisión en el entintado y no pocas ganas de llegar a la pantalla final. El otro, el primer O’Malley, aun limitado en recursos, ha pulsado la tecla correcta, y eso se nota en el entusiasmo, en el descaro, en el arte de hacer arte de la propia inseguridad, en la poco disimulada voluntad de ajustar cuentas con lo vivido. En esas cosas, en fin, que le sobran a uno cuando empieza y comienzan a escasear poco después.
Me pregunta otro amigo si no creo que Scott Pilgrim es un tebeo para teenagers. Ahí quería yo llegar. Pues claro que sí, para teenagers, como la música de Elvis, los tebeos de la EC o la literatura de Mark Twain. ¿Pero es que todavía quedan adultos? Tranquilo, ya crecerán.

Javier Fernández

KULL Y EL BÁRBARO

2010-11-22T17:47:00.003+01:00

Título: THE SAVAGE SWORD OF KULL, 1
Autor: VV. AA.
Editorial: DARK HORSE
Páginas: 448
PVP: 19,99 $

Aquí me tienen, terminando de empacar las maletas, prácticamente listo para la mudanza transoceánica que me llevará de regreso a España tras cerca de dos años de estancia en México. Feliz y triste, pero más feliz que triste, aunque, eso sí, en chinga, como dicen de este lado. He pasado la última semana entregado a la imposible tarea de meter en la valija todos los libros y tebeos acumulados en este tiempo. Los he calzado en el espacio disponible, por debajo de la delgada línea de un sobrepeso más o menos razonable. O irrazonable, según se mire, porque a ver quién está dispuesto a pagar, digamos, quinientos o seiscientos euros por mover tanto papel. Lo que pasa es que, ya que me voy, vendí el sofá cama, el refrigerador, el armario, el televisor, la base de la cama, el colchón, la cajonera, el cilindro del gas, el mueble de la cocina y un anaquel completo de libros, así que me alcanza. A duras penas, pero me alcanza. ¿No conocen a alguien que necesite una lavadora? Vendo también una mesa con cuatro sillas, muy monas y robustas. Y cachivaches.
Pero no nos desviemos del asunto, o mejor dicho, comencemos con el asunto. Si alguno de ustedes lee más o menos frecuentemente esta página ya sabrá que me gustan los tebeos de Conan –aprovecho desde aquí para saludar afectuosamente al tal Ferchu que se asomó hace un par de semanas por la versión digital de crash comics, sita en la dirección de blogspot que se indica al final de estas líneas, “adicto” (según sus propias palabras) “al cimmerio”–. Lo de gustar, según se mire, es un eufemismo. Veámoslo de otro modo: ¿Quieren saber cuál es la medida exacta de mi afición por Conan? Una maleta de cuatro. Veintitrés kilos de sobrepeso. El doble de lo que llevo de ropa.
Pero no piensen que soy yo uno de esos que se compran todas y cada una de las reediciones que se hacen de las historietas del personaje, no. Ya que tengo tres o cuatro versiones de cada tebeo me conformo. Más me parece exagerado. Y bueno, sucede que cuando a uno le van los tebeos de Conan, generalmente le van también los de Kull, los de Solomon Kane y hasta, según el caso, los de Red Sonja. Ya saben, esas que se dicen adaptaciones de Robert E. Howard. De modo que la aparición del esperadísimo –al menos por mí– primer volumen de The Savage Sword of Kull, recopilación cronológica de las historietas en blanco y negro del monarca de Valusia editadas en su día por Marvel Comics –y que incluye historietas e ilustraciones de los magazines Savage Tales, The Savage Sword of Conan, Kull and the Barbarians, Marvel Preview y Bizarre Adventures– me ha puesto en un brete. Pues no queda ni un rincón libre en la maleta y no me es posible meter ni un solo gramo de más. Pero no se preocupen, algo se me ocurrirá… (Ah, ya sé. ¿En qué maleta metí el tostón aquel de Baudrillard? Yo diría que pesan más o menos lo mismo.)

Javier Fernández

LA VENGANZA DE TEX

2010-11-09T18:46:00.003+01:00

Título: TEX (ESPECIAL JOE KUBERT)
Autores: CLAUDIO NIZZI (guión) y JOE KUBERT (dibujos)
Editorial: PLANETA DEAGOSTINI
Páginas: 240
PVP: 10 €

Acabo de terminar de leer el Tex de Joe Kubert y Claudio Nizzi, ya ven que llevo unos cuantos años de retraso en algunas de mis lecturas. Y sí, he pasado un buen rato con las andanzas del Ranger de Texas. No es que haya vibrado de principio a fin, pero tampoco me he aburrido. Vamos, que la cosa ha estado entretenida.
La mayor parte del mérito, qué duda cabe, la tiene Joe Kubert (Brooklyn, 1926), ese genio de la narrativa gráfica, un maestro de maestros que no necesita presentación. Kubert respira viñetas por los cuatro costados, tiene un don natural para secuenciar argumentos en imágenes y posee mucho, mucho oficio: son casi setenta años en la brecha, que se dice pronto. Claro está que lo suyo no es el vanguardismo, ni la experimentación, ni falta que le hace. Su impronta es la de un firme narrador, pleno de recursos, eficiente como pocos y poseedor de un estilo influyente, personal, bello y gozosamente reconocible. No diré que Tex. El jinete solitario, que es como se llama la historieta que nos ocupa, sea su mejor trabajo porque no lo es. Falta aquí el detallismo de Tor, el dinamismo de Abraham Stone o el vigor de Fax from Sarajevo, pero el trabajo del dibujante es lindo y honesto. Sin duda más lindo y más honesto en las secuencias iniciales que en las postreras, y, con todo, las últimas, de acabado más tosco, presentan un storytelling perfecto, al alcance de unos cuantos elegidos. (Y es que uno se pregunta si Kubert no sería capaz de enganchar al lector incluso si se propusiese ilustrar las instrucciones de una lavadora dibujando con la mano izquierda.)
Por su parte, el guión de Nizzi (Sétif, 1938) parte de una premisa manida aunque efectiva. Cuatro malandrines de esos que pueblan el género del western matan por pura y libidinosa diversión a una angelical familia de colonos, amigos de Tex Willer para más señas, el icónico protagonista de esta archiconocida cabecera italiana creada por Gian Luigi Bonelli y Aurelio Gallepini en 1948. Y en estas que Willer, casualmente de visita, se topa con los cadáveres y promete venganza. En seguida sigue la pista del sanguinario grupo y pronto se enfrenta a ellos, pero es derrotado, golpeado y lanzado por un precipicio hacia una muerte segura de la que, obviamente, escapa. A partir de aquí, y luego de la necesaria (y vertiginosa) reposición física del héroe, Tex se lanza a la busca y captura de los criminales que a estas alturas, y para dotar de estructura episódica al conjunto, han roto filas y separado sus caminos. Desde mi punto de vista, las debilidades de la historia son la bisoñez psicológica de los personajes, la falta de originalidad en la resolución de los conflictos, alguna que otra repetición de esquemas y una cierta simpleza general. Y lo mejor, la eficacia y agilidad argumentales y la truculencia de determinadas escenas, que, por momentos, se alejan de lo convencional.
Si buscan un esparcimiento sencillo, sin más pretensión, Tex. El jinete solitario les alegrará la tarde.

Javier Fernández

ERES UN VICIOSO, COMO TU PADRE

2010-11-05T12:14:00.002+01:00

Si es usted aficionado a los tebeos, ya sabrá que la oferta mensual de títulos en España apabulla al más pintado. Si no, le invito a que se dé un garbeo por el estante de novedades de cualquier librería especializada. ¿No le parecen muchos cómics? Lo son. Y es que no hay bolsillo que aguante el ritmo no digo ya del mes completo, sino de la quincena y hasta –según la semana– de la semana.
Hombre, claro está que no quiere uno comprarlo todo. ¿No es cierto? Yo, por ejemplo, soy de los que se lo piensan mucho antes de decidirme a llevarme algo a casa. Por lo menos cinco o diez minutos. No, no me hagan caso, estoy bromeando. Sí es verdad que traigo de mi infancia la amenaza perpetua de recaer en el coleccionismo, como el que ha dejado de fumar y sabe lo fácil que es volver a quemar cigarrillos. Se podría decir que he madurado, que he dejado atrás los caprichos infantiles, que he aprendido a controlar mis propios impulsos. Pero, para ser honestos, les diré que estoy permanentemente alerta. Y no sólo por evitar la sangría dineraria, no se crean. También tiene su miga la clásica pregunta: “¿Y ahora dónde meto yo todo esto?”. Pregunten si no a mi madre, que tiene media casa a reventar de cajas mías, con especial hincapié en la palabra “cajas”. Apiladas, asépticas, quitadas –en lo posible– de en medio. Porque los libros son cultura y visten cualquier estantería, pero no me imagino yo a las visitas familiares admirando la tebeoteca: “Anda, si tienes la colección completa de Los pitufos”, “Hombre, a ver si me prestas El sulfato atómico, que he leído en el Babelia que está muy bien”. Y eso sin mencionar la instintiva e invariable tendencia materna a ofrecer un tebeo y una caja de ceras o de rotuladores al sobrinito de turno. Que todo hay que explicarlo: “¿Ves esas dos cifras que hay junto al código de barras? Es el precio. Sí, sí, tanto, a ver si te crees que los regalan”.
Estaba yo el otro día –es un decir, una figura retórica, en verdad sucedió hace unos años– en casa de un amigo, casado y con dos niños, y el mayor de ellos, en edad de comulgar, le pidió a su madre dinero para comprarse no-recuerdo-qué-cosa en el puestecillo de la esquina, y allá que ella –desde aquí un beso– le contestó: “Eres un vicioso, como tu padre”. Así, con la boca llena de “vicioso” y de “tu padre”, ya saben. Total, a mi amigo, que yo sepa, no le gusta la droga, ni los bares de carretera, ni jugar a las cartas, ni el bingo, y ni fuma, ni bebe. Eso sí, compra tebeos. Porque dirán ustedes lo que quieran, que el tebeo se llama ahora novela gráfica, y es muy cool y está de moda, y es un producto cultural de primer nivel y lo lee la gente seria, pero eso será en su barrio. En el mío…
Ah, pero qué buenos tiempos aquellos en que iba uno al quiosco y ponía debajo del brazo dos o tres tebeos por semana. O más tarde, cuando se fue teniendo algo más de dinerillo y ya eran cinco o seis. Y luego diez o doce, y algún álbum que otro…
Ya me podían haber dado entonces una hostia bien dada. Vamos, digo yo.

Javier Fernández

HAUNT

2010-11-04T18:42:00.005+01:00

Nombre: THE HAUNT Nº 01
Autores: ROBERT KIRKMAN / GREG CAPULLO
Edición original: The Haunt USA
Fecha de edición: 14/09/2010
Formato: Libro rústica, 144 págs. a color.
Precio: 14,95 €

Confieso que cuando leí la premisa de HAUNT me pareció que podría tratarse de algo demasiado similar a SPAWN y estéticamente semejante al SPIDERMAN dibujado por McFarlane. Pero el tratarse de un nuevo personaje, escrito además por Robert Kirkman, responsable de LOS MUERTOS VIVIENTES y mi grato recuerdo de los primeros números de la entretenida THE DARKNESS escritos por Garth Ennis, con su puntito canalla al protagonizarla un matón mafioso reconvertido en antihéroe sobrenatural (sospechaba que HAUNT podía contar también algo de ese estilo) me decidieron a comprarla, además de observar un dibujo más de mi gusto que el clásico exagerado de McFarlane (quizás ahora algo trasnochado), semejante por fortuna al de series como la mencionada LOS MUERTOS VIVIENTES o INVENCIBLE (fluidos en su narrativa y casi de línea clara, aunque abundante en detalles) más que al de los títulos de TOP COW, sugestivos pero a menudo pobres como soporte de una buena historia.
Y el caso es que HAUNT ha resultado ser una agradable sorpresa, no sólo en su arte gráfico. La historia de estos dos hermanos de mediana edad que se llevan fatal, uno cura, descreído, amargado y con el corazón roto, que se gasta el dinero de su iglesia en una prostituta a la que además confiesa (nada que ver con el Jesse Custer de PREDICADOR, salvo en su aspecto), y el otro superagente secreto de una de esas agencias de inteligencia que sólo existen en los cómics, asesino, marido, buena gente, y ademàs muerto...interesa desde las primeras páginas y atrapa en su lectura hasta el final de los 6 números que componen el tomo, con unos diálogos que se respiran auténticos y situaciones tan disparatadas como creíbles (características que comparte con la serie de zombis de Kirkman), utilizando los lugares comunes del género para eludir tópicos y, en definitiva, construir un buen cómic.

J.A.Santiago

EL ESCAPISTA DEFINITIVO

2010-11-02T13:22:00.004+01:00

Título: STERANKO SUPERSTAR
Autor: ÁNGEL DE LA CALLE
Editorial: DOLMEN
Páginas: 112
PVP: 10,95 €

Frente a la obra de Jim Steranko (Pennsylvania, 1938) sólo caben dos posturas: se ama o se ama. Y es que el norteamericano, hijo de emigrantes ucranianos, es un narrador gráfico portentoso, especialmente dotado para la composición de página, el montaje, el ritmo visual, el acabado y el diseño. Pero, además, Steranko tiene madera de pionero, es un innovador incansable, un raro, un artista singular acostumbrado a rechazar las fórmulas preconcebidas y reinventarse a cada rato, lo que lo convierte también en un tipo inclasificable y elusivo.
Su heterodoxa carrera –llegados a este punto suele citarse que su trayectoria apenas incluye un puñado de tebeos y se extiende hacia campos tan diversos como la edición, la magia en general y el escapismo en particular, el estudio teórico de la historieta y la cultura popular, la ilustración o el storyboard fílmico– no le ha impedido ganarse un lugar prominente en la narrativa gráfica, merced a trabajos seminales como los protagonizados por Nick Furia y el Capitán América a finales de la década de 1960, epítomes de la estética pop aplicada al mundo de los superhéroes, pero también a obras de una inusual madurez como Chandler: Marea roja, ese peculiar y elegante híbrido entre tebeo y novela de género negro, Atmósfera Cero, la pasmosa adaptación gráfica del filme dirigido por Peter Hyams (Outland, 1981), o “The Exile at the Edge of Eternity”, una joyita de diez páginas incluida en el número 400 de Superman (octubre, 1984) que mereció mención destacada en la monumental The Encyclopedia of Science Fiction, de John Clute y Peter Nicholls. Ejemplos todos ellos de la ductilidad y la rebeldía conceptual del que durante muchos años fue considerado dibujante de culto y que, desde 2006, forma parte del selecto elenco incluido en el Will Eisner Comic Book Hall of Fame, una de las máximas distinciones que concede la industria estadounidense de los tebeos a los autores más destacados del medio.
El presente librito de Ángel de la Calle, reedición ampliada de uno de los textos contenidos en Steranko. Arte Noir (Vanguard Productions/Semana Negra, 2002), repasa la figura, la obra y los elementos narrativos más destacables de Steranko, demostrando que, más allá de los obsesivos cambios de registro del de Pennsylvania, existen líneas estructurales y argumentales que se repiten a lo largo y ancho de una producción que comenzó a la sombra de Jack Kirby y pronto evolucionó hacia un eclecticismo consciente y refinado que integra elementos propios del arte pop, el surrealismo, la psicodelia o el cine.
En palabras de De la Calle: “Conocer a Steranko es amarlo, y amar aún más su obra. Más allá de su pose, majestuosa, y de sus maneras tan americanas –y de sus dientes imposibles–, está uno de los más grandes autores de la expresión en viñetas del siglo pasado. Un innovador, un experimentador; alguien para quien los cómics son verdaderamente importantes; tanto como para jugar con su lenguaje y, de paso, hacerlo crecer. Una superestrella, en definitiva”.

Javier Fernandez

DICHO EN POCAS PALABRAS

2010-11-02T13:15:00.002+01:00

Título: EL AMOR DUELE
Autor: KIRIKO NANANAN
Editorial: PONENT MON
Páginas: 210
PVP: 15 €

Si me propusiese caracterizar en tres palabras el estilo de Kiriko Nananan (Tsubame, 1972) diría que es riguroso, elegante y emocional.
Me explico: riguroso –diccionario en mano– valdría en los significados de muy severo, austero, exacto y minucioso; y quizá también en estos otros: áspero, acre, cruel y duro de soportar, pero eso depende del gusto de cada uno y de si ustedes las consideran cualidades peyorativas. Si es así, mejor no las tengan en cuenta.
He escrito “elegante”, y tomo de nuevo el diccionario: dotado de gracia, sencillez, airoso, bien proporcionado y –dicho de una cosa– que revela distinción, refinamiento y buen gusto. Nótese que me he saltado las cualidades de la palabra que se aplican a personas y que he gastado aquí todos los significados, excepto “dotado de nobleza”. Y eso que la cuarta acepción de noble incluye “singular o particular en su especie”, dos características que considero intrínsecas a lo de Nananan, pero entiendo en el sentido general del término “noble” una valoración comparativa del individuo –por indivisible– con los demás de su misma especie. Y hoy, sencillamente, no quiero entrar en comparaciones. Trato de valorar la cosa en ausencia de otras cosas.
¿Qué más? Emocional: que produce emoción. Esto es, que produce una alteración del ánimo intensa y pasajera, agradable o penosa, que va acompañada de cierta conmoción somática. Dos puntualizaciones: primero, pasajera implica “que pasa presto o dura poco”, y lo mucho o lo poco son conceptos relativos. Claro está que no se queda uno intensamente alterado para siempre, ni por un largo periodo de tiempo como si le hubiese ocurrido una desgracia o le hubiese tocado la lotería, pero, vean, me acuerdo de El amor duele y me emociono. Y luego se me pasa. ¿Me explico? Segundo, como “conmoción somática” vale la piel de gallina o el vello erizado. También las lágrimas, pero que conste que no es mi caso. Y, antes de que lo olvide, me falta reseñar el otro significado de emoción: interés expectante con que se participa en algo que está ocurriendo. Pues eso.
Ahora bien, si quisiera ser más conciso, si en lugar de con tres palabras tuviese que definir el trabajo de la japonesa con una sola, esta sería delicado. Fíjense que “delicado” es fino, suave, tierno, pero también sabroso, regalado, gustoso; difícil –y me quedo aquí, ojo, con la acepción de que no se logra o ejecuta sin mucho trabajo, no porque no se entienda con facilidad–; primoroso, exquisito; bien parecido, agraciado; sutil, agudo e ingenioso. En donde ingenioso se relaciona con la intuición, el entendimiento y las facultades poéticas y creadoras. Y si de una sola palabra se trata también me valdría minucioso en lugar de delicado. Porque minucioso equivale a que se detiene en las cosas más pequeñas. Como pequeño es el amor adolescente sobre el que Nananan da vueltas y vueltas, obsesiva, detallada, milimétricamente.
Aunque, bien pensado, preferiría quedarme con las dos, minucioso y delicado. Pero entonces ya no sería una sola palabra y me he propuesto ser conciso.

Javier Fernández

EL CAMERINO DEL ARTISTA

2010-10-26T13:01:00.003+02:00

Título: SENDEROS
Autor: PACO ROCA
Editorial: LAUKATU
Páginas: 272
PVP: 22 €

Para no engañarles les diré que, en general, la obra de Paco Roca me deja un tanto indiferente. No quiero decir con esto que la considere poco valiosa, o que esté yo ciego a las virtudes temáticas, estéticas y narratológicas del dibujante valenciano. Todo lo contrario, la rápida consolidación de su trabajo me parece una gran noticia dentro del panorama del tebeo español actual, y si algo demuestra Senderos. Una retrospectiva de la obra de Paco Roca es la solidez del camino recorrido hasta ahora por el autor de Las calles de arena. Es, sencillamente, una cuestión de gusto: hay a quien le gusta la sopa fría y quien la prefiere caliente. Yo soy de estos últimos.
¿Qué es lo que no me convence –en general, insisto– del trabajo de Roca? Por un lado su tibieza o, dejando ya el símil gastronómico y yendo a cuestiones de composición literaria, su simpleza, que no sencillez. También el que esté lleno de lugares comunes, de referencias manidas, y de una amabilidad en la mirada que me resulta a veces empalagosa. Hay artificiosidad, pero no lo bastante como para significar un estilo. También naturalismo, e ídem de lo mismo.
Ahora bien, si de lo que hablamos es de eficacia narrativa, Paco Roca tiene un don natural muy superior a la media de historietistas. Su modo de contar es limpio, directo, casi perfecto. Utiliza la viñeta con la agilidad de un guionista cinematográfico; y ágil es también el ritmo de todas y cada una de sus historias. Se da además la circunstancia de que su dominio del storytelling no es nuevo, basta ojear el volumen que nos ocupa para caer en la cuenta de que lo trae de fábrica. Aunque, eso sí, se ha ido refinando y haciendo más y más preciso con el tiempo. Dicho de otro modo, Roca es de los que capta la atención de principio a fin. No se trata tanto de un creador de imágenes –en el sentido literario– como de un auténtico relator.
Siguiendo con el haber de Roca, encuentro excelente su manejo de las tintas, más conforme avanza su carrera. Admiro su búsqueda de la peculiaridad estética en el estrecho campo de la línea clara, así como la incansable marcha de su estilo hacia la síntesis. Valoro también su progresivo alejamiento de los clichés, la incorporación de lo emocional y del intimismo a su trabajo y esa firme voluntad de ir contracorriente, de arribar a la propia personalidad, que le ha granjeado el respeto y la admiración de propios y desconocidos, y que anuncia futuras cimas.
El libro editado por Laukatu repasa en profundidad la trayectoria del historietista y se suma a la larga fiesta de celebración del premio nacional obtenido por Arrugas en 2008. Y lo hace con el acierto de una edición de bella factura, repleta de bocetos, historietas e ilustraciones de Roca y trufada de notas divulgativas e impresiones de diversos escritores e historietistas. Todo ello articulado alrededor de una amplia y amena entrevista realizada por Koldo Azpitarte que, amén de innumerables anécdotas, nos desvela la mentalidad y el método del artista.

Javier Fernández

FRUTAS, VIÑETAS Y HORTALIZAS

2010-10-19T18:57:00.003+02:00

Título: VIÑETAS A LA LUNA DE VALENCIA. LA HISTORIA DEL TEBEO VALENCIANO. 1965-2006
Autor: ÁLVARO PONS, PEDRO PORCEL y VICENTE SORNÍ
Editorial: EDICIONS DE PONENT
Páginas: 324
PVP: 28 €

No soy yo de esos que cuando escuchan la palabra “Valencia” salivan imaginando una paella o los productos de la Huerta, ni de los que piensan seguidamente en las fallas o Mario Kempes, por redondear el tópico. Y no es que no me guste el fútbol, la juerga, las frutas y hortalizas o el arroz bien aliñado, todo lo contrario, en esto soy idéntico a cualquier hijo de vecina. Sucede que cuando alguien nombra Valencia lo primero que me viene a la cabeza son sus tebeos. Porque sabrán ustedes que, en esto de las viñetas, la cantera valenciana es una de las más amplias y relevantes de nuestra historieta –quizá los que me conocen añadirían que, se hable de lo que se hable, siempre pensaré primero en tebeos, pero eso no invalida el argumento.
Jaimito, El guerrero del antifaz, Roberto Alcázar y Pedrín o Pumby son sólo algunos ejemplos del legado tebeístico producido en la Valencia posterior a la guerra civil. Y la nómina que participó en lo que se ha dado en llamar Escuela Valenciana de historieta –me refiero ahora a la primera de ellas, la que fructificó entre los años 40 y 60 del pasado siglo– es extraordinaria: Gago, Karpa, Palop, Sanchís y Vañó se cuentan entre el nutrido número de artistas que trabajó en editoriales como Valenciana o Maga. Una nómina, ya digo, que merece un sitio prominente en la historia del tebeo español. Aunque confieso mi debilidad por el conjunto de creadores con idéntica denominación de origen que comenzó a sorprender a propios y extraños a comienzos de la década de 1980, la Nueva Escuela Valenciana, con sus Mique Beltrán, Micharmut, Sento y Daniel Torres a la cabeza, traviesos reformadores de la línea clara –y a los que cabría sumar el alicantino Miguel Calatayud, un demente, un inclasificable, un genio situado a caballo entre generaciones y que guarda ciertas semejanzas estéticas con estos últimos.
Sucede que aún hoy, requeteconsumada la desintegración del tebeo patrio, una legión de valencianos pasea el palmito por las mesas de novedades, no diría como último reducto de la Galia ocupada, pues no queda ya apenas una pulgada sin conquistar, sino más bien como esas hermosas ascuas que se siguen de toda hoguera. Los hay que han encontrado su nicho en nuestro mercado –es un decir– luego de haber publicado aquí, allí y en francés, como el multipremiado Paco Roca y sus Arrugas, pero también los hay que sobreviven a la española, esto es, sobre el alambre, como mi querido Carlos Maiques, por citarles sólo un par de ejemplos.
En fin, puestos a examinar con detalle la historia del tebeo valenciano, no se me ocurre nada mejor que recomendarles la lectura del libro colectivo Viñetas a la luna de Valencia. La historia del tebeo valenciano. 1965-2006, dizque segunda parte de Clásicos en Jauja. La historia del tebeo valenciano, aquel magnífico trabajo en solitario de Pedro Porcel en el que se daba cumplida y exhaustiva cuenta del periodo anterior a 1965. Los edita ambos De Ponent, uno de esos locos y escasos pobladores, ahora sí, de la pulgada irredenta.

Javier Fernández

DEL ALMA DE LAS MÁQUINAS

2010-10-19T10:59:00.005+02:00

Título: GHOST IN THE SHELL
Autor: MASAMUNE SHIROW
Editorial: PLANETA
Páginas: 352
PVP: 11,95 €

Ya sé que, formalmente hablando, Ghost in the Shell no es el mejor manga de la historia. A menudo se cita que su ritmo es caótico y poco fluido, que su argumento pasa de lo liviano a lo denso sin solución de continuidad ni justificación aparente y que, a menudo, su prosa se decanta por lo farragoso. Por no hablar de que la querencia digresiva de su autor, Masamune Shirow, llega a veces a lo delirante. De modo que lo enfocaré de este otro modo: Ghost in the Shell es mi manga favorito.
No sólo lo considero un texto excitante, inteligente y divertido, que se beneficia ampliamente de la relectura, sino que, en mi opinión –compartida por la legión de seguidores del fenómeno GITS, que abarca también dos películas cinematográficas, dos temporadas televisivas de anime, un OVA, varios videojuegos, libros y, en general, todo tipo de merchandising– es uno de los hitos de la ciencia ficción reciente. Tan influyente e imperecedero como Blade Runner o Neuromante, Ghost in the Shell es una obra penetrante y vasta, como la red de bytes que acaba seduciendo a la protagonista Motoko Kusanagi, el cyborg policía que sostiene por sí solo la lectura, personaje singular y atractivo donde los haya.
Claro que, puestos a comparar, Shirow carece del impacto del que hacen gala otros mangakas como Maruo o Kago. Y no es menos cierto que sus páginas no tienen
la fuerza emocional de un Hayashi ni la sencillez expositiva de un Tatsumi –vean que les estoy citando sólo creadores del más alto calibre–, pero es que sean cuales sean las carencias de Ghost in the Shell, considero que el tebeo de Shirow comparte cima con todos ellos. Desde mi punto de vista, las fallas narratológicas de la obra magna de Shirow no son sino elementos característicos de un estilo peculiar e inimitable, cualidades de un terreno hermosamente abrupto que conduce a lo alto.
Ilustrador, diseñador, animador gráfico e historietista, Masamune Shirow nació en Kobe, en la prefectura de Hyogo, el 23 de noviembre de 1961, y su bibliografía tebeística no es tan extensa como suele ser habitual en el país del sol naciente. Además del volumen inicial de la serie, Ghost in the Shell (Kodansha, 1991, aclaro que esta fecha y las que siguen corresponden al año de publicación en libro de cada título), Shirow ha firmado dos secuelas, Ghost in the Shell 2: Man Machine Interface (Kodansha, 2001) y Ghost in the Shell 1.5: Human Error Processor (Kodansha, 2003), bastante menos apreciables que el original. Suyos son también títulos como Black Magic (Atlas, 1983), Appleseed vol. 1 a 4 (Seishinsha, 1984, 1985, 1987 y 1989), Dominion (Hakusensha, 1986, con una continuación, Dominion Conflict, publicada por Seishinsha en 1995), Orion (Seishinsha, 1991) y los cuatro tomos de ilustraciones Intron Depot (Seishinsha, 1992, 1998, 2003 y 2004), el primero de los cuales contiene una extensa y memorable sección dedicada a Ghost in the Shell.

Javier Fernández

LO QUE ME GUSTA DE CEREBUS

2010-10-19T10:54:00.002+02:00

Título: CEREBUS. ALTA SOCIEDAD
Autor: DAVE SIM
Editorial: PONENT MON
Páginas: 520
PVP: 30 €

Si usted ha nacido en este planeta y es más o menos adicto a los tebeos, no hará falta que le cuente qué es Cerebus. Pero por si acaso no pertenece al anterior grupo, aquí le dejo una sucinta y exacta descripción debida a su propio creador, el canadiense Dave Sim (Hamilton, 1956): “Cerebus es una novela gráfica de 6.000 páginas que comencé con el número 1, allá por diciembre de 1977, y concluí recientemente con el número 300, marzo de 2004, serializada en forma periódica y luego reimpresa y mantenida en catálogo en 16 volúmenes recopilatorios”.
Cerebus, pronunciado sérebas, es también el nombre del protagonista de Cerebus, un antropomórfico oso hormiguero de color gris y bastante mala leche –al estilo del pato Howard de Steve Gerber, de quien toma cierta inspiración inicial–, y que tiene tendencia a vivir variopintas aventuras que a menudo escapan de lo anecdótico y se convierten en recuento de las ideas e inquietudes del propio Sim. Hay quien le perdona todo a Cerebus porque la considera una obra maestra de la historieta y quien, por el contrario, discute airadamente las polémicas opiniones del autor, sobre todo en lo que a feminismo y homosexualidad se refiere –merece la pena anotar que un porcentaje de estos últimos siguen considerándola una obra maestra a pesar de ello–.
Por mi parte, diré que del extenso tebeo de Sim admiro lo siguiente: su cualidad de pionero del mercado independiente y epítome de la autoedición, pues ha de saberse que el dibujante se montó su propio tinglado y tuvo la tenacidad de mantenerlo, mes tras mes, año tras año, al margen de grandes y pequeñas compañías. Admiro también su impetuosidad, que bien podríamos llamar ambición, así como su fidelidad a una idea: a los 23 años, en un viaje lisérgico, Sim se dijo a sí mismo que su serie alcanzaría los 300 números mensuales, ni uno más ni uno menos. Y así ha sido. Considero algo más que meritoria la experimentación formal que exuda la obra por los cuatro costados –algo que queda bien patente en este segundo volumen de la saga, Alta sociedad, con que Ponent Mon, según consejo del artista, da comienzo a la anhelada edición en castellano de Cerebus–, así como lo inagotable de su inventiva gráfica. Y me quedo embobado mirando los dibujos de Sim, especialmente a partir de su asociación con Gerhard, quien eleva exponencialmente la calidad final de la página.
Y por último, me gusta que Cerebus sea una historieta seria y paródica a un tiempo. Que Sim tenga humor, pero también la valentía de expresar sus controvertidas convicciones religiosas, filosóficas, sexuales, sociales y políticas, coincidan o no con las mías. Porque, ya ven, estoy hastiado de las medias tintas, de la zona gris y de los discursos que reman a favor de la corriente. Pienso que estos nada aportan a la discusión, y que de ellos nada se aprende.

Javier Fernández

MAD PARA AMANTES DE LA LUPA

2010-09-29T19:28:00.003+02:00

Título: CLÁSICOS MAD, 1
Autor: VARIOS AUTORES
Editorial: PLANETA
Páginas: 376
PVP: 19,95 €

Hoy me dispongo a escribir una nota sobre los dos volúmenes de Clásicos Mad editados por Planeta en 2006 y 2009, pero realmente no sé si debería recomendarlos o no. Aclaro que mis dudas no tienen que ver con el material en sí –a saber, los primeros 23 números de la archiconocida cabecera satírica que más tarde alcanzaría el rango de icono cultural estadounidense, editados todos ellos por el sin par Harvey Kurtzman entre octubre de 1952 y mayo de 1955–, sino con las propias características físicas de la edición. Porque es cierto que estos dos tomitos son baratos, manejables y hasta están impresos a color, pero no es menos cierto que el formato ofrecido por el editor, minúsculo y parco donde los haya, dificulta el disfrute de la lectura.
Es un lástima, en fin, que ya que alguien se decide a publicar joyitas de este tipo o, dicho de otro modo, a rellenar alguno de los numerosos huecos existentes en la bibliografía tebeística en español, lo haga con tan poco tino, máxime cuando se tiene el ejemplo de los estupendos The Mad Archives impresos en gran formato sobre buen papel y encuadernados con tapa dura y sobrecubiertas por la neoyorkina DC. Eso sí, les interesará saber que cada tomo de The Mad Archives contiene sólo 6 números –a la fecha van dos editados– y viene a costar unos 50 dólares, casi lo mismo que el total de estos dos minilibros de Planeta. Por mi parte –y de esto ya les hablé no hace mucho–, opino que la experiencia suscitada por uno y otro producto no es comparable, y puestos a escoger entre coleccionar, en el modo que sea, la totalidad de esta primera etapa de Mad o disponer aunque sea de una muestra que permita apreciar y gozar realmente el asunto…, pues me quedo con la segunda opción.
Así que los que ansiábamos la traducción al castellano de los orígenes de Mad nos quedamos con la miel en los labios, y se tiene de nuevo la sensación de una oportunidad perdida, de un producto tirado al olvido, o a la basura, si se quiere. (Me pregunto si alguien se decidirá alguna vez a editar estos tebeos en formato y calidades dignas. Y entretanto proliferan ediciones de lujo de cualquier medianía, pero mejor lo dejo aquí, que empecé con buen humor y me estoy encabronando.) El caso es que me veo en la tesitura de recomendar o no los Clásicos Mad y, aun con la larga aclaración previa en mente, supongo que la respuesta adecuada es sí.
De un modo u otro, son la única opción para el hispanoparlante de acercarse al genio visionario y desatado de Kurtzman, uno de los más grandes historietistas estadounidenses del siglo XX –similar en calibre a Robert Crumb o Will Eisner, por poner dos ejemplos–, quien no sólo creó el concepto de la publicación y dibujó diversas portadas e historietas durante su etapa al frente de Mad, sino que escribió y abocetó la práctica totalidad de estos 23 números. Como argumento de venta, conviene también añadir que el elenco artístico incluye a luminarias como Jack Davis, Wally Wood, Bill Elder, John Severin, Bernie Krigstein y Basil Wolverton. Ahí es nada.

Javier Fernández

MENOS ES MENOS

2010-09-27T20:37:00.003+02:00

Título: THE EC ARCHIVES. TWO-FISTED TALES. VOL. 1
Autor: VARIOS AUTORES
Editorial: GEMSTONE
Páginas: 212
PVP: 49,95 $

Bueno, pues de casualidad ha llegado a mis manos un ejemplar de los The EC Archives editados hasta hace poco menos de dos años por Gemstone. Se cuenta por ahí que los problemas financieros de la casa editora han dado al traste con este extraordinario proyecto: la reedición definitiva, en gran formato, pasta dura con sobrecubiertas, papel de alta calidad y lindo recoloreado –nada que ver, por ejemplo, con las porquerías que ofrece sistemáticamente Marvel Comics o con las últimas pifias de Dark Horse– del fondo editorial más importante, controvertido y significativo de la historia del cómic-book estadounidense.
Para los curiosos o despistados, diré que The EC Archives se sitúa, o situaba, en las antípodas de la serie publicada hace ya unos años por la editorial Planeta con idéntico material: formato minúsculo, pésima encuadernación, papel más que corriente e impresión en blanco y negro. Con todo, supongo que habrá a quien le guste la rácana versión patria. O quien se consuele pensando que es un mal menor, una forma barata y sencilla de hacerse con todo el legado de Entertaining Comics. Nada más lejos de la realidad. Lo expresaré de otro modo: después de cerrar el libro de Gemstone, que recopila los seis primeros números de Two-Fisted Tales, la cabecera de aventuras ideada por Harvey Kurtzman rápidamente reconducida al género bélico, he tenido la sensación de haber leído por primera vez un tebeo EC –y yo, no es la primera vez que los leo–. Algo similar, en otro orden de cosas, a lo que me ocurrió la vez aquella que me senté en la butaca del teatro a ver 2001, luego de haberla vista un chorro de veces en VHS.
Porque, qué duda cabe, los subversivos y estremecedores argumentos de estas historietas son tan importantes como los propios dibujos; pero es que lo contrario no es menos cierto: los impactantes y hermosos dibujos de estas historietas son tan importantes como los propios argumentos. Y contenidas aquí hay páginas de Harvey Kurtzman, Jack Davis, Johnny Craig, Al Feldstein, Wally Wood, John Severin –en tándem con Will Elder– y Alex Toth, una extraordinaria reunión de nombres propios de la narrativa gráfica, estilistas que se benefician sobremanera del cuidado y el trato adecuados.
Pienso que el afán coleccionista no es sólo enemigo del buen gusto, sino que también provoca extrañas paradojas como esta: se ofrece al lector un producto extenso, pero deformado, de pésima calidad, cuando basta el mínimo fragmento, dignamente editado, para arribar de bruces a la esencia del asunto. No digo yo que alguien se vaya a atrever a reeditar la biblioteca EC entera en castellano, pero sí que me gustaría sugerir que se traduzca al menos uno de los volúmenes de Gemstone. El que sea. O, ya puestos a pedir, una selección de las mejores historietas de la mítica editorial en edición Absolute. Vean que forma más sencilla de enriquecer cualquier estantería.

Javier Fernández

UNA, GRANDE Y CAUTIVA

2010-09-21T11:18:00.003+02:00

Título: EL ARTE DE VOLAR
Autor: ANTONIO ALTARRIBA (guión) y KIM (dibujos)
Editorial: EDICIONS DE PONENT
Páginas: 208
PVP: 22 €

Puestos a hablar de El arte de volar (Edicions de Ponent, 2009), la impresionante y multipremiada novela gráfica escrita por Antonio Altarriba y dibujada por Kim, lo primero que me viene a la cabeza es la siguiente cita de Albert Camus, extraída de su libro Moral y política: “El siglo XVII fue el siglo de las matemáticas, el XVIII el de las ciencias físicas y el XIX el de la biología. Nuestro siglo XX es el siglo del miedo. Se me dirá que el miedo no es una ciencia. (…) No hay duda de que es, sin embargo, una técnica”.
Viene la cita a cuento del terror histórico descrito por los autores a lo largo de las casi doscientas páginas de este extraordinario tour de force, y que, salvando las distancias, me ha producido sensaciones similares a las que sentí leyendo, por ejemplo, El vértigo, de Eugenia Ginzburg. Ambos textos comparten la voluntad testimonial –el de Ginzburg de primera mano, el otro mediante la evocación o, mejor dicho, la recreación de experiencias familiares– y el pasmo ante el imparable advenimiento de la catástrofe. Catástrofe que en la rusa, atrapada en el sinsentido del gulag estalinista, es primero intelectual y luego vivencial. Nace de su ceguera política, del prolongado rechazo a admitir la inocencia de los condenados a los campos de castigo y desemboca en la terrible culpa de descubrirse a sí misma como una más de la legión de injustamente encarcelados por el régimen totalitario.
El protagonista de El arte de volar, por su parte, personifica la inocencia, la sencillez de espíritu del hombre común que vive ajeno a los dictados y proclamas del statu quo, pero los padece. Su primera lucha es vivir una vida decente, su siguiente objetivo, ya que estalla la guerra civil española, es sencillamente sobrevivir. Finalmente, Antonio, padre y máscara del guionista, acaba recorriendo la misma dirección que Ginzburg, aunque en sentido inverso: va de lo vivencial a lo intelectual, pues, más allá de los mapas sociales esbozados en El arte de volar, el auténtico territorio de la novela gráfica es el del aprendizaje político del individuo, el del alzamiento de la conciencia y su posterior caída, que toma aquí tintes de tragedia, de nuevo, sencilla, silenciosa, pero no por ello menos punzante.
El rapto de los ideales libertarios, que es tanto como decir el rapto de la propia humanidad, el cautiverio de la nación contradictoria y descosida que llamamos España, se funde con el aliento vital en esta pequeña obra maestra embellecida por un Kim en estado de gracia –tampoco les voy a descubrir ahora las bondades de uno de nuestros mejores artistas–. Y en este sentido, El arte de volar es una lección de historia contemporánea narrada por los que no tienen voz, los que nada significan, los meros figurantes. O, dicho de otro modo, el retrato de uno cualquiera de nosotros, una simple gota, que lleva en su interior la memoria del océano.

Javier Fernández

CUANDO VINIERON A BUSCARME

2010-09-13T19:29:00.006+02:00

Título: STUCK RUBBER BABY (MUNDOS DIFERENTES)
Autor: HOWARD CRUSE
Editorial: DOLMEN
Páginas: 216
PVP: 25 €

Permítanme que haga trampa. Voy a recomendarles la lectura en castellano de la obra principal de Howard Cruse, pero en realidad yo no he leído el volumen de Dolmen sino la edición en inglés publicada por Vertigo ahora que se cumple el décimo quinto aniversario de la aparición de Stuck Rubber Baby (Paradox Press, 1995). En mi descargo diré que vivo a medio mundo de distancia de España y que es raro, casi impensable, encontrar por estas tierras historietas traducidas en la madre patria. De modo que nada puedo decirles sobre la traducción de Diego García, aunque si se dan un garbeo por la red verán que los que sí la conocen le otorgan un sobresaliente, y que idéntica nota obtiene, por norma general, la hechura editorial de la versión española, calificada aquí y allí de excelente. Dicho lo cual, paso comentar la novela gráfica, que los caracteres mandan.
Stuck Rubber Baby , cuyo título se vale del slang y de la ambigüedad lingüística para describir, entre otras cosas, la homosexualidad latente, la inesperada paternidad y la falta de decisión ideológica del protagonista, es un libro portentoso, heredero en forma y fondo del underground estadounidense –esa fértil corriente de la historieta americana traducida poco y mal a nuestro idioma–, remozado, eso sí, con el largo aliento y la pulcritud de que hace gala buena parte de la nueva novela gráfica. El relato de Cruse sumerge al lector en la convulsa Norteamérica de la década de 1960, con pequeñas incursiones en los años previos y algún que otro asomo al momento actual del narrador. O, más concretamente, en el sur de una nación descosida por el miedo al cambio y la crueldad con el diferente. Porque la desigual batalla que se nos plantea entre status quo y ciudadanos no tiene tanto que ver con la orientación sexual, el color de la piel o la ideología política como con la defensa de la propia libertad. En palabras del protagonista de Stuck Rubber Baby, luego del linchamiento de un amigo homosexual y el brutal atentado que deja malherido al negro Shiloh: “It could’ve been me” (podría haber sido yo).
Puestos a hablar de este libro, insisto, portentoso, cabría referir la densidad argumental y estética, la riqueza de los diálogos y textos de apoyo, el detallado entramado histórico o el didactismo en la exposición de los derechos civiles en juego, pero, personalmente, destaco este otro logro de Cruse: la detallada y precisa construcción de un mundo y unos personajes que comienzan siendo ajenos y acaban siendo propios. Pues cuando se alcanza el final del libro uno se siente negro u homosexual, más allá de la propia raza o la preferencia afectiva. Y entiende de primera mano la urgencia de entender al otro, de compartir su lucha antes de que, parafraseando al pastor luterano Martin Niemöller, venga el odio a buscarnos y nos encontremos solos. Preguntándonos por qué callamos cuando debimos protestar.

Javier Fernández

YA!!!!!!

2010-09-06T19:49:00.000+02:00

http://www.jugamostodos.org/index.php?option=com_content&task=view&id=1857&Itemid=68

UN DIABLO EN EL PURGATORIO

2010-08-19T19:42:00.005+02:00

Título: BORN AGAIN

Autor: FRANK MILLER (guión) y DAVID MAZZUCCHELLI (dibujos)

Editorial: PANINI

Páginas: 224

PVP: 22,95 €

La primera vez que leí el Born Again andaba yo por el bachillerato, y bastante desencantado de los tebeos de superhéroes, todo sea dicho. Aunque, eso sí, seguía comprándolos por toneladas, pues aún no me había yo percatado de lo ancho y largo que es esto de la historieta. O lo había olvidado, para ser más exactos. Si echo la vista atrás, muy atrás, me veo en la cuna devorando los Spirou de Franquin –palabras mayores, se tenga la edad que se tenga–, el pato Donald de Carlk Barks –tres cuartos de lo mismo–, el DDT, el Pumby o el Mortadelo semanal, por citar lo primero que se me viene a la cabeza. Y es que el mar está lleno de peces.

El caso es que, ahora que lo pienso, me doy cuenta de que fue precisamente este tebeo de Miller y Mazzucchelli el que logró curarme del virus Marvel que afectó a mi generación. Ojo, digo curarme no porque haya acabado yo regalando mis Spiderman, sino porque hace ya un ciento que no me fundo los ahorros en coleccionarlos. Creerá alguno que estoy sugiriendo que el Born Again es un engendro infumable. Todo lo contrario, me parece un tebeo excitante, bien escrito y mejor dibujado. Tanto que, en comparación, y siempre hablando en términos generales, las desventuras de los supertipos me resultan un tanto insípidas y bastante sandias. Que no digo yo que no haya quien las considere algo muy serio, allá cada cual, pero a mí es que me da la risa. Será por eso que prefiero el trepamuros de Ditko al de Romita, el pato Howard al Capitán América, los X-Statix a los X-Men.

Pero no es de esto de lo que estamos hablando. Hablamos del Born Again o, lo que es lo mismo, de los números 227 a 233 de la serie Daredevil, editados originalmente entre febrero y agosto de 1986. Son magníficos tebeos de acción, aderezados con su poquito de existencialismo, un toque de mala leche y determinados fraseos herededados del género negro. El argumento de Miller maneja también elementos de la religiosidad cristiana, empezando por el título, que es un tópico de la conversión a Cristo. Pero, convendrán conmigo en que la mayor parte de la simbología manejada por los tebeos de superhéroes es bastante gruesa, mid-cult, de medio pelo. A qué engañarnos, no es por eso por los que nos fascinan obras como el Born Again. Lo que nos impele a releerlas tiene más que ver con la excitación emocional y con la eficacia narratológica que con lo propiamente ideológico, algo así como lo que ocurre con el cine de John Ford.

¿Les he dicho ya que los dibujos de Mazzucchelli son primorosos? Sólo por ellos merecería ya la pena apoquinar los casi 23 eurazos, pero es que el trabajo de Miller es realmente absorbente, y la suma de los dos talentos resulta en un tebeo trepidante y singular como pocos. Es de esos raros ejemplos que se disfrutan con la misma intensidad dos décadas y media después. Lo que se dice una pasada.

Javier Fernández

¡GERBER EN EL SALÓN DE LA FAMA!

2010-08-10T19:14:00.004+02:00

Ya sé, ya sé. Los ingresados este año en el Salón de la Fama durante la pasada ceremonia de entrega de los premios Eisner fueron seis, y no uno como podría deducirse por el título. Pero es que me he puesto tan contento al conocer la noticia de la concesión del The Will Eisner Award Hall of Fame al creador de Howard the Duck –nada que ver con la película, no vayan a decir luego que les recomiendo basura– que lo he escrito tal cual, sin pensármelo dos veces.

Y no es que el resto de los ganadores ax aequo sean tipos cualesquiera, no. Hay entre ellos nombres propios del tebeo estadounidense como Burne Hogarth (1911-1996), el excelso dibujante que nos deleitó a todos con su imperecedera versión de Tarzán, y Bob Montana (1920-1975), nada menos que el creador gráfico de Archie. Vean que, en ambos casos, el premio fue concedido directamente por el jurado. Pero ojo, los otros tres que junto a Steve Gerber (1947-2008) se alzaron con el premio por votación popular también tienen lo suyo. Mort Weisinger (1915-1978), escritor y editor, dirigió las riendas de Supermán durante buena parte de las décadas de 1950 y 1960; el recientemente fallecido Dick Giordano (1932-2010), recordado por sus dibujos y sus hermosas tintas, ejerció de alto ejecutivo de DC durante casi una década; y Mike Kaluta (1947), el único vivo de los seis, es un elegante ilustrador y un dibujante delicado, no demasiado prolífico, pero sí suficientemente apreciable.

Puestos en el mismo saco que todos ellos o, mejor aún, del centenar largo de integrantes actuales del Salón de la Fama, se podría argumentar que la aportación de Gerber al medio es más bien modesta. Que básicamente fue un escritor de superhéroes sin éxito comercial, un guionista de culto más recordado por su vena ácida y sus continuos problemas legales con Marvel que por sus propias historias. Yo, sin embargo, lo considero de otro modo, y es por eso que me felicito de que el tiempo le esté concediendo el crédito que mereció en vida. En mi opinión, Gerber fue un autor oblicuo e inesperado, original, incisivo y penetrante, un adelantado a su tiempo. Y la suya es una voz singular de la moderna industria del cómic-book. Firmó trabajos tan fenomenales como Man-Thing, The Defenders, Omega o Countdown to Mistery, pero también Void Indigo, Nevada, Hard Time o el propio pato Howard. Tebeos todos ellos inclasificables que, en conjunto, se erigen como una suerte de expresión íntima, un comentario valiente y personal sobre las transformaciones culturales, políticas y sociales recientes de Estados Unidos. Sólo por esto, está sobradamente justificado su ingreso en el Salón de la Fama; pero es que, además, su cruzada en favor de los derechos de autor –que lo condujo en última instancia a la bancarrota– lo señalan como precursor del tebeo independiente, de nuevo un adelantado, una especie de mártir necesario.

De modo que, ya les digo, hoy me siento feliz por Gerber –y hasta se me ha olvidado por un instante que hace ya más de dos años que no está con nosotros–. Por los otros cinco también, que conste, pero menos.

Javier Fernández

EL PRIMERO DE LA CLASE

2010-08-10T19:02:00.008+02:00

Bueno, pues como cada año desde 1988 ya tenemos la lista de ganadores de los premios Eisner, los máximos galardones de la industria del tebeo en Estados Unidos. Por si no lo saben, les comento que la ceremonia de entrega se celebró el pasado 23 de julio en el marco de la convención anual de cómics de San Diego, uno de los encuentros historietísticos más relevantes del panorama mundial y, sin duda, el más importante de los muchos que se celebran en el nuevo continente.

No es mi intención referirles aquí la lista completa de premiados, menos aún la kilométrica relación de nominados, pues ambas pueden consultarse vía internet en la página oficial del evento: www.comic-con.org, pero sí quisiera dedicar una líneas a celebrar la triple corona obtenida por mi adorado David Mazzucchelli (Providence, NY, 1960): Mejor novela gráfica, Mejor escritor-dibujante y Mejor rotulista, lo que, en palabras de la organización, lo convierte en “el máximo ganador” de esta edición.

Qué quieren que les diga, me congratulo de que la industria haya al fin premiado a uno de sus creadores más genuinos y originales, un tipo formado como historietista en el corazón mismo del negocio –suyos son los dibujos de dos de las obras más influyentes del tebeo de superhéroes de la década de 1980, la saga Born Again de Daredevil y el Año uno de Batman, ambas escritas por Frank Miller–, pero que, en el por entonces pináculo de su carrera, decidió alejarse de las fórmulas comerciales para alcanzar cotas creativas aún más altas dentro del mercado independiente. Los tres números de su espléndida revista Rubber Blanket, autoeditada entre 1991 y 1993, permanecen como un hermoso ejercicio de libertad creativa y una profunda lección de narratividad, y aun cuando algunas de sus páginas han visto esporádicamente la luz en nuestro idioma, el conjunto sigue esperando la oportunidad de una edición española a la altura del material. Aunque si de lecciones narrativas hablamos, a pocos escapa que su adaptación

gráfica de la novela Ciudad de cristal, de Paul Auster, realizada en 1994 a medias con Paul Karasik –la adaptación, no la no

vela–, es uno de los hitos recientes del tebeo estadounidense, un soberbio ejemplo de hasta donde puede llegar esto de las viñetas, bocadillos y textos de apoyo.

Asterios Polyp (Pantheon Books, 2009) es su más reciente trabajo largo, luego de una miriada de historietas de corta extensión publicadas en revistas, antologías y demás, y el que le ha conducido al éxito crítico una década y media más tarde de la anterior novela gráfica. Me he deleitado ojeando diversas páginas de Asterios Polyp, pero lamento no darles hoy una nota precisa de su contenido, ya que sigo a la espera del ejemplar que encargué hace varios meses. Les adelanto que, visto lo visto, promete ser aún más personal, sorprendente y renovadora que Ciudad de cristal, lo cual es mucho decir. Por lo pronto, la industria se ha rendido a sus pies, y esto tampoco es moco de pavo.

Javier Fernández

EL VIAJE INTERMINABLE

2010-08-10T18:54:00.004+02:00

Título: POR EL CAMINO YO ME ENTRETENGO

Autor: JOAQUÍN LÓPEZ CRUCES

Editorial: EDICIONS DE PONENT

Páginas: 164

PVP: 20 €

No exagero si digo que Por el camino yo me entretengo (De Ponent, 2008) es una de las lecturas más refrescantes y deleitosas que me he echado al rostro de un tiempo a esta parte. Claro que, dicho esto, debo confesar que López Cruces lo tiene fácil conmigo; o yo con él, soy lo que se dice un entregado a la causa, un fan.

Hace unos días les hablaba de Del Barrio y venía a decirles que el dibujante madrileño es de los que se prodigan poco –o será que a mí me lo parece–, pero es que la producción historietística de López Cruces es todavía más exigua. Se compone básicamente de un puñadito esporádico de colaboraciones en revistas y tres monografías: Sol poniente (Cajal, 1990), Obras encogidas (Malasombra/Camaleón, 1997) y la antes citada; cuatro si contamos el cuadernito Las mantas de Ramonet (Malasombra, 1995). Aunque, eso sí, dibujos suyos se los encuentra uno por aquí y por allí, pues a fin de cuentas el tipo se dedica al diseño gráfico y la ilustración. Pero en lo de los tebeos ya ven que López Cruces es un poco como Tarrence Mallick: rueda sin prisas. Por si vale para algo, desde aquí propongo fundar un club de admiradores del dibujante que se dice almeriense nacido en Granada –del otro, el cineasta, también, pero no dudo que ya habrá.

Podría glosarles las excelencias de la obra de López Cruces, destacar la singularidad emocional de trabajos como Sol poniente, la ternura y sencillez del grueso de su producción –y se vienen a la memoria otros nombres con mayor o menor grado de afinidad con el andaluz, funambulistas de los pies a la cabeza: Rubén Garrido, Javier Olivares, LPO, Victoria Martos–, pero he decidido no hacerlo. Antes que abocarles a una dificultosa búsqueda de tebeos harto escondidos, agotados como nuestra historieta, prefiero conducirles al volumen editado por De Ponent a finales de 2008 y que, por ende, se halla aún en el canal de distribución.

Por el camino yo me entretengo es una selección y compilación de los dibujos de viaje de López Cruces realizados entre agosto de 1986 y julio de 2007. Como tal, el librito puede ojearse a gusto del consumidor, de principio a fin, de fin a principio e incluso a saltos, como quien juega a la comba. Pero, tratándose de quien se trata, uno espera ese algo más que se sitúa bajo –o sobre, según se mire– lo estético, la capacidad narrativa de los cuentistas de raza. Dicho y hecho. El cuaderno de viajes de López Cruces trasciende su condición primera de colección de memorabilia para convertirse en un tebeo de tomo y lomo, pues antes que estampas, los dibujos y textos en él contenidos son las divertidas e informales piezas de una peculiar historieta autobiográfica narrada desde el incansable punto de vista del viajero. Y he aquí un logro de López Cruces: iniciada la lectura, uno olvida de inmediato su condición de vouyeaur para sentir la emoción, el gozo mismo del viaje. Ya ven, y sin salir de casa.

Javier Fernández

¡AH, BELLOS OJOS... BELLOS OJOS!

2010-07-19T18:46:00.003+02:00

Título: EL HOMBRE DE ARENA
Autores: MAI PROL (guión) y FEDERICO DEL BARRIO (ilustraciones)
Editorial: EDICIONS DE PONENT
Páginas: 72
PVP: 20 €

Al hilo de la reciente publicación de El hombre de arena, la otra semana les escribí algunas notas sobre la vuelta a escena de Federico del Barrio o, mejor dicho, sobre el placer que me produce su retorno, luego de que el madrileño haya pasado los últimos años camuflado bajo diversos seudónimos y alejado de las candilejas. El caso es que repasando lo escrito he caído en la cuenta de que les hablé del pecador y apenas nada del pecado, esto es, del propio libro. Si leen habitualmente la sección, sabrán que no es raro que me vaya por las ramas. Y es cierto que a menudo doy por buena la digresión, pues de lo que mayormente se trata es de motivar a la lectura, de dar noticia, y para esto sirve cualquier estrategia. Sin embargo, en el caso que nos ocupa, siento que se quedó casi todo en el tintero, de modo que ahí va una segunda nota sobre El hombre de arena.
Con guión de Mai Prol e ilustraciones y diseño de Del Barrio, esta peculiar revisión del clásico relato de E.T.A. Hoffmann sobre simulacros y perversiones de la mirada se construye con la separación de los elementos narrativos que conforman el discurso y su posterior reunión, que no disolución, en el espacio de la página. Se podría discutir aquí si El hombre de arena de Prol y Del Barrio es un libro ilustrado por aquello de que el texto nunca invade los dibujos; yo lo considero simplemente un cómic. En mi opinión, aún cuando cada elemento ocupa un lugar fijo en el desarrollo de la adaptación, todos juntos forman el tejido compositivo de una extraordinaria colección de splash pages, de páginas dobles, necesariamente interrumpidas por el lomo. Son tres, los elementos, digo: signo, palabra e imagen. Los signos son las reproducciones, unas fieles, otras hermosamente deformadas, del Tarot de Marsella –del que, desde aquí, me declaro un ferviente enamorado, aunque no tanto del fraseo y el método interpretativo seguido por los autores–, que aportan la estructura y dividen el conjunto en jornadas constantes de dos páginas de extensión, las que siguen a los proemios.
Del lado izquierdo del lomo, la palabra titula cada sección y se refugia en pequeños fragmentos que recuentan paso a paso el misterioso argumento de Hoffmann. Y también salpica las cornisas del lado derecho, dominado por las ilustraciones de Del Barrio, visiones fugaces del mundo de pesadilla de Nathanael y compañía que materializan tal o cual aspecto del universo obsesivo y ambiguo de Der Sandmann, en especial su atmósfera pesada y gótica. El resultado es una obra bella y ambiciosa, milimétricamente diseñada, que absorbe al lector de principio a fin.
Y ahora pasaría con gusto a resumirles el argumento, pero ya ven que se trata de un clásico entre los clásicos. Si lo han leído, les sobrará mi resumen. Si no, aquí tienen una excelente oportunidad de descubrirlo. Lo harán de la mano de un lenguaje mestizo y moderno que se antoja inagotable.

Javier Fernández

¡¡¡CRASH COMICS SE REFORMA!!!

2010-07-15T20:50:00.004+02:00

Crash Comics estará de reforma durante el mes de Agosto
A consecuencia de esto, el local de C/Duque de Fernán Núñez 2 permanecerá cerrado al público durante todo el mes de Agosto; mientras dure la reforma les seguiremos atendiendo en C/ Eduardo Dato (local Carnicería, paralela a Duque de Fernán Núñez dirección Paseo de la Victoria) de lunes a viernes de 11:00 a 13:30.
A partir de Septiembre volvemos a atenderles en el local de siempre (C/Duque de Fernán Núñez 2).

El Horario de verano de Crash Comics será el siguiente:

-Hasta el 22 de Julio: de Lunes a Sábado: 10:30 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 (Sábado tarde cerrado), LOCAL DUQUE DE FERNÁN NÚÑEZ
-Del 23 de Julio al 29 de Julio: de Lunes a Sábado: 10:30 a 14:00, LOCAL DUQUE DE FERNÁN NÚÑEZ
-30 y 31 de Julio cerrado por traslado.
-Del 2 de Agosto al 2 de Septiembre: de Lunes a Sábado de 11:00 a 13:30, LOCAL EDUARDO DATO
-3 y 4 de Septiembre cerrado por traslado.
-A partir del 6 de Septiembre: 10:30 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 (Sábado tarde cerrado), LOCAL DUQUE DE FERNÁN NÚÑEZ

Para cualquier pregunta no duden contactar con nosotros por correo electrónico (crashcomics@gmail.com) o por teléfono (957 48 13 95).

Un cordial saludo y perdonen las molestias
Crash Comics

DEL RETORNO ANSIADO

2010-07-12T11:14:00.004+02:00

Título: EL HOMBRE DE ARENA
Autores: MAI PROL (guión) y FEDERICO DEL BARRIO (ilustraciones)
Editorial: EDICIONS DE PONENT
Páginas: 72
PVP: 20 €

Hay silencios y silencios. Quiero decir que existen autores que desaparecen de la faz de la tierra sin dejar rastro y uno se pregunta si no sería mejor que se hubiesen marchado un poco más lejos, no vaya a ser que les dé por regresar. Y luego están los otros, los que no deberían irse nunca y se van. En el mejor de los casos, estos últimos retornan brevemente a escena y es una lástima, una verdadera lástima, que nunca estén por quedarse. Se me vienen varios nombres a la cabeza, Raúl el primero, pero no es de él de quien quiero hablarles hoy sino de Federico del Barrio (Madrid, 1957), el segundo de mi lista particular de añoranzas.
Aunque, claro, eso de desaparecer es una forma de hablar. Primero porque Del Barrio apenas estuvo aquí. Lo suyo, ya pasada la pubertad creativa, fueron diez escasos años, la segunda mitad de los ochenta y la primera de los noventa, de historietas servidas con cuentagotas, asombrosas y elegantes; mestizas, hijas del tebeo, pero también de la literatura. De laboratorio y trinchera. Me refiero a lo compilado en La orilla (1985) y en León Doderlin (1991), dos libritos de esos que uno ama u odia sin término medio, y también a ese puñado de páginas diseminadas en revistas o antologías, a menudo compuestas a medias con Raúl –ya ven que, después de todo, teníamos que acabar citándolo de nuevo–. O su interpretación de los guiones de Hernández Cava en dos de las series más celebradas de este último: Las memorias de Amorós y Lope de Aguirre. De lo primero lo dibujó todo, cuatro álbumes en cascada (Firmado: Mister Foo, 1988; La luz de un siglo muerto, 1993; Las alas calmas, 1993; y Ars Profética, 1993) y un quinto que hasta ganó el premio al mejor tebeo en Barcelona, El artefacto perverso (1996), que no pertenece propiamente a la serie, pero guarda un aire de familia. De lo de Aguirre, Del Barrio dibujó y coloreó el segundo volumen, tenso y furioso, La conjura (1993).
Como les decía, desaparecer es un decir. Segundo porque Del Barrio nunca se marchó realmente. Los soberbios Relaciones (1996) y Simple (1999) no llevan su firma sino la de un tal Silvestre, pero a quién vamos a engañar. Y Caín (2007), pequeña muestra de la tira satírica publicada diariamente en La Razón –la cultura hace extraños compañeros de cama–, es el producto de otra máscara, compartida en este caso con Hernández Cava. Por no mencionar a aquel Del Barrio, escritor teatral de El día que voló Renata, Viaje al tártaro, Caín (no confundir con lo ya citado) y ¿Qué? Nada. O el ilustrador de trazo fino y áreas esponjosas con el que uno, alegremente, se topa de vez en cuando, o ese otro, brecciano hasta la médula, que retorna ahora en El hombre de arena (2010), hermosa, extravagante y oscura adaptación gráfica del relato homónimo de E.T.A Hoffman guionizada por Mai Prol, una lectura absorbente y gozosa.
Ya ven, casi nada me alegra tanto el día como encontrarme con un nuevo trabajo de Federico del Barrio. Y puestos uno detrás del otro hasta se diría que hay un buen número de ellos. Pero, créanme, son pocos. Y todos ellos sobresalientes.

Javier Fernández

GÓTICO CINEMATOGRÁFICO

2010-07-03T13:30:00.006+02:00

Título: EVELYN
Autor: ANDRES G. LEIVA
Editorial: SINS ENTIDO
Páginas: 64
PVP: 13 €

En días recientes he tenido al fin la oportunidad de sumergirme a mis anchas en las páginas de Andrés G. Leiva, pues me he leído de una tacada El misterio de Electra / Horrible hórreo (2002), Juana de arco (2005) y la más reciente Evelyn (2009), todas ellas publicadas por la madrileña Sins Entido, uno de los espacios capitales del tebeo español contemporáneo. ¿Qué les puedo contar? El empacho ha sido de lo más gratificante. Siendo precisos debería añadir a la lista la historieta corta “El ojo del huracán”, un simpático western guionizado por Jorge García que aparece incluido en el número 21 de la revista Dos veces breve y del que poco comentaré aquí, aparte de que supone un sano e interesante cambio de registro para Leiva, quien deja las ceras para abandonarse a una estética suelta apoyada en el rotulador y en la que se aprecia con inmediatez el sobresaliente storytelling del dibujante.
De Leiva (Córdoba, 1969) se ha destacado por encima de todo su estética de trazo grueso, su capacidad para fabricar atmósferas, y lo expresivo, bien de su color, bien de su blanco y negro, en la línea, para entendernos, de Alberto Breccia. Se dice de él que gusta de llevar la anécdota narrativa, sea esta cual sea, al terreno de lo íntimo, y ya su primera monografía, dividida en dos secciones convergentes en el centro, mostraba una abierta querencia lírica. Eran dos historias cualesquiera ensambladas férreamente por la vía plástica, pero con cierta debilidad estructural que no impedía el asombro del lector ante la, por entonces, sorpresiva aparición de una voz creativa singular y excepcionalmente madura.
Con Juana de Arco, Leiva se atrevió con el relato de mayor aliento y complejidad hasta la fecha. Basado en el exhuberante uso del color, el álbum avanza en estallidos cromáticos que, en cierta medida, restan sutileza al conjunto y enmascaran los hermosos contrastes en que se cimenta la revisión histórica emprendida. Con todo, el tebeo es un logro superior, Juana de Arco contiene secuencias memorables que se quedan en la retina mucho tiempo después de su lectura. No en vano, fue nominado a la Mejor Obra en el 23º Saló de Cómic de Barcelona e incluso ha conocido una edición de pequeño tiraje en francés, un mercado que se me antoja poco natural para esta obra furiosa, potente y poco amiga de convencionalismos.
Evelyn, premio de cómic Sins Entido-Diputación de Cuenca, es el siguiente paso en la carrera ascendente del artista. Se trata de una historia de terror gótico que poco o nada debe a las piezas literarias del periodo y sí mucho a su regurgitación por la vía cinematográfica. Me refiero, claro está, a joyas como los filmes de la Universal o los posteriores de la Hammer. Con más empeño si cabe que en sus trabajos anteriores, Leiva se deleita aquí recreando con maestría una atmósfera densa y neblinosa, al servicio de un relato de obsesiones, dependencias y personajes ligados entre sí. Un trabajo delicioso que permite soñar con nuevas entregas de una hipotética serie dedicada a las peripecias del protagonista doctor Corman y que, desde aquí, les recomiendo vivamente junto con todo lo anterior.

Javier Fernández

LA GRAN COMILONA

2010-07-01T10:48:00.007+02:00

Aprovechando una visita al terruño, léase España o su fragmento más austral, que ya no sabe uno en qué estamos, me he permitido una comilona de tebeos de las que hacen época. Diríase más bien que me lo han permitido las circunstancias, y es que no está el horno para bollos –nunca mejor dicho– con tanta crisis y depresión colectiva, pero, a lo que vamos, he inflado la maleta de cosita buena, buena de verdad. Porque pasa que, permítanme que use el término frívolamente, el exilio voluntario, lo he dicho alguna que otra vez, me ha dejado instalado en México, país hermano en tantas cosas aunque no en esto de la historieta. One world, one market: Basta darse un garbeo para entender que el mercado único se compone de eso, de un único producto, el gringo.
Me confesó una vez Gabi, librero artista de melena afro, amigo y ahí está todo dicho, que “tengo en la tienda todo esto para poder tener esto otro”, en donde esto es una morterada de cómics de superhéroes, ventas fijas para pagar vicios o hipoteca, qué sé yo, y esto otro es un rincón, no tan pequeño, de tebeos de los que se pueden leer sin sonrojo. Así es que ahora, “aprovechando una visita al terruño”, etcétera, me he sumergido en el citado rincón como el que se mete en la taberna desmayado y sale a reventar de medias raciones, una tras otra, sin orden ni mesura. Les cito aquí el menú, invitándolos de paso a que piquen algo, verán que en este rincón de Crash está todo tan delicioso que, pidan lo que pidan, atinarán. La cosa va de novedades, pero no sólo, ya les digo que en el último par de años no he tenido más remedio que leer mayormente en inglés, que viene a ser –honrosas excepciones aparte– como comer plástico.
Ahí va: El hombre de arena, de Federico del Barrio y Mai Prol (De Ponent, 2010); Evelyn, de Andrés G. Leyva (Sins Entido, 2009); Haxtur, de Víctor de la Fuente (Glènat, 2008); Bob Deler, de Felipe Hernández Cava y Keko (Exit Publicaciones, 2008); Duelo de caracoles, de Pere Joan y Sonia Pulido (Sins Entido, 2010); El arte de volar, de Antonio Altarriba y Kim (De Ponent, 2009); Emotional World Tour, de Miguel Gallardo y Paco Roca (Astiberri, 2009); El manual de mi mente, de Paco Alcázar (Mondadori, 2008); Los 12 trabajos de Hércules, de Miguel Calatayud (De Ponent, 2010); Oficio de lectura x 2, de Raúl y Peret (Ayuntamiento de Murcia, 2008); El mago descalzo, de Luis Durán (La Cúpula, 2008); Surfing on the Third Wave, de Miguel Ángel Martín (Rey Lear y Sins Entido, 2009); 36-39 Malos tiempos, 4, de Carlos Jiménez (Glènat, 2009); Artfòbia II, de Gillem Cifré (De Ponent, 2008); Senderos, de Paco Roca (Laukatu, 2009); y, por si alguien aún no lo ha degustado, apunten el delicioso álbum colectivo Nuestra guerra civil (Ariadna, 2006).
En adelante, procuraré dar cuenta detallada de los sabores y matices de estos y otros manjares que no añado por no abusar del espacio. De momento aquí me tienen, ahíto, disfrutando de una sabrosa digestión. Ojalá se apunten al convite. Desearía que les aproveche, pero es que les aprovecha seguro.

Javier Fernández

CUATRO VECES BUENO

2010-06-29T19:34:00.004+02:00

Título: DOS VECES BREVE Nº 21

Autor: VV. AA.

Editorial: ARIADNA EDITORIAL

Páginas: 50

PVP: 5,95 €

El caso es que estaba yo releyéndome el Dinero de Miguel Brieva, luego de haber cruzado el charco para volver a mi casa mexicana, esto es, con veinticuatro horas de vuelos y escalas en el cuerpo y un lapso de siete echadas al limbo del cambio horario, cuando me ha entrado un no sé qué, un sentimiento patrio que, les aseguro, nada tiene que ver con la fiebre mundialista, y sí quizá algo con mi reciente e intenso paseo de tres semanas por el terruño. Se trata del convencimiento que me embarga cada cierto tiempo de que nuestra historieta, pálida y moribunda como está, posee en su conjunto tal grado de extrañeza, singularidad y desesperación que merece la consideración de verdadera joya dentro del concierto general Los nuestros son francotiradores en una guerra perdida de antemano, devotos de la narrativa gráfica que llevan en su ADN la sospecha de una y mil oportunidades perdidas para el tebeo. Me decía hace unos días Raúl, esa bestia de la historieta resistente que hace ya demasiado se marchó al más remunerado campo de la ilustración, que quizá sea hora de echar definitivamente la persiana de las viñetas en nuestro país. Y a él se lo había dicho nada menos que Carlos Giménez en una tertulia plagada de pilares del tebeo español o, dicho de otro modo, de amigos reunidos en el bar. Me dijo también, y perdonen que me ande por las ramas, que Víctor de la Fuente está ahora inactivo, y esto es un crimen, es un crimen, pero no nos engañemos es sólo un ejemplo de la interminable lista. Pasa que el tebeo se ha quedado para los románticos, para los que nada esperan, menos aún un salario. Es un oficio de poetas, de funambulistas, de insensatos. Aunque claro, parafraseo a Raúl, luego les ponen delante una viñeta de Breccia o de Alex Raymond y se les encienden los ojos como a niños. Hablando de insensatos, conozco a pocos que lo sean tanto como Vicente Galadí. Lo conozco desde hace más de dos décadas, desde los tiempos de las Jornadas del Cómic en Córdoba, la Colección Imposible de Joan Navarro o el Rumbo Sur de Tabernero. Trabajamos juntos en el fanzine Voz en Off, aprendiendo a maquetar y a soltarnos en eso del diseño. Y el tipo ya estaba como las maracas de Machín. Se relamía de gusto con la escuela frango-belga y le iba, entre otras cosas, el underground español. Con todo, era aplicado y si había que leerse tal tebeo gringo de superhéroes, iba y se lo leía. Se leía cualquier cosa que pudiese considerarse significativa y acabó militando en la defensa activa del cómic español. Se metió a editor y hace ocho años creó Dos veces breve, ese excitante espacio contracorriente, abierto especialmente a los nuevos valores, la jóvenes promesas, que se sostiene con brillantez en el alambre de la apatía circundante. Le acaban de conceder el premio a la Mejor Revista de 2009 en el pasado Saló del Cómic de Barcelona, la distinción más importante a la que se puede aspirar en nuestro país. Sé que anda cansado, pues el altruismo agota, quema, y sin embargo, personas como él son los que mantienen el sueño del tebeo, los que permiten que la función continúe. Y ojalá no se detenga nunca. En suma, Vicente, gracias.

Javier Fernández

EL CRONISTA DE CHILANGOLANDIA

2010-06-07T19:10:00.005+02:00

Título: LA FAMILIA BURRÓN
Autor: GABRIEL VARGAS
Editorial: PORRÚA
Páginas: 408
PVP: 130 pesos

Como suele suceder en estos tiempos de globalización, los objetos culturales considerados minoritarios, y entiéndase con ello una infinita galaxia de discursos regionales y propuestas que no participan de la inelasticidad de lo dominante, esto es, que tienen un sabor distinto, permanecen mayormente ocultos por la imparable y severa poda del mercado, siempre empeñado en la confluencia y absorción de las miradas. Con todo, son precisamente los medios globales los que nos permiten el acceso a las realidades lejanas, vean si no: escribo desde el otro lado del Atlántico de uno de los hitos de la historieta mexicana que, a Dios gracias, puede adquirise hoy, vía internet, en cualquier parte del mundo. Sí, mucho se ha escrito sobre esta ambivalencia. ¿Por qué comenzar citándola? Quién sabe, debe ser que estoy cansado, aburrido de tanta y tanta gruesa basura. Discúlpenme ustedes.
El caso es que se ha muerto Gabriel Vargas, que para el ciento de los nacidos en la piel de toro suena a intérprete de rancheras, pero no. Vargas se cuenta entre los cronistas mayores de Ciudad de México, chilangolandia, el DF, defecal o defectuoso, como dicen aquí en Jalisco, esa megaurbe pasmosa y electrizante, poderosa y atrayente como ninguna otra polis del planeta. El sujeto en cuestión nació en provincias, en Tulacingo, en 1915, y fue uno de la turba que, contraveniendo los propósitos de la Revolución, se encontró muy pronto emigrado en la capital de la república. Millón y medio habitaba los alrededores del Zócalo a principios de la década de 1940; veinti-¿cuántos? millones conforman su enjambre actual. Esta es la locura de la ciudad-nación.
Pero ¿quién es, quién fue Gabriel Vargas, muerto el pasado 25 de mayo de complicaciones cardiovasculares, poco antes de alcanzar su propio siglo? Pregúntenle a sus estudiosos: “El Cervantes de la historieta mexicana”, “un caricaturista chipocludo”, no, la palabra no está en el DRAE, pero eso no implica que no signifique. Pregúntenle, por ejemplo a Carlos Monsiváis: “Al irse extinguiendo la dimensión social de la Revolución Mexicana y fortalecerse el capitalismo salvaje, Vargas es uno de los forjadores del espíritu que, a distancia crítica, observa las celebraciones de la corrupción, el ascenso de las clases medias y la modernidad selectiva”.
Yo, por mi parte, les diré que Vargas es el artífice de La familia Burrón, un largo relato de 1616 capítulos comenzado a dibujarse en 1948 y terminado, que no acabado, el 26 de agosto de 2009. Si busco un equivalente se me viene a la cabeza la escuela Bruguera, el Carpanta de Escobar, pero a qué engañarnos, no hay símil que valga la historieta española, por lo largo, por lo coral, por lo consciente. Parece y es un tebeo para niños, pero no es menos la crónica social, la reflexión en voz común y la composición de un imaginario popular. Lo he dicho, de la ciudad de ciudades, de uno de los logros y las bestias del ser humano. Esa que tanto asusta de Tijuana para arriba.

Javier Fernández

DEMASIADAS RESPUESTAS

2010-06-02T17:56:00.003+02:00

Y bueno, se acabó Lost. Qué les voy a contar que ustedes no sepan. Se terminó uno de los seriales televisivos de referencia de la industria del entretenimiento. Sí, sí, lo echaremos de menos, qué duda cabe, nos ha tenido pegados al aparato durante seis temporadas, absortos ante el alarde narrativo, pendientes de mil teorías acerca del significado de los símbolos y misterios de la dichosa isla, expectantes por la suerte de un puñado de personajes a los que hemos aprendido a amar, y a odiar, episodio tras episodio.
Y terminó el asunto de aquella manera, fiel al estilo de la más pura telenovela, con besos y abrazos y encuentros y reencuentros, y hasta en una iglesia, como La dama de rosa, pero sin boda, en el ejemplo más artero de la autocomplacencia del que se sabe observado por millones de fanáticos a los que hay que entregar su ración de pastel. Se tiene la sensación de que llegados al final, la serie dejó de mirar hacia delante y se miró a sí misma el ombligo, no sé si me explico, como le sucedió al señor Lucas cuando tuvo a bien cargarse de un plumazo todo lo que de divertido había en La guerra de las galaxias y se inventó el otro engendro, la precuela, lectura deformada y deformante de la primera trilogía, explicativa por que sí. Aunque se podría argumentar que no, que puestos a mirar al frente, Lost ha superado cualquier precedente. Y es que alguien tuvo la idea definitiva: no bastaba con contar la conclusión de las peripecias, había que iluminar al personal. Puestos a dar respuestas, qué mejor que contestar La Pregunta: ¿hay vida después de la muerte? Ya te digo si la hay: la luz es buena, la oscuridad es mala; levantemos el corazón, lo tenemos levantado hacia..., etcétera. Claro, que aún no hemos cruzado el umbral, a lo mejor va a resultar que estas son las mentes preclaras de nuestra era y cuando esperemos sentados en la banca el ingreso a lo que sigue nos encontremos diciéndole al de al lado: anda, como en Lost. Fundido en blanco. Entretanto, déjenme mi escepticismo. Y en todo caso, qué remedio, admito, tolero al que se enmpeña en convencerme de su propia y dogmática creencia, de aquello de lo que se está realmente convencido, pero no este gazpacho de espiritualidad de supermercado, tan gringa, tan del punto medio, tan de la nueva era. Una espiritualidad del entretenimiento.
No me digan que no se dieron cuenta de que la cosa tenía fácil arreglo: final feliz en la realidad alternativa, tragedia en la realidad real, quizá el hundimiento de la isla y con él sus misterios. Desmond, la constante, posibilitando el recuerdo de otra vida en la conciencia de los que aterrizaron en LAX tras la fractura creada por la bomba. Sí y no, todo en uno. Aunque, claro, asumir un final hubiese sido asumir que Lost es sólo una historia entre tantas y había que ponerle mayúsculas. Responderlo todo para no responder nada. Y digo yo, ¿cuál era la pregunta?

Javier Fernández

LA MORADA DEL TRUENO

2010-06-01T19:08:00.005+02:00

Título: El Capitán Trueno: El Último Combate
Fecha de edición: marzo de 2010

Autores: Ricard Ferrándiz y Joan Boix.

Formato: Libro cartoné, 128 páginas a color

PVP: 15€

Este breve comentario es un tremendo SPOILER de la nueva aventura de EL CAPITAN TRUENO:EL ÚLTIMO COMBATE. Me ha llamado la atención, centrándome exclusivamente en el desenlace de la historia, como el protagonista se confirma como el equivalente a una encarnación patria de mitos con reminiscencias artúricas, en este caso a través de su propia muerte.
Ya en sus inicios, Trueno compartía semejanzas evidentes con El Príncipe Valiente y en sus aventuras iniciales algún grial tenía una presencia destacada en las cruzadas de las que participaba, así que la senda que toma en su último viaje se me antoja coherente y más que correcta.
Mortalmente herido tras un combate en Montsegur, el buen capitán muere en los brazos de Esclarmonda de Foix, guardiana del Grial de la mitología occitana (aunque él en su agonía la toma por Sigrid, fallecida tiempo atrás), y su fiel compañero Goliat transporta en brazos su rejuvenecido cadáver para depositarlo en el Lago de los Druidas (al parecer un lugar real, también conocido como la morada del trueno), dentro de un círculo protector, por indicación de esta dama mágica, donde las aguas congeladas se cierran para guardar el cuerpo del héroe, posiblemente hasta que su destino lo reclame para asistir a su tierra en el momento de mayor necesidad, tal y como el Rey Arturo espera en Avalon o el Capitán América duerme en el ártico tras su caída en los estertores de la segunda guerra mundial.
Me gustaría que la resurrección del Capitán Trueno fuera acompañada de una renovación total en sus argumentos e imágenes que lo transportaran con éxito y merecida dignidad al siglo XXI. De momento sólo es un sueño, y el capitán duerme el sueño de los justos y las leyendas.

J.A.Santiago